EL VIAJE DE CHIHIRO (Hayao Miyazaki, 2001) [18º aniversario]

18° aniversario de EL VIAJE DE CHIHIRO (Hayao Miyazaki, 2001).

"No soy yo quien ha hecho la película. Se hace ella misma, y yo no tengo otra opción que seguirla." Hayao Miyazaki.

Fue la primera película anime nominada para un Óscar, que finalmente ganó, y premiada con el Oso de Oro en Berlín, la primera vez en la historia que se concede a un filme de animación. Harto de ver cómo los mangas para niñas solo hablaban de romance, e inspirándose en la hija de un amigo durante su efímero retiro en 1997 tras batir todos los récords con 'La princesa Mononoke', Miyazaki concibió a Chihiro como una heroína de 10 años atrapada en un mundo folclórico de espíritus, donde lo misterioso y lo fantástico se enmarca en la realidad. Un viaje iniciático que guarda ciertas similitudes con el país de las maravillas de la Alice de Lewis Carroll.

Sus inteligentes películas gustan a pequeños y mayores, Miyazaki es un cineasta único. EL VIAJE DE CHIHIRO goza de un lugar preeminente en su filmografía y también ocupa un lugar muy especial en el corazón de los amantes del cine.

EL PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR (Daniel Myrick, Eduardo Sánchez, 1999)

"En octubre de 1994, tres estudiantes de cinematografía desaparecieron en los bosques próximos a Burkittsville, Maryland, mientras rodaban un documental... un año después se encontró el material que habían grabado."

Así empieza 'El proyecto de la bruja de Blair', uno de los grandes pelotazos de las últimas décadas, un filme de terror en clave de documental con un presupuesto irrisorio que tuvo una recaudación de más de 140 millones de doláres convirtiéndola en una de las películas independientes más rentables de todos los tiempos. Todo gracias a una innovadora campaña publicitaria, donde las redes tuvieron mucho que ver, y el boca a boca hizo el resto.

Basada en la premisa de la misteriosa figura de la bruja que ronda el bosque de Black Hills desde el siglo XVIII y, supuestamente, responsable de crímenes atroces, por momentos consigue inspirar terror en el espectador mediante el uso de técnicas documentales. Cierto es su excesiva dependencia de la propia filmación, característica que arrastra el "Found Footage", y la lentitud de desarrollo. Su objetivo es suscitar intensas respuestas emocionales al explotar los miedos más básicos (a la oscuridad, lo desconocido, sonidos extraños), donde los momentos más terroríficos son los de la pantalla en blanco y negro, cuando entra en juego la imaginación.

Un género o subgénero muy arriesgado, cuál algunos lo verán como una engañifa y otros una historia excepcionalmente concebida y ejecutada. Myrick y Sánchez llevaron su producto un paso más allá del "metraje encontrado" al estilo documental a anteriores películas de terror como 'La última casa a la izquierda' de Wes Craven y 'La matanza de Texas' de Tobe Hooper, siendo estas más redondas cinematográficamente hablando.

CON LA MUERTE EN LOS TALONES (North by Northwest) (Alfred Hitchcock, 1959) [60 aniversario]

"Quería algo divertido, desenfadado, libre del simbolismo del resto de mi cine."

Y lo hizo tan bien que 60 años después es un filme tan disfrutable, o más, como el día de su estreno. Hitchcock prolongó al máximo algunos de los esquemas e ideas que ya trató en trabajos anteriores, fundamentalmente en '39 escalones'. Un barullo genial que en un principio iba a titularse 'El hombre en la nariz de Lincoln', el Kaplan de Cary Grant es una oda al falso culpable (volvemos a los esquemas hitchcockianos), ese gran McGuffin.

La película es una feria de atracciones continúa, posee gran influencia en el considerable atractivo que tiene: la más entretenida del maestro del suspense, un guión excelso de acción, espías, la belleza de Eva Marie Saint cuya lealtad oscila entre los polos opuestos de buenos y malos, y un desarrollo plagado de secuencias memorables. La banda sonora de Bernard Herrmann y los créditos son equiparables en iconografía a 'Psicosis' y 'Vértigo'. Hitchcock concluiría su periodo dorado obteniendo las mejores notas con 'North by Northwest'.

SILENT HILL: SHATTERED MEMORIES (2009) [10º aniversario]

Desarrollado por Climax, creadores de SH Origins, bajo la supervisión de Konami. La historia de Shattered Memories es una re-interpretación del original de 1999, que no un remake como se le suele catalogar, ya que toma la estructura inicial para abordarla desde un punto objetivo más psicológico, con la entrada de un psiquiatra como personaje recurrente y cambio de distintos personajes.

El terror tal como lo conocemos de la obra maestra de Konami también varía, centrado en el uso de la oscuridad y la linterna pero sin elementos abstractos, apenas cuenta con armas y variedad de enemigos, limitando la jugabilidad. Fue ideado pensando en el Wiimote y los ports a consolas de Sony se le nota que parten de la consola Wii en algunas acciones jugables. Akira Yamaoka sigue componiendo la música, único superviviente a esas alturas de la obra original, sello irrefutable de calidad.

Un interesante 'Silent Hill', siempre que no se compare o se le considere un remake al uso.

GRUPO SALVAJE (The Wild Bunch) (Sam Peckinpah, 1969) [50 aniversario]

"Todos soñamos con volver a ser niños, incluso los peores de nosotros. Tal vez los peores, más que nadie."

Famosa por su extrema violencia, la obra maestra de Peckinpach, estilo Hemingway al revisionismo del western, ha perdurado por su lirismo, desagradable y romántica al mismo tiempo, sus potentes interpretaciones y su sentido del honor sin futuro. Como esos niños inocentes que abren la película mientras forajidos y degenerados cazadores de recompensas irrumpen con su matanza, Peckinpach ya esboza lo que quiere con su película. No existen héroes ni los conflictos se arreglan limpiamente, aquí hay guerra sucia donde la violencia no hace excepciones, ni tratándose de mujeres y niños de por medio.

Violentos pero honorables. GRUPO SALVAJE ambientada en 1913, marca el final de la era del forajido del Oeste, arrastra el mito de las películas de vaqueros a una era de asesinos masivos, Peckinpach reclama la tradición estadounidense del western a los italianos de forma reflexiva y autoritaria, con su característico estilo de cámara lenta, puesta en escena indiscutible y montada con brillantez, mientras lo aisla del resto de cineastas de su generación. Imposible desligarse de su contexto histórico, unas imágenes sin censurar de los escenarios de la época hacían consciente a la opinión pública de hasta qué punto se veían afectadas las víctimas civiles.

En 1982, salió al mercado una versión integral con la duración original de 145 minutos. Una película en la que se sintetizan las constantes creativas de este director: desmitificación, amistad traicionada, personajes desarraigados y pistoleros otoñales cambiantes por el ritmo de los tiempos y dirigidos por su destino. Todo con el estilo narrativo marca de la casa.

¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO? (Narciso Ibáñez Serrador, 1976)

"Una película en defensa de los niños de todo el mundo."

Así rezaba la leyenda publicitaria del filme. Pocos días de la muerte de Chicho Ibáñez Serrador se cumple el 43° aniversario de uno de sus mejores trabajos, que no tuvo el recibimiento y aceptación que se le podía esperar a una cinta dirigida y escrita por una de las personalidades televisivas más importantes del país en el momento de su estreno, ahora se ha convertido en película de culto para diferentes generaciones.

Indudablemente, Chicho creó una de las propuestas más modernas y arriesgadas de toda la historia del género en España, con una cámara al hombro y luz diurna que contrastaba con propuestas anteriores, dejando clara la idea de venganza hacia los adultos, tema acorde y recurrente en su filmografía. Un relato sobre niños asesinos de Juan José Plans, gestado en soporte radiofónico y papel estilo 'Historias para no dormir', despertó la curiosidad de Ibáñez Serrador y la historia de esa génesis fue parecida a lo que dio origen a 'La residencia', su anterior película.

El cineasta se encargó del guión en solitario, suprimiendo la idea del polen que infectada a los niños por un relato donde la naturaleza tenía mayor presencia, no en vano, 'La semilla del diablo', 'El pueblo de los malditos' o 'Los pájaros' son las grandes influencias de la película. '¿Quién puede matar a un niño?', lejos de inaugurar ninguna etapa, nos recordó el final de una. Atrevida y adelantada a su tiempo, los niños de Chicho siguen dando tanto miedo como cuando visitamos su isla por primera vez.

INDIANA JONES Y LA ÚLTIMA CRUZADA (Steven Spielberg, 1989) [30 aniversario]

"Alemania declara la guerra a los Jones."

30° aniversario de INDIANA JONES Y LA ÚLTIMA CRUZADA (Steven Spielberg, 1989). Mi favorita de la saga del aventurero del sombrero y el látigo. La fórmula clásica del cine de aventuras estaba presente, con todos sus elementos bien definidos, lo que halló Spielberg, por entonces chico maravilla de Hollywood, para revitalizar el género fue la inclusión de un nuevo elemento: el padre del arqueólogo.

También se narra el origen y evolución del protagonista, desde su estilo de Boy Scout aventurero hasta la relación paternofilial. Una exploración psicológica de los personajes.

'En busca del arca perdida' trataba sobre la recuperación del arca de la alianza de manos de los nazis, aquí el enemigo es el mismo pero esta vez deben recuperar el Santo Grial, en el que se combinan la piedra filosofal y la copa donde se recogieron las últimas gotas de la sangre de Cristo.

Venecia, Berlín, Arabia (y rodaje en Almería) son los caminos que visitaremos durante la búsqueda del Grial en una de las mejores películas de aventuras de los ochenta de la mano de los Henry Jones. "Mejor que la aspirina, el opio y el vodka juntos", llegaron a decir en Manchester Guardian.

LA LEY DEL SILENCIO (On the Waterfront) (Elia Kazan, 1954)

"Pude ser un fuera de serie. Aspiraba al título. Podría haber sido algo en la vida. En lugar de eso, mírame, solo soy un golfo." Terry Malloy (Marlon Brando).

Esta obra de arte estremecedora todavía hoy sigue siendo cuestionada como una justificación personal de Kazan en lugar de estudio de su monumental valor cultural y cinematográfico, aún más cuando experimenta una revalorización moral considerable. Kazan jamás negó que esta historia de culpa, traición y redención fuera un reflejo de su propio destino. LA LEY DEL SILENCIO, al principio se iba a llamar 'El garfio', cayó como una bomba entre el público y la crítica.

Schulberg se basó para escribir el guión en la serie de artículos de Malcom Johnson que sacaban a la luz la situación insostenible que se vivían en los muelles de Nueva York y Nueva Jersey. Los sindicatos estaban en el punto culminante de su poder y se habían hundido en la corrupción. Mordaz y tierna al mismo tiempo, Kazan le confiere distinción y un impacto terrible con una puesta en escena contemplativa, diálogos concisos y una nueva forma de realismo social, gracias a la fotografía exquisita de Kaufman y los integrantes de la generación del Actors Studio.

"Brando y Kazan cambiaron para siempre la interpretación en el cine americano", afirmaba el crítico Roger Ebert, no podría estar más de acuerdo con sus palabras. Brando ofrece un estilo de interpretación fresco, vivo, desgarrado por sentimientos encontrados, plasmación intensa de la ambigüedad y la inocencia que se ubica en una tierra sacudida por traiciones y paranoia. Un reparto espectacular y de confianza para el director donde destaca la debutante Eva Marie Saint con una réplica excelente, ganadora del Óscar junto a Marlon Brando.

Escenas míticas como la del guante o la parte trasera del taxi son utilizadas para enseñar y formar en todas las universidades y academias. La celebrada autenticidad del filme sigue siendo un admirable retrato de la traición. El mito de Brando no paraba de crecer y LA LEY DEL SILENCIO se convertía en una de las mejores películas americanas de todos los tiempos.

PARIS, TEXAS (Wim Wenders. 1984)

"¿Esto es Paris? Yo lo veo igual que Texas."

Harry Dean Stanton emerge de la vastedad del desierto al ritmo cautivador de las cuerdas de la guitarra de Ry Cooder y la hipnótica fotografía de Robby Müller. PARIS, TEXAS es una película dedicada a las imágenes, sobre las imágenes que construimos mentalmente de los demás y las terribles consecuencias que pueden tener cuando las personas no están a la altura de esa imagen ideada.

Wim Wenders realizó una película desde su visión europea y escéptica mezclada a la perfección con la sensibilidad estadounidense del escritor Sam Shepard. El resultado de todos los ingredientes es una película llena de carisma, belleza y poesía visual sustentada en su grandiosa imaginería y un tercer acto sublime. Esa Texas que parece una tierra mítica, recuerda a los westerns de Ford y Walsh, refleja la visión de Wenders de una nación.

La memoria, el pasado, la culpa y el deseo de encontrar un hogar. Considerando forma y contenido, PARIS, TEXAS es el mayor logro en la filmografía de Wenders y una de las grandes películas de los ochenta. Palma de Oro en Cannes.

PULP FICTION (Quentin Tarantino, 1994) 25 ANIVERSARIO DE SU PALMA DE ORO EN CANNES

"Tranquilícense caballeros. No empecemos a chuparnos las pollas todavía."

Hace 25 años se estrenaba PULP FICTION (1994) en el Festival de Cannes, llevándose la Palma de Oro a manos de Clint Eastwood, peineta incluida de Quentin Tarantino a una señora del público que le gritó "¡fascista!".

Tarantino se superó a sí mismo tras su sangrienta pieza de estudio RESERVOIR DOGS, en esta comedia negra, capitular, sentida de cierta debilidad por la cultura pop, más como homenajes que en ridiculizar las fuentes de inspiración. El enfoque de la violencia, siempre tan candente al hablar de Tarantino, rara vez se muestra de forma explícita a pesar de que contenga escenas de tensión brutales. También consiguió que, desde entonces, todos supiéramos que a un cuarto de libra de queso en París lo llaman Royale con queso.

PULP FICTION fue la primera película independiente en superar la barrera de los 200 millones de dólares. Había costado 8,5 millones y recaudó 214.

THE LEGEND OF ZELDA: SKYWARD SWORD (Wii)

Toda gran leyenda tiene un comienzo. El primero de la saga, cronológicamente hablando, coincidió con el 25 aniversario, su calidad estuvo a la altura de tan señalada onomástica. Una de las entregas más profundas, divertidas y especiales de esta mágica saga.

CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA (Ugetsu Monogatari) (Kenji Mizoguchi, 1953)

"¿Quieres destrozar tu familia y tu vida?"

El genial Mizoguchi y sus guionistas adaptan dos historias del libro homónimo de Ueda Akinari, autor popular japonés especializado en cuentos de fantasmas. El director cuenta una historia sencilla desde el punto de vista moral, situada en el Japón de 1582, asolado por la Guerra Civil, pero de ejecución complicada, que oscila entre el relato realista y un poético cuento de fantasía y folclore. El conflicto bélico pasa a un segundo plano para presentar un alegato contra la codicia y el afán de notoriedad del ser humano.

Mizoguchi logra dar una lectura esteticista de algo nivel a la poética visual y el desborde técnico que caracterizaba su cine: travellings perfectos de derecha a izquierda (como se lee en Japón), grandiosa fotografía con fuertes contrastes de luz y sombras, secuencias en plano secuencia donde la cámara permanece a cierta distancia y nunca se acerca a los personajes, recurso artístico que trasladó frecuentemente a sus películas y forma de narrar. Y la simpatía por la mujer, su recurso temático habitual y los personajes más potentes. La desdichada y solitaria princesa Wakasa es uno de esos personajes inolvidables. La obra maestra de Kenji Mizoguchi, la más admirada de sus películas que lo coloca entre los mayores maestros del séptimo arte.

1Q84 de Haruki Murakami (2009)

Murakami lleva a la máxima expresión la meticulosidad a la hora de narrar y elaborar los elementos que componen su obra, buque insignia junto a Higashino o Kirino de la nueva generación de escritores japoneses, novelistas de la profundidad de texto. Característica que puede hacerse pesada por momentos, aquí reitera ciertos puntos una y otra vez, sin llegar a aburrir en ningún momento pero sí con la sensación de que se podría rematar antes. Un estilo que implica la inmersión del lector constantemente, por eso se dice que no es para todo el mundo, pero es un viaje abstracto y surrealista, con una historia de amor totalmente distinta a lo conocido, que merece la pena embarcarse en la travesía que propone el japonés, donde cada uno puede llamar como quiera.

Murakami despliega un universo particular e inclasificable: un thriller romántico de carácter especial, pre desarrollo informático, bien estructurado, con una mirada fascinante hacia Orwell y su 1984, crítica al sistema mediante mezcla de ficción y realidad, múltiples referencias culturales. La cotidianeidad a merced de la imaginación, personajes inolvidables, un viaje subversivo donde no tiene cabida el simplismo.