EL SEXTO SENTIDO (The Sixth Sense) (M. Night Shyamalan, 1999)

"Incluso una vez acabado el rodaje, teníamos dudas de si seríamos capaces de engañar a la audiencia." Bruce Willis, 2002

El guionista/director M. Night Shyamalan recuperó el thriller dramático apoyándose en un estilo clásico, con clara inspiración en Hitchcock o 'El resplandor' de Kubrick, para narrar una historia de amor donde daba una nueva dimensión al género de misterio y de fantasmas. Esta pesadilla de sorprendente final, mezcla de lo cotidiano y lo que envuelve a la muerte, se escenifica con una destacable creatividad. Una historia de fantasmas que funciona en diferentes sentidos, con horribles momentos de sutil terror, Shyamalan merece los mayores elogios por reunir los diferentes elementos y apreciar todos los matices.

Las pesadillas infantiles que hacen de la infancia algo atroz al miedo se disipan por una propia naturaleza que trasciende nuestro entendimiento. El inusual thriller fruto de esta situación mantiene un sutil y conmovedor equilibrio entre los distintos géneros que contiene: drama psicológico, terror, melodrama, compañerismo masculino. Willis, el héroe de acción, sorprendía con una actuación comedida que constituye el eje de la película, melancolía y soledad que transmite sensación de pérdida.

El argumento juega con las expectativas del público y explora la presunción de que todo lo que se ve es real y de que el tiempo, el espacio y la casualidad son elementos de la vida diaria. Con el tiempo, veríamos que sería una característica del cineasta. El inteligente uso amortiguado del color, la temperatura fría se encuentra presente, y el enorme poder visual se debe a la maestría artística de Tak Fujimoto. El apagado colorido, el uso del rojo, de las escenas individuales se combina para crear una atmósfera morbosa y cargada.

EL SEXTO SENTIDO se ha convertido en un clásico moderno. Compleja, visualmente atractiva, dolorosa, conmovedora, tensa y con un final impredecible.

EL PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR (Daniel Myrick, Eduardo Sánchez, 1999)

"En octubre de 1994, tres estudiantes de cinematografía desaparecieron en los bosques próximos a Burkittsville, Maryland, mientras rodaban un documental... un año después se encontró el material que habían grabado."

Así empieza 'El proyecto de la bruja de Blair', uno de los grandes pelotazos de las últimas décadas, un filme de terror en clave de documental con un presupuesto irrisorio que tuvo una recaudación de más de 140 millones de doláres convirtiéndola en una de las películas independientes más rentables de todos los tiempos. Todo gracias a una innovadora campaña publicitaria, donde las redes tuvieron mucho que ver, y el boca a boca hizo el resto.

Basada en la premisa de la misteriosa figura de la bruja que ronda el bosque de Black Hills desde el siglo XVIII y, supuestamente, responsable de crímenes atroces, por momentos consigue inspirar terror en el espectador mediante el uso de técnicas documentales. Cierto es su excesiva dependencia de la propia filmación, característica que arrastra el "Found Footage", y la lentitud de desarrollo. Su objetivo es suscitar intensas respuestas emocionales al explotar los miedos más básicos (a la oscuridad, lo desconocido, sonidos extraños), donde los momentos más terroríficos son los de la pantalla en blanco y negro, cuando entra en juego la imaginación.

Un género o subgénero muy arriesgado, cuál algunos lo verán como una engañifa y otros una historia excepcionalmente concebida y ejecutada. Myrick y Sánchez llevaron su producto un paso más allá del "metraje encontrado" al estilo documental a anteriores películas de terror como 'La última casa a la izquierda' de Wes Craven y 'La matanza de Texas' de Tobe Hooper, siendo estas más redondas cinematográficamente hablando.

¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO? (Narciso Ibáñez Serrador, 1976)

"Una película en defensa de los niños de todo el mundo."

Así rezaba la leyenda publicitaria del filme. Pocos días de la muerte de Chicho Ibáñez Serrador se cumple el 43° aniversario de uno de sus mejores trabajos, que no tuvo el recibimiento y aceptación que se le podía esperar a una cinta dirigida y escrita por una de las personalidades televisivas más importantes del país en el momento de su estreno, ahora se ha convertido en película de culto para diferentes generaciones.

Indudablemente, Chicho creó una de las propuestas más modernas y arriesgadas de toda la historia del género en España, con una cámara al hombro y luz diurna que contrastaba con propuestas anteriores, dejando clara la idea de venganza hacia los adultos, tema acorde y recurrente en su filmografía. Un relato sobre niños asesinos de Juan José Plans, gestado en soporte radiofónico y papel estilo 'Historias para no dormir', despertó la curiosidad de Ibáñez Serrador y la historia de esa génesis fue parecida a lo que dio origen a 'La residencia', su anterior película.

El cineasta se encargó del guión en solitario, suprimiendo la idea del polen que infectada a los niños por un relato donde la naturaleza tenía mayor presencia, no en vano, 'La semilla del diablo', 'El pueblo de los malditos' o 'Los pájaros' son las grandes influencias de la película. '¿Quién puede matar a un niño?', lejos de inaugurar ninguna etapa, nos recordó el final de una. Atrevida y adelantada a su tiempo, los niños de Chicho siguen dando tanto miedo como cuando visitamos su isla por primera vez.

HÄXAN: LA BRUJERÍA A TRAVÉS DE LOS TIEMPOS (Benjamin Christensen, 1922)

"Ya no queremos a nuestros pobres o ancianos. Pero, ¿no siguen sufriendo amargamente?"

El visionario creador Christensen desafía las fronteras del género en este ejercicio académico parte documental, parte terror, una rareza silente que explora la naturaleza de la brujería y el satanismo desde la antigüedad hasta los entonces tiempos modernos (1923). Una obra única que posee la capacidad de inquietar, utilizando diversos enfoques cinematográficos, desde imágenes fijas sacadas de documentos históricos, maquetas y recreaciones dramáticas, donde mezcla fantasía y realidad.

El pionero danés sostiene su tesis en una puesta en escena claustrofóbica y la iluminación en claroscuro, elementos realistas y explícitos como mostrar una joven dando a luz unos demonios, un sabbat o la torturas que infligen los jueces de la Inquisición.

Relaciona antiguos temores con malentendidos sobre enfermedades mentales, cómo la brujería sería comparable a la denominada histeria del mundo moderno. El final se enfoca desde una perspectiva de crítica social, equipara la institución médica y eclesiástica para determinar un momento de la historia asomándose a la Primera Guerra Mundial.

Si consideramos la época en la que se rodó y desde un punto de vista cinematográfico, HÄXAN resulta una notable pieza histórica, considerada un verdadero antecedente y haber influenciado en posteriores cineastas como Buñuel o películas como 'El exorcista' (1973) o 'La matanza de Texas' (1974).

Crítica | LA NOCHE DE HALLOWEEN (David Gordon Green, 2018)

"Rezo todas la noches para que se fugue y poder matarlo."

Michael Myers vuelve dignamente, más cabreado por las trastadas a la saga (secuela directa de la original) durante 40 años que por el mensaje de reflexión, paranoia y horror del psychokiller.

Actualización de códigos, ofrecer un producto nuevo para la nueva generación, sin llegar ser un remake, pero construida en base a un retrato justiciero (de reivindicación feminista) atribuido de enfoque reverenciador al género y a la semilla del slasher sin mucho riesgo.

Elegante dirección, con buena puesta es escena, orientada a un plano familiar y generacional con una Laurie Strode guerrera, traumática, imbuida en un aspecto de heroína de acción y olvidando aquella imagen de niñera asustadiza que conocimos en el origen.

Un filme que reconoce el miedo de un país, en la era Trump como ya pasaba a finales de los setenta sobre el horror del pueblo americano tras la guerra de Vietnam. Carpenter vuelve a poner la música, su inolvidable música.

Crítica | EL EXORCISTA (William Friedkin, 1973)

"Magnífico día para un exorcismo."

'El exorcista' fue la primera cinta de terror nominada para el Oscar a la mejor película, primer bombazo en taquilla de la historia del género y de gran influencia en posteriores producciones. Objeto de una implacable maquinaria publicitaria en su momento, donde Warner Brothers compró los derechos de la novela escrita por William Peter Blatty, guionista y productor del filme, anticipando que sería un Bestseller.

No estaba equivocados, el impacto cultural de la película dirigida por el severo Friedkin desafío las normas que especificaban lo que era aceptable mostrar en pantalla. El crítico de cine Roger Ebert, de puro espanto, afirmó incluso haber perdido su fe en la humanidad: "¿Se ha vuelto la gente tan insensible que necesita películas de tal intensidad para poder llegar a sentir algo?".

Una producción polémica, plagada de muertes indirectas pero relacionadas con el conglomerado, discordias en las posproducción, especulación sobre lo que podía inducir a gente de todas las edades a hacer cola durante horas para ver algo que tenía la virtud de provocar desmayos y psicosis temporal no era algo que deba infravalorarse. Incluso la posesión de Blinda Bair robó los titulares estadounidenses al escándalo Watergate durante un tiempo.

El mal posee el entorno desde sus primeras imágenes en Irak hasta la otoñal Georgetown, recursos estilísticos en un filme con aura especial, emociones fuertes que siguen generando miedo. El maligno puede adoptar las más diversas formas y su entrada en el mundo cotidiano y familiar puede ser terrorífico.

Crítica | LA NOCHE DE HALLOWEEN (John Carpenter, 1978)

"Es Halloween, y a todos se les permite dar un buen susto." Más tarde, el Sheriff Leigh Brackett, terminaría arrepintiendose de esas palabras...

Un clásico del terror incontestable, pocos filmes han dejado una huella tan duradera y tan arraigada a nuestras angustias primordiales que continúa definiendo el género al cabo de 40 años después. Carpenter, sin descubrir nuevas posibilidades cinematográficas pero con claro dominio del oficio, confeccionó el filme independiente de mayor éxito: costó 325.000 $ y obtuvo más de 100 millones.

La penetrante música o la cámara subjetiva apropiándose de la mirada del espectador, a quien coloca en el papel del protagonista creando un ambiente de inseguridad y amenaza, son elementos absolutamente esenciales para transmitir sensación de miedo. 

La intensidad del guión, del propio Carpenter y Debra Hill, reside en situar el horror en el ambiente tranquilo propio de los barrios residenciales, destruyendo las ideas del hogar perfecto. Sin embargo, el cineasta dio siempre a entender que en HALLOWEEN la historia o la psicología de los personajes le interesaban muy poco. Lo que siempre quiso fue contar un relato de terror total, shocks y tensión en estado puro, rodar la película de un verdadero psicópata.

El ritmo brillante, las largas escenas de tensión, Michael Myers andando sigilosamente en la oscuridad, Jamie Lee Curtis "La reina de los chillidos", Donald Pleasence... como escribía Tom Tykwer para 'Steadycam': "HALLOWEEN se convierte en una de las películas de terror más bellas de todos los tiempos. Uno de aquellos filmes por los que amo el cine. Por los que voy continuamente al cine. Y por los que yo mismo quisiera hacer películas algún día."

Crítica | EL HOMBRE LOBO (George Waggner, 1941)

"Hay algo realmente trágico en ese hombre."

EL HOMBRE LOBO de George Waggner (1941) sería el último clásico de terror de la Universal Picture, además, sigue siendo la más reconocida y apreciada del mito del hombre licántropo. Marcó el inicio de una sucesión de películas de serie B que la Universal produjo en la década de los 40 convirtiendo a Lon Chaney Jr. en una estrella. 

El tema de hombre lobo no era en absoluto novedoso en la industria cinematográfica, lo que distinguía la historia de Siodmark es el hincapié cifrado en la energía sexual reprimida como fuerza de la transformación en las noches de luna llena.

El estudio no tenía previsto una transformación efectista ni técnicamente complicada, buscaban escenas de miedo estéticamente naturalistas, una propuesta sugerente (Jacques Tourneur lo llevaría más allá con LA MUJER PANTERA), lo que no quitaba que el actor necesitara de tediosas horas de maquillaje para aparecer en pantalla unos segundos.

La carga trágica del filme cautivó al público de la época, una tragedia griega con monstruo para nada despiadado que oscilaba entre la dicotomía de Jekyll/Hyde con todo el simbolismo del mito y una ambientación muy conseguida. 

Crítica | PESADILLA ANTES DE NAVIDAD (Henry Selick, 1993)

Un cuento de horror para niños y mayores, poema gótico musical ideado por Tim Burton, entre Halloween y Navidad, deliciosamente macabro y fascinante. Una película de culto, única por derecho propio que ha marcado a toda una generación y sigue cautivando a las nuevas.

Ideada por Tim Burton mientras trabajaba como animador para Disney, a raíz del cambio de colorido en los comercios del oscuro Halloween y el paso al rojo navideño, pasó su guión y diseños a Henry Selick ya que estaba terminando BATMAN RETURNS y con la preproducción de ED WOOD no podía encargarse de la dirección.

Un poema gótico que tenía que ser narrado por Vincent Price, al que Disney rechazó por considerarlo "demasiado raro", y con el legendario actor ya fallecido y Burton considerado un cineasta de éxito, el gigante de la animación sacó del cajón de sastre ese proyecto que tenía enterrado (no sin cortar las partes más oscuras del contenido original). Realizada mediante la técnica Stop Motion y un desarrollo lento y tortuoso (siete días de rodaje por cada minuto de cinta), PESADILLA ANTES DE NAVIDAD fue un éxito de crítica pero no de público, gracias al mercado de video fue ganándose la categoría de filme de culto.

Hoy en día, un cuarto de siglo despúes de su estreno, Jack Skellington, Sally, la ambientación, la mágica música y piezas musicales de Danny Elfman son icono de la compañía y un referente del género.

Crítica | WINCHESTER. LA CASA QUE CONSTRUYERON LOS ESPÍRITUS (The Spierig Brothers, 2018)

La casa que construyeron los espíritus, el filme que no supieron construir los hermanos Spierig. Siguiendo con la semejanza entre la construcción de una casa y una película, igual de utópico es empezar por el tejado como elaborar la cinta sólo mediante molestos jumpscares y las subidas de volumen de rigor. 

WINCHESTER me ha parecido más decepcionante de lo que esperaba, y eso que las primeras exploraciones pintaban mal. Ni Helen Mirren como Sarah Lockwood (desaprovechada como figura histórica real) consigue maquillar esta aburrida y efectista cinta de género. Aunque la premisa parecía interesante, se le hace imposible de escapar del mar de tópicos en los que se ve envuelta.

Crítica | PSICOSIS (Psycho) (Alfred Hitchcock, 1960)

Es uno de los filmes más famosos de todos los tiempos y con todo probabilidad la película de terror más influyente de la historia. Experimental desde el punto de vista narrativo, repleta de analogías y simbolismo, planos célebres e inmortal desde su visionado. Adaptación de la novela homónima de Robert Bloch y con clara inspiración a la hora de crear el personaje en Ed Gein, Hitchcock permuta los seres sobrenaturales del pasado por un monstruo demasiado humano. El cineasta británico había encontrado el modo de incidir en la psique colectiva: unir sexo, locura y asesinato en un cuento escabroso y sórdido bajo la mirada de un monstruo normal. La visión del Bates motel a través del cristal, y la mirada de Marion Crane, del coche bajo la lluvia. Todo iba a acabar bajo el agua en un horrible giro, que hizo al público chillar desde sus butacas mientras sonaban los chirriantes violines de Bernard Herrmann. El manifiesto artístico de un maestro en el punto culminante de su carrera.

EL OTRO (The Other) (Robert Mulligan, 1972)

En EL OTRO (1972), Robert Mulligan (Matar a un ruiseñor) ofrece una mirada perversa y traumática a la infancia, la soledad y la pérdida del ser querido. Buen equilibrio entre el terror psicológico (fotografía diurna) y ritmo narrativo, importantes (y abusivos) planos cercanos de los niños. Algo previsible pero, en líneas generales, es un filme que te mantiene la tensión hasta el final.

   Valoración: [7/10]  
★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica | DEATH NOTE (Adam Wingard, 2017)

Cuando anunciaron una nueva adaptación de mi amado manga Death Note tenía una incertidumbre peculiar, un desasosiego temeroso de otra decepcionante versión americana de una obra de culto. A pesar de que era producción de Netflix y conocemos que, por lo general, están haciendo las cosas bien. El tráiler sólo sirvió para cebar ese temor. Pero había que darle una oportunidad, ya que Adam Wingard (The Guest, VHS, Tú eres el siguiente), el director, era fan consumado del cómic de Tsugumi Ohba y Takeshi Obata y podría haber un resquicio de esperanza. Nada más lejos de la realidad, un film que no funciona de forma independiente al manga pero mucho menos como adaptación.

El guión es un absurdo, atropellado, sin coherencia, ni un atisbo del componente original ni del mensaje de justicia que imploraba o la crítica social del mismo. Complicada tarea el presentar una obra con un cariz tan profundo y condensarla en la duración de una película comercial, pero para eso tenían prevista más secuelas. La coctelera donde han metido todos los géneros posibles y esperar a que salga algo potable se fue por el retrete. Realmente, no sé en qué género encuadrar esta apática y bochornosa Death Note de Wingard, ni él mismo ha sabido embadurnarla de un género concreto. Aún más lamentable es el trato a los personajes, si nos dijeran que son una auto parodia nos lo creeríamos. Light se convierte en un 'loser' afeminado y carente de todo lo que tenía el Light Yagami del manga, al igual que la chica que hace de Misa, con matices totalmente distintos y un L que intenta imitar los peculiares movimientos del original sin alma ni razón. Lo único salvable es Ryuk, con un tono más siniestro, oscuro y muy poco de fiar, con la voz de Willen Dafoe en su versión original. Muy parecido a Destino Final, que parece que es lo que triunfa entre la juventud americana, segmento al que va destinado el film que nos ocupa.

"Americanizar" las obras maestras europeas y, sobre todo, orientales no suele salir bien (¿quién no recuerda la atroz Dragonball Evolution?) pero al menos le pedimos un trato menos despreciable, valorar más el contexto de la creación original, no basarla en un cambio radical sin sentido y colmado de tópicos por doquier. Como adaptación es malísima, pero como película independiente tampoco funciona. No queda más que apuntar a Netflix en nuestro cuaderno de muerte.

Valoración: [3/10]  
★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica | DESDE EL INFIERNO (From Hell) (Albert y Allen Hughes, 2001)

Basada en la magistral From Hell novela gráfica homónima escrita por Alan Moore y dibujada por Eddie Campbell. La base del filme dirigido por los hermanos Hughes se ensambla en la mencionada obra mientras se desarrolla a retazos de la misma, cambiando partes importantes de la trama pero con la esencia que nos narra Moore en su cómic. 

Como todos sabemos, Jack El Destripador sigue siendo un total desconocido hoy en día, aún no se puede confirmar su personalidad pero dentro de las cientos de teorías, los guionistas Terry Hayes y Rafael Iglesias se apoyan en la teoría de Moore, en el que el escritor nos muestra una historia muy realista mediante un estudio de documentación francamente admirable, que desglosa la teoría del doctor William Gull, incluyendo en la monumental conspiración a la casa real, la francmasonería y la corrupción policial como punto de partido y resolución de esta imperecedera historia real.

El desarrollo de los asesinatos, la ambientación y la sobriedad de la época están conseguidos, no tanto los personajes de Abberline y Gull, interpretados por Deep y Holm respectivamente, no es que lo hagan mal pero la caracterización que todos nos imaginamos no es la de estos dos actores. Las cinco prostitutas que murieron de manos del destripador no eran tan atractivas como la Mary Kelly que da vida Heather Graham. Se pierde un personaje importante en la trama del cómic como Lees, el vidente de la reina, que aquí está incluido en la personalidad de Abberline, haciendo una fusión bastante extraña incrustada en sesiones de mágico opio. No es la primera mezcla de historias que encajan en la cinta, al final parece que intentan no dejarse nada en el tintero aunque sea metido con calzador y sin ninguna elaboración.

Recomiendo encarecidamente leer la obra de Moore antes de ver esta película, ya que las situaciones de Abberline a la hora de trazar la investigación del caso conectadas con la fragante nueva lucidez del masón asesino, toda la maraña conspiranoica y sobre todo la francmasonería, se explica con total sutileza en la novela gráfica. Las escenas se escalonan con precipitación mientras puede dejarnos con cierta sensación de pérdida, sobre todo el tramo final, que se van sucediendo los hechos con impaciencia. 

Es un placer perderse por el Whitechapel de 1888, mientras se bañaban las calles de sangre de mano del folclórico e imperecedero Jack The Ripper, en esta obra de inmersiva ambientación y seductor desarrollo con aires comerciales. Personajes que desentonan y cambios en la personalidad de los mismos con respecto a la obra From Hell de Alan Moore, publicada a principios de los noventa, quedando una adaptación fiel a retazos y compatible con el cómic en el que se basa.

    Valoración: [6/10]    
★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica | EXPEDIENTE WARREN: EL CASO ENFIELD (The Conjuring 2: The Enfield Poltergeist) (James Wan, 2016)

Uno de los casos paranormales más famosos de todos los tiempos vuelve a la palestra de la mano de James Wan, el director de origen malasio que regresa al género del terror tras probar suerte con la saga de acción A todo gas, brindándonos una obra que refleja de modo fiel su pasión por el suspense. Sin añadir un ápice de originalidad o arriesgar con una historia nueva, Wan realiza un cóctel de sustos abrumador, intensificado con una puesta en escena y una ambientación muy logradas sin perder su estilo propio, ese camino marcado anteriormente en Expediente Warren: The Conjuring, Insidious o Silencio desde el mal. 

El caso Enfield es un tour de force de puro terror. La muñeca Annabelle fue el punto de referencia en torno a la historia del primer caso de los Warren, digno de un malogrado spin-off, en este caso se repite la historia: La monja (The Nun, tendremos un spin-off basado en este personaje) que aterroriza a Ed y Lorraine Warren se convierte en el epicentro del relato basado en el conocido caso real sucedido en 1977 en el norte de Londres, donde una familia fue acosada por espíritus malignos focalizando toda su maldad en una de las hijas pequeñas. 

Este caso ya se llevo a la pantalla pequeña mediante una miniserie llamada The Enfield Haunting en 2015, además de Ghostwatch, el controvertido falso-documental emitido en la televisión británica durante la noche de Halloween de 1992. Wan refleja un cine más potente visualmente y técnicamente, acompañado de una pareja protagonista muy convincente como Vera Farmiga y Patrick Wilson dando vida a los Warren. La batuta del director se nota en las escenas, siempre manteniendo la alerta en el espectador, sin dar cabida al retiro argumental y con el susto esperando en cada esquina del fotograma. La inclusión del demonio está metida con calzador pero a su vez se va haciendo más interesante con el paso de los minutos, a Wan le gusta incluir demonios en sus filmes y The Nun es uno poderoso. 

Expediente Warren: El caso Enfield es lo que esperábamos: miedo, terror, sustos, angustia y un "tren de la bruja" visualmente notable. Sigue el camino que marcó el primer caso de la pareja de demonólogos más popular de la historia, interpretados francamente bien por Farmiga y Wilson. Ciertamente, se nota un enfoque representativo del cine de Wan, continuista, afincado y con pocas ganas de arriesgar. Sin duda, un espectáculo terrorífico que cumple con las expectativas.

Valoración: [6/10]  

★★★★★★★★★★

Crítica | LA NIEBLA (The Fog) (John Carpenter, 1980)

John Carpenter nos invita a retornar nuestra mente hacia un pasado melancólico, aquél en el que nos sentábamos en corrillo a la vera de una hoguera mientras un anciano nos relataba historias de misterio. En la pintoresca Antonio Bay ocurre lo mismo, estamos a punto de adentrarnos en una de esas lúgubres historias de mano de uno de los mejores trabajos de Carpenter.

El sacerdote de Antonio Bay en la costa californiana, encuentra un libro donde describe un terrible acontecimiento sucedido en el pasado mientras la tripulación de un barco aparece brutalmente asesinada. Además de que una inexplicable y tenebrosa niebla se acerca a la costa, entretanto la localidad se prepara para celebrar su centenario pero esos extraños sucesos no dejarán que sea una fiesta tranquila porque algo que encontró su fin en tiempos añejos anhela venganza...

Adrianne Barbeau, Jamie Lee Curtis, Janet Leigh y un elenco de buenos actores son la base que toma el maestro Carpenter para representar su historia de venganza. Una apocalíptica narración marcada con un tempo fantástico nos hace adentrarnos en primera persona en la acción y el misterio que logra transmitir, cargada de impactantes imágenes como los decorados escogidos, el imperioso faro y un creativo final. Realizada a principios de los 80, indiscutiblemente embriagada de referencias a esa época con la radio en el faro, los discos de vinilo, la música y la estética general del film. Incluso la fotografía con un tono verdoso azulado en las escenas nocturnas.

Con un guión más orientado al encontronazo narrativo que la definición de personajes, el libreto de John Carpenter y Debra Hill consigue convencer gracias al perfil de terror psicológico y a la pureza de estilo que contiene la cinta. El clímax se podría haber definido mejor, pues la trama nos va marcando pautas previsibles como los garfios y la opresiva niebla, pero la resolución final es impactante cinematográficamente hablando.

La opresiva presencia de la niebla, una ambientación que huele a venganza y miedo, apoyada por convincentes fenómenos paranormales y con múltiples referencias ochenteras reinan en la cinta de terror psicológico de John Carpenter, que la hace ser una de las mejores obras de su filmografía.

Valoración: [7/10]  
★★★★★★★★★★

Paco Garrido

El Resplandor (The Shining), (Stanley Kubrick, 1980)

Ingeniosa, aterradora, apabullante, y en definitiva, gloriosa adaptación personal de Stanley Kubrick a la novela homónima de terror escrita por Stephen King de 1977, que gracias a esta famosa película no solo traía fama inquebrantable al propio escritor, sino que también catapulto hacia el reino del estrellato a Jack Nicholson en un papel inolvidable. El propio Nicholson venía de ganar el Oscar a mejor actor con 'Alguien voló sobre el nido del cuco' dos años antes y era el candidato principal para ser el Jack Torrance de Kubrick. Su misterioso personaje y espeluznante interpretación se ha ganado el corazón de todo aficionado al cine, con escenas tan imponentes como la archiconocida "¡Aquí está Jack!" mientras rompe una puerta con un hacha. 

Jack Torrance es un alcohólico que se está recuperando y consigue el trabajo de vigilante de fuera de temporada en el Hotel Overlook, un verdadero palacio en medio de las Rocosas de Colorado, donde va acompañado por su mujer Wendy y su hijo Danny. Una vez en la soledad del hotel, los miembros de la familia van experimentado aterradores episodios de alucinaciones, locura, paranoia y los trastornos más siniestros posibles orquestados por la exhuberante estancia donde están alojados y sus fantasmas del pasado. Danny es el mayor dotado psiquicamente y va conociendo los entresijos que esconde el funesto hotel, mientras Jack empieza una lenta e inoxerable caída en un proceso de locura. Sin reconocer las experiencias vividas en el hotel, con cada espantoso episodio su comportamiento se vuelve más violento y ofensivo hacia su familia.

Como dijo el propio Stephen King sobre su novela: "Es una historieta sobre el bloqueo mental de un escritor". Llevando parte de razón si se ha leído la novela, pues Kubrick crea de una manera personalísima esta historia junto a la novelista Diane Johnson, haciendo mucho hincapié en los temas de aislamiento, locura esquizofrénica y ambiguedad emocional reforzados por abundante simbolismo. Ese simbolismo es algo muy importante en el film, ya que es un eslabón incondicional para seguir siendo la joya cinematográfica que es con el paso de los años. Encontraremos algún secreto, detalle o elemento escondido en el Overlook para seguir disfrutando de su alojamiento siempre que tengamos las agallas para adentrarnos en él. 

La película es un deleite para los grandes aficionados al cine, los detallistas que anhelan el plano perfecto, los perfeccionistas que suspiran por ese encuadre exquisito. Kubrick y su arte se dejan notar mucho en El Resplandor, su obscenidad por la perfección, su implacable simetría y mediante la selección cuidadosa de los ángulos e innovación en técnicas de cámaras atrayendo al público hacia el miedo, una utilización pasmosa del color, el laberinto, todo ellos realzado por una memorable música, hacen de esta obra una joya dentro de su exquisita filmografía.

Curiosamente, Stephen King no se sintió especialmente satisfecho con la adaptación que Kubrick hizo de su historieta de fantasmas, alimentando todas las anécdotas que surgieron entre el enfrentamiento de ambos durante el desarrollo de la cinta. King se desquitó en 1997 con una adaptación en forma de miniserie televisiva dirigida por Mick Garris que sigue su novela original al pie de la letra. 

El Resplandor de Stanley Kubrick trasciende como todas las obras maestras, más allá de su género para convertirse en un modelo a seguir en la forma de hacer cine y de permanecer en la memoria colectiva. Un clásico del cine de terror, que aún hoy en día, hay mucha gente que se lo piensa dos veces a la hora de adentrarse en el Overlook Hotel con las luces apagadas.

"Soñé que te mataba, a ti y a Danny. Y no solo os mataba. Os cortaba en pedacitos. ¡Dios mío! Me estoy volviendo loco." Jack Torrance (Jack Nicholson)

Valoración: [9/10]  
★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica: 'La visita (The Visit)' (M. Night Shyamalan, 2015)

M. Night Shyamalan vuelve a los orígenes: cine de bajo presupuesto, thriller de tintes sombríos con giros de guión marca de la casa que no veíamos en sus proyectos desde The Village (2004). Rodeado de actores desconocidos unidos a un guión escrito de su puño y letra, el cineasta indio juega una vez más con el engaño al espectador mediante virajes narrativos e intentando generar la sorpresa, esta vez, atisbada de forma presumible. 

Cuando los hermanos que nunca han conocido a sus abuelos y van una semana a su casa para recuperar el tiempo perdido, comienza a fraguarse la historia en nuestra cabeza. Las pistas son concisas y resolutivas a cada paso del metraje, un pequeño orden mental del inquietante puzzle expuesto por Shyamalan va tomando forma y desarrollándose en nuestra cabeza, donde las piezas van encajando y el resultado es el que nos esperábamos. Con lo que el factor sorpresa que tanto le gusta al director se pierde cuando explota la burbuja. Por supuesto, esto es una opinión o sensación personal. 

Una puesta en escena y ambientación lograda, con música y efectos sonoros bien implementados. Remarcando algunas actuaciones imponentes como la de la abuela (Deanna Dunagan) o la joven aprendiz de cineasta (Olivia DeJonge) que están por encima del resto. Algunos altibajos importantes en el desarrollo narrativo, como las escenas cómicas con algo de humor negro que le restan intensidad a la misteriosa historia, o la repetición de alguna. La trama está contada como si de un metraje independiente grabado por cámaras estándar se tratara, desde diferentes ángulos y en primera persona. Algunas escenas de miedo convencen, pero en global, disfrutaremos de un filme de terror puramente psicológico.

Shyamalan nos ofrece una propuesta independiente concisa, marcada por cierto cariz añejo de sus primeras obras de terror psicológico como El Sexto Sentido o El Bosque. Pero a diferencia de ellas, el factor sorpresa se pierde al presagiar el desenlace. Una cinta de terror psicológico con una narración y puesta en escena interesante. 

Valoración: [6/10]
★★★★★★★★★★

Paco Garrido



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Todo desde mi sofá 
BarrySpawn88 en GameIt 
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Crítica: 'La mujer de negro 2: El ángel de la muerte (The Woman in Black 2: Angel Of Death), (Tom Harper, 2015)

La secuela de 'La mujer de negro' protagonizada por Daniel Radcliffe (Harry Potter) nos invita a volver al siniestro caserón abandonado y custodiado por los marchitosos pantanos, esta vez durante la segunda guerra mundial, en donde nos espera una perversa anfitriona que nos hará palidecer de terror... o esa era la premisa. 

Bebiendo del cine de James Wan (Insidious, Expediente Warren), Tom Harper (Misfits, Peaky Blinders) ofrece una perspectiva gótica del susto fácil, ese que te esperas y que cuando sucede te deja igual como estabas, el más utilizado (por desgracia) en el género en tiempos modernos.

Durante las hostilidades acontecidas en la Gran Guerra, varios niños huérfanos protegidos por una directora y una profesora son evacuados de Londres a una asolada casa a las afueras de la civilización. Cuando sube la marea la única vía de comunicación desaparece, haciendo más desagradable la lucha contra una entidad diabólica que se manifiesta en esa casa y que se lleva el alma de los niños de la manera más déspota. 

A pesar de una ambientación conseguida y unos decorados efectistas, el guión cae en unas lagunas más grande que la que invade el propio caserón donde se desarrolla la crónica. A veces lo que mata una película de este género es la ensalada de tópicos que encierran al espectador en una espiral de solemnidad irrefutable y esta cinta no es ninguna excepción. Su trama y desarrollo cae en saco roto cuando nos intentan "colar" la misma historia que nos contaron hace tres años con la obra de James Watkins. 

A veces nos dará la impresión de estar viendo una continuación ociosa en cuanto a exposición argumental, rozando lo aburrido en algunos pases, poco a poco la telaraña se va tejiendo tal y como esperábamos, simplemente porque es igual que la original. La atmósfera no es tan rugiente como nos intentaron vender, montaje aceptable y unos efectos sonoros convincentes intentan salvar los muebles de una historia impersonal que no aporta nada a la propia historia ni al cine de terror. Continuista... muy continuista.

Valoración: [4/10]  

★★★★★★★★★★

Paco Garrido



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RavenHeart

Crítica: 'The Babadook' (Jennifer Kent, 2014)

Abrimos un cuento desplegable, una historia de terror donde los fantasmas de nuestra niñez perduran en ella para atormentarnos en la oscuridad de la noche. El señor del sombrero nos visita desde el armario anhelando nuestra desdicha, queriendo entrar en nuestro interior para devorar los resquicios de solemnidad que nos quedan al gruñido de "BaBa-Dook-Dook-Dook"...

La señorita Jennifer Kent (desde ahora se ha ganado el sobrenombre de señora) debuta con esta impactante y aterradora ópera prima embriagada de espanto, carisma y embaucadora atracción. Nada más sencillo y a la vez complejo que indagar en la mente humana, desde los terrores de nuestra niñez sin obviar los que predominan siendo adultos, esos que nunca terminan de morir y siguen atormentando con el paso del tiempo sin pudor.

Los trastornos mentales por la pérdida de un ser querido, el verdadero dolor humano de desesperación, del no conseguir los objetivos prioritarios dictaminados en esta carrera de fondo que llamamos vida y lo más importante, los demonios que no se ven pero que nos acompañan fielmente como una maldita sombra se dan de la mano en esta obra neozelandesa.

La atmósfera que genera la cinta es fantástica, lo enigmático y misterioso predomina entre la oscuridad que presenta la fotografía de Radek Ladzcuk. Mención especial, por supuesto, al dúo protagonista. Madre e hijo, en constante evolución tanto mental como narrativa, los entresijos ocurridos entre las paredes de ese sombrío caserón los llevan hasta los límites humanos y no humanos. Transmitiendo un mal estar en cada situación y eso es muy difícil de conseguir si no se está totalmente implicado en el papel. Efectos especiales y aspectos técnicos rayando a gran altura. 

The Babadook es una muestra de que aún se pueden hacer grandes películas de terror en el cine actual, desbancando al último artífice en este género: James Wan. Latigazos de horror sin artificios pero con oficio, interpretaciones magistrales y sensación de agobio durante su macabro desarrollo. Una implacable obra que destila nostalgia desde un punto de vista terrenal, el libro con dibujos desplegables que todos hemos visto y leído alguna vez en nuestra vida se convierte en una historia tenebrosa en la que indaga en lo más horrendo de la mente humana y sus demonios. Fantástico señora Kent.

Valoración: [7/10]  

★★★★★★★★★★

"Algunas veces sólo quiero estampar tu cabeza contra una pared de ladrillos hasta que se te salgan los jodidos sesos." The Babadook




Paco Garrido


Críticas de blogs amigos:

http://comunidadravenheart.blogspot.com.es/2015/01/the-babadook-jennifer-kent.html
http://cinedepatio.blogspot.com/2014/11/the-babadook.html
http://ensuper8.blogspot.com.es/2015/01/en-proyeccion-babadook.html
http://motelpurgatorio.blogspot.com.es/2015/01/babadook-dook-doook-abre-la-muralla.html
http://rebobinandovhs.blogspot.com.es/2015/01/babadook-cine.html