lunes, 25 de mayo de 2020

TOKIO BLUES (Norwegian Wood) (Haruki Murakami, 1987)






El sensual y sexual blues de Murakami es la llave secreta que abre los recuerdos dormidos. Cuando veo y paso los dedos por su portada me lleva a la primera vez que la vi y me la recomendaron, en la máquina del café, que es donde se tienden las emboscadas, y la olvidé por alguna razón inentendible. Es mi crack con Tokio Blues. Eso que abre un recuerdo inherente. Watanabe nos muestra su crack en un aeropuerto de Hamburgo a través de una canción de los Beatles, lo demás sigue a un relato triste...

El relato de Murakami es una oda a un pasado que creemos olvidado, en un mundo bañado por la muerte y terriblemente melancólico. El paso de la adolescencia a la madurez narrado con un pulso formidable, casi un brindis al sol, no naciente, más bien universal. Pues si algo transmite su pluma es un aire internacional aunque sitúe la acción en Tokio, la soledad y la ambigüedad del amor lo es, al igual que el miedo al fracaso o las relaciones sentimentales.

Un viaje al pasado de una edad en la que todo nos parecía determinante, el abanico de personalidades y amistades era interminable, el camino a seguir no estaba definido. Un empujón a reflexionar sobre ese pasado olvidado, ¿qué fue de esas personas fugaces en nuestra vida? ¿Tomamos el camino correcto? ¿Qué hubiéramos sido al escoger otro hoy en día?

 Decía Areta que el a, b, c, del detective era café, paciencia y zapato cómodo. Para encarar a Murakami se deben seguir las mismas pautas, se puede acompañar con un blues o un jazz, hay que disfrutar su escritura con calma, aunque comience lento permitámosle continuar pues llegará un momento que no querrás despegarte de su historia.

miércoles, 29 de enero de 2020

SOMBRA (Shadow) (Zhang Yimou, 2018)






Zhang Yimou regresa a sus orígenes formales y de exquisita puesta en escena, y su obsesión ya conocida por la simetría, en SOMBRA. Film bélico, con tintes dramáticos, de artes marciales que adapta 'Romance de los Tres Reinos', relato chino del siglo XIV escrito por Luo Guanzhong, donde prevalece la complejidad extrema de sus historias y personajes. Uno de los grandes logros de la película es una gélida fotografía en gris metalizado muy particular.














martes, 14 de enero de 2020

TOLKIEN (Dome Karukoski, 2019)




TOLKIEN de Dome Karukoski es un biopic, no autorizado por la familia del escritor, eficaz, interesante en su desarrollo, pero pobre en cuanto a materia, la imaginería del maestro detrás de la Tierra Media necesita algo más profundo. Sirve para conocer su juventud apoyado en tres eventos esenciales: amistad y grupo de amigos, amor y su participación en la 1ª Guerra Mundial.






lunes, 13 de enero de 2020

QUIEN A HIERRO MATA (Paco Plaza, 2019)




QUIEN A HIERRO MATA es un sólido ejercicio de estilo apoyado en el Mario de Luis Tosar, un personaje dotado de matices, que navega entre la dicotomía psicológica del bien y el mal, un juego con el espectador. Thriller denso y turbio sobre el odio, la venganza y sus consecuencias.




martes, 7 de enero de 2020

CONSPIRACIÓN DE SILENCIO (Bad Day at Black Rock) (John Sturges, 1955)


"El principio de autoridad ha desaparecido y los granujas obran a su antojo."

Forma parte de los muchos grandes Westerns de John Sturges (Fort Bravo, Duelo de titanes). Ambientada en un árido paisaje de puro Western, la mayor parte a pleno y cegador sol resaltado por el portentoso color del Cinemascope, BLACK ROCK encierra, a pesar de su apariencia, un film noir, una historia de un pasado lleno de oscuros secretos.

Consta de un impresionante reparto, desde el volátil cabecilla de la ciudad Robert Ryan hasta un Lee Marvin en uno de sus papeles más intimidatorios. Pero, a pesar del conjunto, es Spencer Tracy al que más recordaremos. Pocos actores pueden proyectar tan bien la bondad pura y sincera, en este misterioso hombre manco que acaba de bajar de un tren sin parada prevista.

Hay poca acción y apenas algún tiroteo, su carácter reside en el diálogo y cargar el ambiente, excepto en la escena en que el manco se defiende con un repertorio de golpes de kárate que dejan a su adversario fuera de combate, el brutal e imponente Ernest Borgnine. Sturges aborda el odio local hacia los emigrantes japoneses después de la IIGM, buscando el significado de la historia, que ve más allá de una causa política concreta, aparte de la oscura época McCarthy, aportando rasgos claramente existencialistas.

CONSPIRACIÓN DE SILENCIO es un thriller tenso, dirigido y protagonizado por expertos del género que lanza un claro mensaje sobrea tolerancia racial. Una de las películas más proyectadas en la sala de cine de la Casa Blanca.






















sábado, 28 de diciembre de 2019

JULIO CÉSAR (Julius Caesar) (Joseph L. Mankiewicz, 1953)


"El mal que hacen los hombres les sobrevive, el bien queda frecuentemente sepultado con sus huesos." Marco Antonio (Marlon Brando).

Escrita y dirigida por Mankiewicz, su Julio César sigue siendo una de las mejores adaptaciones cinematográficas de la obra de William Shakespeare. Trasladado del lenguaje teatral al cine de manera formidable, una producción cuya violencia radica y golpea en las palabras y la puesta en escena, pero, sobre todo, en un elenco actoral extraordinario, medido al milímetro.

Obra capital de Shakespeare, inolvidable interpretación del buque insignia del método Stanislavski, un joven Marlon Brando nos brinda una fascinante interpretación, contenida y con el tempo adecuado, cómo él solo sabía hacerlo, del noble vengador Marco Antonio. Su escena sobre el cadáver de César y el monólogo a la población son sobrecogedoras. Impresionante duelo interpretativo con el atormentado Bruto, James Mason. Son "hombres honorables", como diría Marco Antonio en su parlamento político.

Y todos conspiradores. Conspiración, muerte, asesinato, venganza, envidia, poder, corrupción... y mucha política. Mankiewicz olvida las producciones épicas y sostiene la cinta en un entramado teatral, sin apenas batallas, cargado de elementos del más puro estilo thriller de suspense y con una fotografía que juega a la perfección con el ambiente ominoso que reina entre las paredes de esa Roma oscura. La dirección y la diversidad de planos actua como pieza imprescindible en este magnífico cuadro.























miércoles, 27 de noviembre de 2019

AMERICAN BEAUTY (Sam Mendes, 1999)


"Cuando hice 'American Beauty', quería que la visión del filme ofreciera a todo espectador una experiencia muy íntima. Espero que sea una obra universal, que ayude a entender la vida un poco mejor."

La historia de un muerto, se sabe nada más empezar la película, ya que él mismo es de narrador y nos pone en situación. El título no es una alusión a la seductora Lolita que abre la jaula de la cárcel familiar en la que está inmerso Lester Burnham, el tema es la belleza de la propia vida. La estupenda película de Sam Mendes trata sobre si es o no posible vivir una vida plena en una sociedad donde la superficialidad se ha convertido en la norma.

Más filosófica de lo que parece, AMERICAN BEAUTY emplea los medios de expresión del drama y la sátira para analizar la vida honesta en un ambiente deshonesto. Mendes nunca expone sus personajes al ridículo, primero los juzga duramente y luego hace todo lo posible para devolverles su dignidad, otorgándoles tiempo para que se desarrollen. Muchas escenas recuerdan al más puro teatro, escenificando su estructura, ya que Mendes tenía experiencia como director teatral. También subraya que la belleza de la vida puede residir y apreciarse en una imagen de vídeo casero o el movimiento de una bolsa por el viento.

AMERICAN BEAUTY muestra que el estado mental de la sociedad norteamericana moderna no es de ningún modo tan prometedora y perfecta como nos quieren dibujar. Una joya del cine de las últimas décadas, inspirada, afirma el propio director, en clásicos superlativos como SUNSET BOULEVARD o EL APARTAMENTO.























viernes, 6 de septiembre de 2019

EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS (Nightmare Alley) (Edmund Goulding, 1947)


"Cuerpo de hombre, alma de monstruo."

Basada en la novela homónima de William Lindsay Gresham, 'Nightmare Alley' repasa el ascenso de Stan Carlisle, quien pasa de ser un feriante a convertirse en un mentalista destacado mientras persigue el "Sueño Americano". La típica historia del mendigo que llega a ser millonario popularizada por el escritor Horacio Alger, la personificación del famoso Sueño Americano desde una perspectiva ominosa y oscura.

Zanuck derrochó dinero en los escenarios e incluso contrató una feria ambulante, además de la formidable contratación de Lee Grames como director de fotografía con la misión de aplicar su característica "iluminación a lo Rembrandt", consistente en luces procedentes de una fuente principal, para realzar y cargar el ambiente pues retrata la cara oscura de ese sueño que persigue Tyrone Power. Para conseguir el éxito hay que aprovecharse de las debilidades del prójimo, aunque haya que cargar con una sensación fatídica permanente.

El filme no recuperó los costes, con el tiempo, adquirió el estatus de película de culto, entre otras cosas porque durante muchos años no estuvo disponible. Se considera una de las cintas más negras del noir de la rica década de los 40. Si pudiera extraer una lección moral de EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS sería que la consecuencia inevitable para quien juega a ser Dios es una recompensa espantosa.






















sábado, 31 de agosto de 2019

LA VIDA DE BRIAN (Life of Brian) (Terry Jones, 1979)


"Yo digo que eres el Mesías y de eso entiendo porque he seguido a varios."

"Jesucristo no era divertido, así que mejor contar la vida de un chico travieso en la Palestina en la que se origina el cristianismo", decía Terry Jones. Tras nacer como un chiste, el grupo cómico de los Monty Python trataban (sin conseguirlo) de evitar acusaciones de blasfemia en su historia bíblica sutil pero cargada de comentarios satíricos y morales marca de la casa. LA VIDA DE BRIAN juega a su antojo con los personajes del Nuevo Testamento, la película es, en esencia, una serie de "sketchs" surrealistas, violentos y extremadamente graciosos unidos por un tenue hilo narrativo pero con un argumento más sólido que otros de sus trabajos anteriores.

El filme fue un enorme éxito internacional, pero estuvo a punto de no realizarse, llegó el milagroso dinero de la naciente productora HandMade Films del ex-Beatle George Harrison, el verdadero Mesías y salvador de Brian. Según afirmó, simplemente apostó por este guión porque quería ver algo nuevo de los Python.

En el abnegado compromiso de Brian se refleja la eterna lucha contra el imperialismo. La dialéctica de la forma y el contenido da lugar a bromas muy logradas, su capacidad de combate se limita a la retórica revolucionaria. Especialistas de la escena cómica trabajando duro para dotar de unidad de contenido a su fulminante obra tardía. El guión está dedicado a Keith Moon, del grupo musical The Who, fallecido un año antes, que iba a interpretar a un profeta callejero. Harrison tiene una breve aparición interpretando a un hombre que vende el monte de los Olivos.

Los Monty Python demostraron que es posible ir aún más lejos en la provocación delirante donde ser del Frente Popular de Judea o del Frente Judaico Popular es la única duda sobre esta gran comedia. Y nunca olviden cantar "Always look on the bright side of life" (Mira siempre el lado alegre de la vida).


























domingo, 18 de agosto de 2019

MALDITOS BASTARDOS (Inglourious Basterds) (Quentin Tarantino, 2009)


"Me gusta la idea de que es el poder del cine lo que combate a los nazis. Y no solo como metáfora, sino en un sentido literal."

No está considerada un remake de 'Aquel maldito tren blindado (Inglorious Basterds)' de Enzo G. Castellari, pero sí está claramente influenciada por este filme italiano de 1978. De no haber conseguido los derechos para utilizar el titulo, Tarantino habría optado por 'Érase una vez en la Francia ocupada por los nazis'. El director de 'Pulp Fiction' y la batalla contra Hitler es una combinación ganadora, pero no sería lo mismo sin un reparto tan bien escogido y, sobre todo, sin el Hans Landa de Christoph Waltz. Un villano políglota, un coronel nazi también conocido como "el cazador de judíos", que encarna la demencia del Tercer Reich con su humor y crueldad.

Tarantino compone una obra maestra absolutamente electrizante pese a un ritmo relativamente pausado, lo cuál realza aún más la intensa brutalidad de algunas escenas, pues MALDITOS BASTARDOS constituye un relato revisionista de la Segunda Guerra Mundial perfectamente incrustado en los parámetros del propio director. Historias paralelas que culminan en uno de los climax más brutales, vertiginosos y brillantes de las últimas décadas.

Impecablemente dirigida, la cinta extrae grandes dosis de emoción de situaciones aparentemente simples: un cigarrillo apagado sobre un dulce, el pálido rostro de un oficial capturado o el vaso de leche entre Landa y el señor LaPadite. La consumada cinefilia de Tarantino queda patente en cada fotograma, también en ese cine regido por Shosanna Dreyfus, componente esencial en el devenir de la trama. Hay cientos de detalles que ayudan a definir una obra de arte por y para cinéfilos e iconoclastas.

Una película cumbre del director estadounidense y del siglo XXI. Única, cautivadora y atroz, acompaña una excelente música de Morricone, Tarantino redefine su estilo y consigue que el auténtico triunfador de la guerra sea el propio filme.