domingo, 7 de enero de 2018

Crítica | TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri) (Martin McDonagh, 2017)


Mildred Hayes es la madre coraje, vestida con un mono de trabajo, de América y Martin McDonagh, guionista y director de Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, papel hecho por y para Frances McDormand. Con aires del John Wayne de Centauros del Desierto de John Ford, McDormand construye un personaje carismático, agrio y valiente como pocos vistos, sobre todo en el género femenino. No es para menos la gran interpretación de Sam Rockwell, como el agresivo policia racista y lector de cómics a tiempo parcial y su evolución emocional dentro de la historia. La colección de personajes deja su poso.

Comedia negra, aderazada con humor ácido y con envoltorio de drama, narrada con inteligencia y diálogos punzantes, que atraparán sin remedio al público por su ritmo. Sin obviar la exquisita dirección de McDonagh, (ese plano secuencia de la paliza al gerente de los carteles por parte de Dixon, simplemente fantástico). No deja de ser una historia desgarradora, contada en tono de Western moderno por estética y música. Evoluciona en matices de guión. Aunque el humor ya lo tiene desde los primeros compases, la muerte y el suicidio están representados de forma socarrona, va creciendo con el ritmo de la historia y la evolución de los propios personajes. Es algo que también se percibe en el cine de los Hermanos Coen como Fargo o Nebraska de Alexander Payne, más recientemente.

TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS es una de las películas del año. Retazos de los Coen en un drama de la América profunda, con tintes de comedia negra, a ratos más divertida de lo que cabría esperar, con aire de Western moderno. Frances McDormand y Sam Rockwell tremendos.




















      Valoración: [8/10]     
★★★★★★★





Paco Garrido

jueves, 4 de enero de 2018

Crítica | SENDEROS DE GLORIA (Paths of Glory) (Stanley Kubrick, 1957)


Compases de tambores y cornetas mientras se entona la sinfonía de la Marsellesa... SENDEROS DE GLORIA de Stanley Kubrick retrata como pocos el crudo y el horror del combate. El ataque al "Hormiguero", los travellings en las trincheras llenas de barro y heridos, la deshumanización y el duro alegato antibelicista, un elenco actoral imperial. Una obra maestra.

Los senderos de gloria son los caminos que toman los generales para la autopromoción con la deshumanización más absoluta, la crueldad de la jerarquía militar y el falso patriotismo. Queda bien reflejada por Kubrick con la contraposición social.

Visualmente impactante y actoralmente notable, el coronel Dax que interpreta Kirk Douglas obtiene paralelismo con el actor en la vida real: un tipo con carácter y de duras convincciones, que igual que defendió a sus compañeros de batallón también lo hizo con esta historia frente a la caza de brujas que asolaba Hollywood. Un proyecto que no financiaba el estudio y por suerte cayó en manos de Kirk Douglas y puso todos lo mecanismos en marcha, incluso renunciando a su sueldo, para llevarlo a cabo. Las autoridades francesas consiguieron que se prohibiera en varios países y en Francia no se censuró, pero nadie pidió la licencia para ser exhibida en cines hasta 1972. También prohibida por el franquismo que no se estrenó hasta el 13 de octubre de 1986 en los cines españoles.

Sombría, inteligente y maravillosamente interpretada, es una película que logra la indignación del público. La contundencia del mensaje es terrible, consigue obtener diferentes sentimientos en el mismo metraje, la cara más cruda de la deshumanización puede tener su oasis con ese emotivo final.




















Hay ocasiones en que me averguenza ser un miembro de la raza humana. ¡Y hoy es una de ellas!



     Valoración: [9/10]     
★★★★★★★




Paco Garrido

martes, 2 de enero de 2018

Crítica | FORREST GUMP (Robert Zemeckis, 1994)


Espectadores de todo el mundo se enamoraron de la visión única y divertida, a la vez que conmovedora, de este niño grande, corto de luces, con un coeficiente de 75, tremendamente agradable y simpático llamado Forrest, Forrest Gump. Interpretado por un magnífico Tom Hanks, que ganó su segundo Oscar consecutivo gracias a este inolvidable personaje.

Basada en la novela homónima de Winston Groom. La interesante y devastadora vida de Gump es narrada por él mismo desde un banco, esperando el autobús, a todo el mundo que quiera oírla, y merece mucho la pena quedarse a escucharla. Es una carrera de fondo de 40 años, un recorrido social, político y musical de la historia de Norteamerica de posguerra

Personajes históricos conocen a Forrest mediante la técnica blue/green screen, hechos reales de los años 50, 60 y 70 de la cultura popular y frases lapidarias de la Sra. Gump crean un conjunto llevado estupendamente por Robert Zemeckis, con un toque sentimental y una nostálgica mirada al pasado. Forrest Gump gira en torno a una historia de amor por parte del protagonista hacia Jenny, una amiga de la infancia de la que está perdidamente enamorado, aunque ella crea que no sabe que es el amor. Dos personajes bien diferenciados: Jenny encarna la oscuridad, las sombras y la autodestrucción, frente a la ingenuidad de Forrest

Una historia extraordinaria, emocionante y divertida a partes iguales, citas, personajes y escenas memorables, retrato cultural de casi cuatro décadas rebosante de encanto. Ganadora de seis Oscars de la Academia, incluyendo mejor película, director y actor principal.




















"La vida es como una caja de bombones, Forrest. Nunca sabes lo que te va a tocar"


Valoración: [9/10]     
★★★★★★★





Paco Garrido

miércoles, 13 de septiembre de 2017

Crítica | NORTHMEN: A VIKING SAGA (Claudio Fäh, 2014)


Nuevo intento de aventura épica de acción con Vikingos como excusa, nueva decepción. Lo curioso es que haya cuatro guionistas para escribir una historia tan simple que podría caber en una servilleta. Se salvan los efectos especiales y algunas coreografías de combate, ya que los puntos negativos son francamente visibles y generales. 

Los protagonistas tienen poco carisma, el grupo protagonista no puede ser más tópico: el nórdico fortachón, la chica indefensa, el monje guerrero y el arquero certero. Podría ser el tándem de cualquier otra obra de rol o aventura fantástica que se precie. Los enemigos del asunto son una comunidad de temibles guerreros balcánicos llamados los lobos y con terroríficas máscaras. 

Una historia que hemos visto mil veces, una cruzada "buenos vs malos" que no deja de ser una persecución por verdes páramos y bosques escoceses en donde se fraguan refriegas con pérdidas puntuales para intentar sacar la emotividad del público, sin conseguirlo, ya que no crean ninguna empatía. Situaciones ilógicas, efectos especiales, aventura, batallas, carencia de guión y emoción, previsibilidad y aire de telefilm de acción es lo que esconde Norhtmen. Un intento de acercamiento para los amantes de la mitología nórdica muy descafeinado globalmente.




















Valoración: [4/10]
★★★★★





Paco Garrido

jueves, 7 de septiembre de 2017

Crítica | FLORES ROTAS (Broken Flowers) (Jim Jarmusch, 2005)


Jim Jarmusch convierte un viaje trascendental al pasado más profundo y enigmático en una obra de arte cinematográfica. Bill Murray es ese "avatar" en el que cada espectador deposita los sentimientos que emanan durante este viaje en coche (acompañado de buena música para viajar, por supuesto) en busca de aquellas lejanas mujeres que estuvieron en su vida y que una de ellas, en forma de carta rosa, le ha desmontado su castillo de naipes que era su hastiada vida, comunicándole que tuvo un hijo y que había llegado el momento de que lo supiera. Aquí comienza el trayecto emocional hacia lo remoto.

No había mejor actor para interpretar este papel que Bill Murray. Nadie como él para interpretar la desgana, ese don contemplando hechos asombrosos con absoluta pasividad y claro, creando esa empatía con el espectador en cualquier situación. Un viaje al pasado tan realista que las situaciones las vemos tan cotidianas que asusta: esas reacciones de Sharon Stone, Jessica Lange, Frances Conroy, Tilda Swinton o Julie Delpy son tan auténticas que da miedo. Condescendencia, amargura, felicidad, dudas existenciales, rechazo... es lo que se encuentran esta galería de personajes al ver a ese individuo en el presente abriendo heridas pasadas, donde también tienen cabida las situaciones surrealistas y cómicas. Como la vida misma.

Todo encaja en este puzle ideado por Jarmusch, esta reinvención del mito de Don Juan con este hombre peculiar que dentro del empaquetado de su viaje nos toca descubrir algo más complejo, un guión que está aderezado con líneas ambiguas que dejan libertad de pensamiento y lectura al público. Una joya del cine independiente y de autor a reivindicar.



















 
      Valoración: [8/10]     
★★★★★★★





Paco Garrido

sábado, 2 de septiembre de 2017

Crítica | DEATH NOTE (Adam Wingard, 2017)


Cuando anunciaron una nueva adaptación de mi amado manga Death Note tenía una incertidumbre peculiar, un desasosiego temeroso de otra decepcionante versión americana de una obra de culto. A pesar de que era producción de Netflix y conocemos que, por lo general, están haciendo las cosas bien. El tráiler sólo sirvió para cebar ese temor. Pero había que darle una oportunidad, ya que Adam Wingard (The Guest, VHS, Tú eres el siguiente), el director, era fan consumado del cómic de Tsugumi Ohba y Takeshi Obata y podría haber un resquicio de esperanza. Nada más lejos de la realidad, un film que no funciona de forma independiente al manga pero mucho menos como adaptación.

El guión es un absurdo, atropellado, sin coherencia, ni un atisbo del componente original ni del mensaje de justicia que imploraba o la crítica social del mismo. Complicada tarea el presentar una obra con un cariz tan profundo y condensarla en la duración de una película comercial, pero para eso tenían prevista más secuelas. La coctelera donde han metido todos los géneros posibles y esperar a que salga algo potable se fue por el retrete. Realmente, no sé en qué género encuadrar esta apática y bochornosa Death Note de Wingard, ni él mismo ha sabido embadurnarla de un género concreto. Aún más lamentable es el trato a los personajes, si nos dijeran que son una auto parodia nos lo creeríamos. Light se convierte en un 'loser' afeminado y carente de todo lo que tenía el Light Yagami del manga, al igual que la chica que hace de Misa, con matices totalmente distintos y un L que intenta imitar los peculiares movimientos del original sin alma ni razón. Lo único salvable es Ryuk, con un tono más siniestro, oscuro y muy poco de fiar, con la voz de Willen Dafoe en su versión original. Muy parecido a Destino Final, que parece que es lo que triunfa entre la juventud americana, segmento al que va destinado el film que nos ocupa.

"Americanizar" las obras maestras europeas y, sobre todo, orientales no suele salir bien (¿quién no recuerda la atroz Dragonball Evolution?) pero al menos le pedimos un trato menos despreciable, valorar más el contexto de la creación original, no basarla en un cambio radical sin sentido y colmado de tópicos por doquier. Como adaptación es malísima, pero como película independiente tampoco funciona. No queda más que apuntar a Netflix en nuestro cuaderno de muerte.



















Valoración: [3/10]  
★★★★★★




Paco Garrido

sábado, 25 de marzo de 2017

LA HISTORIA SECRETA DE TWIN PEAKS (Mark Frost, 2016)




Mark Frost, co-creador de la serie original, prepara al fan de Twin Peaks para la ansiada tercera temporada con un dossier lleno de misterios dentro de un marco histórico real embriagado de detalles. Desde las primeras tribus que habitaron la zona hasta dónde se quedó la serie en su capítulo 29, recorriendo aspectos argumentales desconocidos de algunos de sus personajes y dando cariz a esos secundarios inolvidables. Frost indaga, sobre todo, en el aspecto más enigmático de esa singular población, destacando un importante desarrollo ovni y extraterrestre, el halo misterioso que tantos quebraderos de cabeza provocó en los debates de seguidores de la serie. Milford lleva un peso importante en la novela, quizás pasa muy desapercibido en la serie, pero aquí descubriremos su importancia argumental y sus escarceos de estado, codeándose con las personalidades importantes de la época. Adornado con fotografías en tonos sepia y apagados, conforme al aspecto visual de la serie. 

Para amantes de Twin Peaks. Totalmente recomendable, prácticamente imprescindible.



Paco Garrido

lunes, 20 de febrero de 2017

Crítica | MANCHESTER FRENTE AL MAR (Kenneth Lonergan, 2016)


Filme con seis nominaciones a los Oscars, embriagado de realismo con tintes de cotidianidad, drama muy cercano en el que es fácil empatizar con su cruda historia y sus nada estéticos pero muy convincentes personajes, escrito y dirigido por Kenneth Lonergan y pensado para que lo recorriera la cara de Matt Damon pero con el acierto absoluto de que sea Casey Affleck el que interprete ese complejo personaje de Lee Chandler.

Aunque el título nos haga pensar que nos adentraremos en la ciudad inglesa de Manchester, el contexto se representa en un barrio de Boston llamado así. Lo que sí vamos a encontrar es un drama lleno de tristeza amedrentando un camino de culpa y pérdida que puede empatizar rápidamente con el público, sobre todo con esa melancolía que invade al ser en ocasiones y hace adentrarse en el melodrama que entra por sus ojos en ciertos momentos puntuales.

Es una película en el que basa todo su potencial en el libreto y sus personajes, cosa que cumple con creces. Individuos que destilan desolación mediante una vida corriente, como la tuya o la mía, que puede pasar en cualquier parte del planeta. Ese Manchester frente al mar puede ser un drama global y ocurrir frente a nosotros mientras estamos ver pasar nuestra vida frente a ese vasto mar al que nada le importa, eso es lo que le hace potente de cara a la persistencia en nuestra memoria. Sólo el tiempo dirá dónde colocar esta obra tan personal de Lonergan, lo que no olvidaremos es esa cruz emocional que carga Casey Affleck en su interpretación que traspasa la pantalla.





     
   Valoración: [7/10]  
★★★★★★



Paco Garrido

miércoles, 8 de febrero de 2017

AGUIRRE, LA CÓLERA DE DIOS (Werner Herzog, 1972)


La búsqueda de El Dorado, en los barrizales intransitables del amazonas entre una atmósfera claustrofóbica. Mezcla de géneros como la historia y la aventura. El guión está basado en el único testimonio real de la época, escrito por el fraile Gaspar de Carvajal. La rebelión de Lope de Aguirre, los crímenes de los conquistadores desde los Andes al amazonas. Aguirre lidera un motín contra el comandante. Apertura y desenlace magnéticos, aspectos destacables del filme gracias al buen hacer con la cámara del director alemán. La barbarie de la conquista está bien plasmada, sobre todo el los primero planos, con la muerte por agotamiento de los indios o la escena que la balsa se pierde.

Sentimientos encontrados con el filme de Herzog, un filme muy bien rodado entre el límite de documental (escenas con animales) y ficción, con la base real, ante la imposibilidad del ser humano ante la lucha contra la naturaleza. Admirador de Murnau, Herzog quiere plasmar la potencia visual del cine mudo aunque la película no pierda un ápice de su calidad aunque no escuchemos nada. Impactante en la fecha de su estreno, gracias al realismo propuesta de Herzog, embarcado en sontonía con el amazonas, encima de una plataforma y con planos largos del agua, los árboles y de la propia madre gaia. Visualmente potente pero quizá no filma nada importane. Equipo de ocho personas, perdidos en el Amazonas, con un actor principal loco y con escenas vigorosas, cerca de un poema visual mezcladas con escenas tediosas y sin sentido, además de ridículamente cómicas dentro de un tema serio, que te saca de la película. 

Primera colaboración de muchas entre Herzog y Kinski, el que estuvo apunto de abandonar el rodaje por la dureza del mismo (interprete de cosas muy interesantes como Nosferatu y Fitzcarraldo) ya desde el principio entre fuertes discusiones entre ambos. Lucha del hombre con la naturaleza, ese descenso a la locura, la ansias de poseer, destruir y ser dios. El rostro impenetrable de Kinski refleja ese ímpetu de locura y destrucción, capaz de recitar poesía en su descenso a los infiernos con unos monólogos fantásticos, comenzando a sentirse superior como salido de un relato de Lovecraft. A su vez, parece conectado con esa naturaleza, refleja cierta conexión con los animales que le rodean. kinski es un retrato de la mentalidad de un guerrero que está perdido y se encuentra consigo mismo en la selva, uniendo la demencia al hombre.

La figura de Lope de Aguirre tiene muchos matices, igualmente daría para un estudio o reflexión mucho más profunda, incluso su muerte. Kinski le da todo lo que necesita el personaje, la autenticidad entre la locura y la cordura del hombre, más por su colérico físico que por sus dotes interpretativas. Si los conquistadores hubieran tenido una cámara en el 1560 hubiera sido muy parecido al tono documental filmado por Herzog. Se siente la humedad de la selva, gracias a la frescura de la improvisación y el realismo cámara en mano. Se pierde entre escenas tediosas y ridículas, que a su vez se intercalan con escenas muy potentes tanto visual como poéticamente hablando. La falta de argumento nos deja diálogos estupendos y otros estúpidos. Aguirre el conquistador y sus poéticos monólogos, rey de los monos sobre una balsa. La metáfora del hombre.





















     Valoración: [6/10]     
★★★★★★★★★★



Paco Garrido

martes, 25 de octubre de 2016

Crítica | DESDE EL INFIERNO (From Hell) (Albert y Allen Hughes, 2001)


Basada en la magistral From Hell novela gráfica homónima escrita por Alan Moore y dibujada por Eddie Campbell. La base del filme dirigido por los hermanos Hughes se ensambla en la mencionada obra mientras se desarrolla a retazos de la misma, cambiando partes importantes de la trama pero con la esencia que nos narra Moore en su cómic. 

Como todos sabemos, Jack El Destripador sigue siendo un total desconocido hoy en día, aún no se puede confirmar su personalidad pero dentro de las cientos de teorías, los guionistas Terry Hayes y Rafael Iglesias se apoyan en la teoría de Moore, en el que el escritor nos muestra una historia muy realista mediante un estudio de documentación francamente admirable, que desglosa la teoría del doctor William Gull, incluyendo en la monumental conspiración a la casa real, la francmasonería y la corrupción policial como punto de partido y resolución de esta imperecedera historia real.

El desarrollo de los asesinatos, la ambientación y la sobriedad de la época están conseguidos, no tanto los personajes de Abberline y Gull, interpretados por Deep y Holm respectivamente, no es que lo hagan mal pero la caracterización que todos nos imaginamos no es la de estos dos actores. Las cinco prostitutas que murieron de manos del destripador no eran tan atractivas como la Mary Kelly que da vida Heather Graham. Se pierde un personaje importante en la trama del cómic como Lees, el vidente de la reina, que aquí está incluido en la personalidad de Abberline, haciendo una fusión bastante extraña incrustada en sesiones de mágico opio. No es la primera mezcla de historias que encajan en la cinta, al final parece que intentan no dejarse nada en el tintero aunque sea metido con calzador y sin ninguna elaboración.

Recomiendo encarecidamente leer la obra de Moore antes de ver esta película, ya que las situaciones de Abberline a la hora de trazar la investigación del caso conectadas con la fragante nueva lucidez del masón asesino, toda la maraña conspiranoica y sobre todo la francmasonería, se explica con total sutileza en la novela gráfica. Las escenas se escalonan con precipitación mientras puede dejarnos con cierta sensación de pérdida, sobre todo el tramo final, que se van sucediendo los hechos con impaciencia. 

Es un placer perderse por el Whitechapel de 1888, mientras se bañaban las calles de sangre de mano del folclórico e imperecedero Jack The Ripper, en esta obra de inmersiva ambientación y seductor desarrollo con aires comerciales. Personajes que desentonan y cambios en la personalidad de los mismos con respecto a la obra From Hell de Alan Moore, publicada a principios de los noventa, quedando una adaptación fiel a retazos y compatible con el cómic en el que se basa.



















    Valoración: [6/10]    
★★★★★★★★★★







Paco Garrido