Crítica: 'Regresión (Regression)' (Alejandro Amenábar, 2015)

La presencia del diablo vuelve a estar presente en el cine, esta vez de la mano de Alejandro Amenábar, que "regresa" al cine de suspense que ya le hizo triunfar en el pasado con títulos como Los otros o Tesis. Inspirada en sucesos reales de sectas satánicas que acontecieron a la población americana hace décadas, el director hispano-chileno plantea una historia resultona carente de originalidad, dotada de un ritmo lento condimentado con una atmósfera y ambientación bien conseguidas. Un envoltorio altamente atrayente, suscitado por varios actores reconocidos y un contenido sorpresa que no termina de serlo tanto...

El detective Bruce Kenner investiga el caso de Angela, una alterada adolescente que acusa a su padre y parte de su familia de cometer actos inmorales. Con la ayuda de un psicólogo y curiosas sesiones de regresión con dichos personajes, se adentrarán en la oscuridad más tenebrosa, la que está custodiada por el mismísimo diablo. Lo que no saben, es que a veces el diablo puede surgir de diferentes formas donde la razón y la cordura se ponen a prueba por el objeto de la susceptibilidad del ser humano. 

Después de ver el bonito envoltorio toca descubrir lo que hay en su interior, un ambiente de locura y paranoia en la que las sectas se desvanecen como el humo de un cigarrillo quedando los demonios interiores y la sugestión. Un guión plano, que nace buscando lo imprevisible y muere encontrado lo convencional. Algunos tramos del desarrollo están conseguidos, manteniendo cierta tensión gracias a la incertidumbre inicial de la historia cayendo en un clichés que se hacen llevaderos, sin más alardes. Técnicamente es notable, el panfleto satánico sectario de Amenábar te puede atraer más o menos, pero hay que reconocer que su estilo cinematográfico es de calidad. Ethan Hawke y Emma Watson hacen un buen papel, intentando enganchar al público a esta enigmática trama. 

El miedo puede ser real o inventado, incluso aderazado con paranoia pero siempre hay un actor oculto en estas historias: la existencia del maligno. Amenábar vuelve con una historia manida, carente de originalidad y con el ya condicionado giro argumental o factor sorpresa que contiene este género. No obstante, su lograda atmósfera, unas buenas interpretaciones que mantienen la incertidumbre y si te interesa la tesis fundamentalista del tema tratado será un thriller interesante. La "regresión" de Amenábar al género del suspense se queda a medias de la sesión. 

Valoración: [6/10]
★★★★★★★★★★

Paco Garrido



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Encuesta: ¿Cuál es la mejor película de M. Night Shyamalan?

Con motivo del estreno de su última película, La visita (The Visit), nos hemos embarcado en una nueva encuesta que tanto nos gusta para conocer la opinión de los participantes sobre el cine del conocido director de origen indio, M. Night Shyamalan. De capa caída en los últimos años con sus dos clamorosos desastres, Airbender, el último guerrero (2010) y After Earth (2013), y con sus irregulares anteriores filmes como La joven del agua (2006) y El incidente (2008), Shyamalan vuelve al género que le hizo triunfar entre crítica y público: el terror o thriller psicológico. Un ciclo de cine de calidad el que nos ofreció entre 1999 y 2004 con El sexto sentido (1999), El protegido (2000), Señales (2002) y El bosque (2004), considerado imprescindible del género para muchos y con un denominador común: los giros de guión. Los finales y los giros argumentales que impregnaba el director indio a sus películas eran una de las bazas recurrentes de los cinéfilos para seguir sus historias, siempre con una carga enigmática y con un buen hacer detrás de la cámara, ganándose adeptos (entre los que me incluyo) en cada estreno que realizaba.

La encuesta con más participación que hemos tenido hasta el momento en el blog ya tiene resultados, más o menos los esperados pero con matices en los porcentajes. A continuación el desglose de resultados, con el Top 3 y las que se han quedado fuera por poco en esta reñida encuesta.


1ª - El Sexto Sentido (The Sixth Sense) (1999)
[53% de los votos]

La historia de fantasmas de Bruce Willis y Haley Joel Osment se alza con el primer puesto tras deleitarnos con uno de los finales más recordados de la historia del cine.



2ª - El protegido (Unbreakable) (2000)
[38% de los votos]

Una historia de cómic adaptada a la vida real, donde los superhéroes se disfrazan de personas en un trayecto de alta intensidad, con homenaje al mundo del tebeo.



3ª - El Bosque (The Village) (2004)
[25% de los votos]

Claro ejemplo de suspense puro, filmado siempre desde el desconcierto hacía el espectador y con una atmósfera peculiar. La banda sonora de James Newton Howard es memorable.



El Top 3 que habíamos apostado, aunque con un distanciamiento menor del esperado entre El sexto sentido y El protegido. Cabe destacar los resultados de las películas que se han quedado fuera de este ranking, contando con Señales (12 %), La joven del agua (6 %), Airbender (4 %) y After Earth (2 %).

'2013: Rescate en L.A. (Escape from L.A.)' (John Carpenter, 1996)

Snake is back. John Carpenter regresa con una nueva aventura acompañado por uno de sus personajes más recordados: Serpiente Plissken. Caracterizado por el intratable Kurt Russell, Snake vuelve con ganas de aventura macarra, irreverente y cutre donde las haya, pero con sabor a Carpenter y esa energía que incuba a sus siempre entretenidos filmes. 

Surfeando, volando en aeroplano, jugando al basket o subido en una Harley-Davidson, el carismático protagonista de estilo retro con parche en el ojo, hará las delicias de los fans más acérrimos de su personaje con una interpretación excesiva hasta límites insospechados. 

Un terremoto ha devastado Los Ángeles, dejando un futuro distópico y gobernado bajo la tiranía de un presidente autoritario mientras la pequeña L.A. se convierte en una pequeña urbe de hostilidad encabezada por Cuervo Jones, un revolucionario peruano que intenta sembrar el terror en el planeta. Snake, tachado como ciudadano indeseable, se verá implicado en el conflicto con una misión contrarreloj para salvar el mundo y su propia vida. 

El guión simplemente no existe, es un batiburrillo de situaciones excéntricas y llevadas a la exageración para un entretenimiento de lo más elemental. Y eso es lo que busca y consigue Carpenter, divertir. Los efectos especiales "cantan", pobretones en todos los sentidos. La narración es lo más parecido a un videojuego que te puedes encontrar: un número de misiones de acción y más acción, batalla épica acompañado de tus aliados contra el jefe final y la despedida de Snake. La música vuelve a correr a cargo del maestro Carpenter, muy adecuada y repleta de sintetizadores. 

Conserva el tono mordaz y de humor irónico tan representado en las obras del director, homenaje a los clásicos de la acción con toques de crítica social. Desmesurada y corrosiva, plagada de escenas de acción cutre, posee el encanto que nos brindó con 1997: Rescate en Nueva York pero un peldaño por debajo en cuanto a calidad y originalidad.

"Llámame serpiente." Snake Plissken

Valoración: [5/10]     
★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica: 'Perdida (Gone Girl)' (David Fincher, 2014)

En ocasiones, las adaptaciones de best-sellers literarios que nos ofrece en cine suelen asemejarse con dicha novela solamente en el título. Esta vez David Fincher nos ofrece un ejercicio de intriga rocambolesco y perturbador fiel a la obra escrita por Gillian Flynn, que a su vez, firma el guión de este film. Personalmente, creo que Fincher es uno de los directores que mejores thrillers nos han brindado en los últimos años, desde su obra maestra Se7en hasta la notable adaptación de otro libro de éxito Los hombres que no amaban a las mujeres, Perdida sigue en consonancia con ese gran trabajo en historias de intriga. 

Una desaparición misteriosa, un marido en el objetivo de policía y público, un buen puñado de elementos sospechosos y mucho misterio "invisible" esperando a explotar como si de TNT estuviera alimentado. El enigmático juego hitchckockiano que presenta Fincher no dejará un respiro al espectador, siempre con la maquinaria engrasada para mantener nuestros cerebros trabajando en conjunteras, suposiciones y prejuicios de la trama puesta sobre la mesa para hacernos partícipes de la historia, sacando el detective que todos llevamos dentro. 

Rosamund Pike realiza una interpretación extraordinaria dando vida a "la asombrosa" Amy. Ben Affleck al igual que los secundarios, correcto. Curiosamente, Flynn describe a Nick Dunne tal cuál es Affleck, así que me parece un acierto su elección, concurriendo con la fidelidad que ya he comentado con la novela en que se basa. Puesta en escena, ambientación y técnicamente raya a gran altura, como esperábamos de un director como Fincher. El grial de esta cinta es buscar la sorpresa en el público, constantes giros de guión esperando al inusitado, ese que hace exclamar de asombro como cuando te sacan el as de la manga. Como lector de la novela, ya iba con los deberes hechos, estas vueltas de tuerca ya las conocía, quizás por eso el factor sorpresa se desvanece quedando el mero disfrute y consolidación de una atractiva historia. 

Una historia rocambolesca, atractiva, colmada de misterio y virajes narrativos que transitan sin dar tregua al espectador. Su caballo de Troya recae en el engaño y en generar una atmósfera inquietante concibiendo un halo perturbador para mantener la intriga siempre alta. A pesar de alargar en exceso partes de la trama, es un film muy recomendable para amantes de los relatos sesudos que mantienen nuestra materia gris activada y sacará valoraciones propias de cada uno.

"Prefiero a los que tienen gracia, no a los graciosos." Amy Elliot Dunne

Valoración: [7/10]     
★★★★★★★★★★

Paco Garrido




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Crítica: 'La visita (The Visit)' (M. Night Shyamalan, 2015)

M. Night Shyamalan vuelve a los orígenes: cine de bajo presupuesto, thriller de tintes sombríos con giros de guión marca de la casa que no veíamos en sus proyectos desde The Village (2004). Rodeado de actores desconocidos unidos a un guión escrito de su puño y letra, el cineasta indio juega una vez más con el engaño al espectador mediante virajes narrativos e intentando generar la sorpresa, esta vez, atisbada de forma presumible. 

Cuando los hermanos que nunca han conocido a sus abuelos y van una semana a su casa para recuperar el tiempo perdido, comienza a fraguarse la historia en nuestra cabeza. Las pistas son concisas y resolutivas a cada paso del metraje, un pequeño orden mental del inquietante puzzle expuesto por Shyamalan va tomando forma y desarrollándose en nuestra cabeza, donde las piezas van encajando y el resultado es el que nos esperábamos. Con lo que el factor sorpresa que tanto le gusta al director se pierde cuando explota la burbuja. Por supuesto, esto es una opinión o sensación personal. 

Una puesta en escena y ambientación lograda, con música y efectos sonoros bien implementados. Remarcando algunas actuaciones imponentes como la de la abuela (Deanna Dunagan) o la joven aprendiz de cineasta (Olivia DeJonge) que están por encima del resto. Algunos altibajos importantes en el desarrollo narrativo, como las escenas cómicas con algo de humor negro que le restan intensidad a la misteriosa historia, o la repetición de alguna. La trama está contada como si de un metraje independiente grabado por cámaras estándar se tratara, desde diferentes ángulos y en primera persona. Algunas escenas de miedo convencen, pero en global, disfrutaremos de un filme de terror puramente psicológico.

Shyamalan nos ofrece una propuesta independiente concisa, marcada por cierto cariz añejo de sus primeras obras de terror psicológico como El Sexto Sentido o El Bosque. Pero a diferencia de ellas, el factor sorpresa se pierde al presagiar el desenlace. Una cinta de terror psicológico con una narración y puesta en escena interesante. 

Valoración: [6/10]
★★★★★★★★★★

Paco Garrido



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Crítica: True Detective (Season Two), (Nic Pizzolatto, Justin Lin, 2015)

La esperada continuación de la flamante True Detective protagonizada por McCounaghey y Harrelson, ha suscitado críticas dispares tanto en la crítica profesional como público, atrapada entre la maraña que tejió Nic Pizzolatto y Fukunaga hace un año, este último haciendo laborales de producción y cayéndose de la dirección, digamos que la nueva aventura disiente bastante en ese aspecto.

Pizzolatto vuelve a escribir un guión contundente, a pesar de estar a la sombra de su primera obra para HBO, su trama policíaca-mafiosa en las calles californianas contiene una partitura sólida que se acentúa en los personajes, uno de los pilares fundamentales en sus composiciones.

True Detective II nos pone en la piel de Velcoro, Bezzerides y Woodrugh, unos policías con tintes oscuros y devorados por sus tormentosos demonios intentan abrir un rayo de luz a un asesinato. Mientras, Frank Semyon pretende recuperar su poder dentro del crimen organizado a toda costa y sin reparos. Como si estuviera escrito por Robert Johnson mirando al diablo en un cruce de caminos, estos cuatro dignatarios serán los pilares para sostener la nueva trama detectivesca ideada por Pizzolatto. En la proclamada "Edad de oro de la televisión" True Detective se ha convertido en algo venerado hasta cuotas insospechadas. La primera temporada se convirtió en un puñetazo sobre la mesa haciendo temblar los siempre estables cimientos del cine, revelando una historia francamente magistral.

Eso es lo más inoportuno de True Detective II, vivir a la sombra de True Detective I. Las siglas TD le han pesado a la hora de obsequiar al espectador con algo estruendoso, consiguiéndolo a ráfagas durante sus ocho horas. Dejando de lado este aspecto, nos encontraremos un mundo de corrupción, asesinos, policías desequilibrados y cualidades del neo-noir moderno dignas de ser contadas. Aún así, estamos ante una buena serie policíaca que se abre camino a golpe de cigarrillos, whisky, sangre y tensión sexual acumulada. Farrell y McAdams ofrecen unas interpretaciones estupendas, con unos personajes absorbentes y con un aura misteriosa alrededor de ellos que empatizan con el público. Velcoro y Bezzerides se echarán de menos, en cambio, no puedo decir lo mismo de Woodrugh y Semyon. No veía a Vaughn de mafioso serio y malote, aún sigo sin verlo. Su personaje lleva un peso importante en la trama, y aunque consigue encauzarlo de manera estable gracias a unos diálogos francamente fantásticos, la trama secundaria con su esposa llega a fatigar.  Taylor Kitsch se queda a medio camino, convirtiéndose en un peón dentro del abanico de torres. 

Excelente música ambiental y banda sonora que acompaña a la acción, como podíamos esperar de este equipo. La ambientación está lograda y la intensidad narrativa puede decaer en algunos momentos, sobre todo al principio de la historia, donde se empiezan a poner las cartas sobre la mesa y puede resultar algo lenta. La prosa de Pizzolatto sigue intacta, contando una narración dura y sin tapujos, a pecho descubierto y criticando a un sistema corrupto, que por desgracia, no está solo en Estados Unidos sino en cualquier parte del planeta. A veces el desarrollo puede parecer enfarragoso por la cantidad de detalles que profiere, si pestañeas te puedes perder, imponiendo atención máxima en el espectador.

Si te gustan las historias policíacas oscuras, esos thrillers intensos que mantienen una aureola de misterio constante y con buenos personajes, la segunda entrega de True Detective te mantendrá enganchado. A pesar de sus altibajos de intensidad narrativa, acompañados de un desenlace falto de poderío, es una serie bien estructurada y con múltiples matices para desgustación del espectador más exquisito. Pero hay que verlo como lo que es, una historia totalmente diferente a la primera.

Valoración: [7/10]     
★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica: Del Revés (Inside Out), (Pete Docter, Ronaldo Del Carmen, 2015)

Disney Pixar ha madurado con el paso de los años, ofreciendo historias más profundas con las que satisfacer tanto a grandes como a pequeños. Con Inside Out ha plasmado un planteamiento interesante: las emociones. Consiguiendo un mensaje acertado en cuanto a la madurez personal, las torres estructurales del ser humano mostradas con simpleza e ingenio a su vez con infinidad de temas que abundan en nuestro vida y día a día. 

Alegría, Asco, Miedo, Tristeza e Ira son las emociones que veremos desempeñar su cometido dentro de la cabeza de nuestra protagonista, Riley. Hacerse mayor es un camino laborioso, donde los pilares fundamentales de una persona como la familia, amistad, confort o los hobbys pueden ser desestabilizados en más de una ocasión. Una absorbente y preciosista aventura nos ofrecerán estos curiosos personajes, que nos llevará a la reflexión en más de una ocasión.

Esa madurez de la que hablaba en el principio de este escrito es lo que más destaca en el nuevo film de la popular Pixar. Un guión con entresijos, en el que te hace pensar y recapacitar sobre la vida y con una fuerza emocional importante en el que nos hace meternos en la piel de Riley de forma concisa. Apuesto a que la mayoría de niños que estaban en el cine viendo Inside Out no comprendían muchas de las cosas que dictaban, mientras un adulto estaba disfrutando de esa coyuntura emocional. Con un tono gracioso y original, nos lleva de la mano de alegría en una aventura que a pesar de no ser tan sorprendente si que es elegante y con un ritmo perfecto, creativa y altamente divertida. Memorable la escena que aparecen las emociones de los padres de Riley cuando están comiendo en la mesa, mi secuencia favorita de la película.

Los más pequeños disfrutarán de las nueva película de Disney Pixar pero serán los adultos y adolescentes los que de verdad aprecien esta historia afectiva, ahondando en los conflictos de la vida real y en las emociones más cotidianas. La experiencia es un punto a favor y Pixar ha logrado esa maduración que deben conseguir todos los estudios de cine. 

Valoración: [8/10]     
★★★★★★★★★★

Paco Garrido


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Fan de historias 
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Crítica: Eliminado (Unfriended), (Levan Gabriadze, 2014)

El cine, como la tecnología, ha cambiado. El terror ya se ve como un suplemento de ocio viral que busca llenar un contador de visitas sin importar la veracidad de sus imágenes, invadiendo de un horror inexistente las pantallas de los últimos ordenadores y smartphones que dominan las mentes de la juventud actual. La premisa o el filón comercial para producir este film está claro, pero como ya va siendo habitual, la calidad se esfuma como el humo de un cigarrillo por una ventana... Y no del Windows precisamente. 

Laura Barns se suicida en directo tras ser humillada en Internet por un vídeo sexual en el que aparecía borracha. Un año después, su grupo de amigos se encuentran chateando por Skype mientras un usuario desconocido que se ha conectado a la sesión, hará desvelar todos sus secretos y algo más.

Todo visto desde la pantalla de un ordenador, la trama nos involucra en una conversación juvenil en el que se tocan todos los campos informático-sociales: Youtube, Facebook, Skype, Gmail, etc. Intentando plasmar algo de terror sin conseguirlo, vamos conociendo los trapos sucios de nuestros odiosos protagonistas y las irrisorias muertes que acontecen. Sin guión es dificilmente mantener un orden coherente en la historia, simplificando la narrativa a unos crímenes antinaturales dentro de una anarquía visual. Nos intentaron vender un renovado slasher, desgraciadamente se ha quedado en un aburrido viral sin fuerza ni carisma, lleno de trucos sin sustancia y un horror inexistente. Unfriended solo es recomendable para pandillas de adolescentes esclavos del smartphone.

Jason, Freddy, Chucky, Leatherface, Mayers... Los viejos rockeros nunca mueren.

Valoración: [3/10]     
★★★★★★★★★★

Paco Garrido


Otras críticas en blogs amigos:
Comunidad RavenHeart
Cine de Patio

Crítica: Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road), (George Miller, 2015)

Welcome to the jungle. Bienvenidos a la locura, a la violencia y a la desbordante acción, que incubada en la mente de George Miller, hará las delicias de los amantes del superávit adrenalínico. El director de Babe, el cerdito en la ciudad (¿...?) o Happy Feet vuelve a rescatar la saga que le hizo triunfar hace más de tres décadas con un jovencito Mel Gibson a la cabeza de manera fulgente, a priori de lo que cabría esperar, con un ardoroso Western futurista. 

Los fans de la trilogía Mad Max (Salvajes de autopista, El guerrero de la carretera y Más allá de la cúpula del trueno) deberían descorchar el champán y celebrar la victoria conseguida con esta cuarta entrega, pues si buscan todo lo excesivo de las añejas lo encontrarán en mayor cantidad y elevado a la máxima potencia. 

Tom Hardy y Charlize Theron protagonizan la nueva aventura en los vastos desiertos de un futuro postapocalíptico plagado de miseria, locura, motores, rueda quemada, pólvora y carencia de aburrimiento. Miller sentó la base del futuro que iba a encontrar la humanidad en su trilogía original, aquí estamos ante un resultado mucho más desastroso, con escasez de elementos básicos como agua o comida, la lucha por el combustible sigue a la orden del día y la tiranía asoma por la ventana de la ciudadela donde se desarrolla la trama. Furiosa y Max comienzan una frenética aventura en busca de la rendición, la supervivencia e incluso la espiritualidad en territorio hostil, y lo mejor de todo es que nos pillará a nosotros de por medio. 

Implacable espectáculo a nivel visual, sonoro, coreografiado de manera formidable y con una ambientación que ni pintada. Diseño de escenarios, vestuario y bólidos francamente bueno, desproporcionado en cuanto a los vehículos pero acorde con el exceso general del film. Intensas escenas de peleas, combates cuerpo a cuerpo o desde los coches, violencia explícita aderezada con fuego y un ritmo vertiginoso convirtiéndose en pura dinamita. En este punto es donde radica la majestuosidad de Mad Max: Fury Road, el punto flaco viene a la hora de confeccionar el guión, parco en palabras y en originalidad narrativa, sitemáticamente podemos definir los acontecimientos como previsibles, no todos pero si la gran mayoría.

Ciertamente, se queda en segunda plano y nunca mejor dicho, ya que la cinta está confeccionada y pensada para que la imagen/sonido sobrepase la de la trama, consiguiéndolo sin lugar a dudas. Los guionistas no se han estrujado el cerebro pero cuando decides ver Mad Max no buscas otra cosa que exorbitante acción y eso lo vas a encontrar. Estamos ante un derroche de adrenalina, un exceso de acción, violencia de alto voltaje (no gore, poca sangre pese a la ferocidad que vemos en pantalla), frenetismo descontrolado, locura que haría palidecer a los malvados de la trilogía en la que se basa el film y mucha rueda quemada. Tan atronadora y espectacular visualmente que su disfrute máximo solo se puede sentir en una butaca de cine o un gran sistema de sonido. Solo falta poder percibir el silbido de las balas y el olor a gasolina para sentirse un nuevo demente de la velocidad en la moderna obra de la franquicia estrella creada por George Miller. Algunos detalles como el guión o la previsibilidad de algunas partes no le hacen coronarse como una obra aún mayor pero lo que en realidad buscamos lo vamos a encontrar, y disfrutar como un loco.

Valoración: [7/10]     
★★★★★★★★★★

Paco Garrido



Otras críticas de blogs amigos:

Aleucine
Gusanillo de cine
Cine de patio

Crítica: Ciudadano Kane (Citizen Kane), (Orson Welles, 1941)

Situada en el primer puesto de las mejores películas de la historia en la encuesta realizada por críticos de la revista Sight & Sound desde 1962, arrebatado en los últimos años por Vértigo de Alfred Hitchcock, el notable debut de Orson Welles (El extraño, Sed de mal, El cuarto mandamiento) figura entre los grandes clásicos del celuloide. La leyenda ha sido alimentada en parte por el hecho de que Welles solo contaba con 24 años de edad cuando hizo la película. 

La cinta cuenta la gran historia de Charles Foster Kane, que nace pobre pero hereda una importante fortuna que invierte en publicaciones de prensa y radio a nivel nacional. Pero el núcleo de la trama nos centra en la última palabra que salió de sus labios antes de morir: Rosebud. ¿Qué es Rosebud? A partir de esta premisa entraremos directos al corazón de la existencia de Kane, vivencias, amoríos, extrenticidades y peculiaridades que le hicieron tan popular en la época para descubrir el significado de dicha palabra. 

Ciudadano Kane tiene un interés y una importancia tremendos, pues además de una narrativa concisa y elaborada, contiene un guión soberbio escrito por el propio Orson Welles y Herman J. Mankiewicz, además de ganar un Oscar por este guión. Enmarcándose con firmeza en las tradiciones del populismo y ensalzando la creencia de que el dinero no puede comprar la felicidad de forma prosaica. El argumento se cuenta mediante flashbacks y cada personaje conoce a Kane desde cierta perspectiva. Una de las fuerzas del film radica en la fotografía: colmada de primeros planos, donde se enfocaban simultáneamente con los fondos. Incluso atendiendo a las pautas establecidas actualmente, siguen siendo formidables.

Pese a rozar la excelencia en múltiples ocasiones, algunas escenas menos sorprendentes que otras o el parsimonioso arranque, el considerado por el American Film Institute en 1998 como "la película más grande de todos los tiempos" cada vez que su título sonaba en la ceremonia de los Oscar en 1942, era abucheado. Una anécdota de las que no se olvidan.

Un drama inolvidable que le sigue sentando de maravilla el paso del tiempo, con un magnífico guión y una vanidosa fotografía, el Ciudadano Kane de Welles constituye una de las bazas más importantes de la historia del cine.

"Siempre me atraganté con la cuchara de plata." Charles Foster Kane

Valoración: [9/10]     
★★★★★★★★★★

Paco Garrido