CRIMEN PERFECTO (Dial M for Murder) (Alfred Hitchcock, 1954)

"No toques nada y no hables con nadie hasta que yo vuelva."

"Run for cover" solía decir el maestro cuando era preguntado sobre su película, afirmando que era circunstancial y menor en su filmografía. Yo, y muchos más, no estamos de acuerdo con el creador ya que su adaptación de la obra teatral homónima de Frederick Knott es un ejercicio de suspense realmente entretenida, embaucadora desde el primer plano secuencia y elegantemente representada.

Toda la acción se desarrolla en un "living room" donde la comunión cine y teatro es perfecta, pues se servía de medios cinematográficos técnicos para la maquiavélica integración del suspense en los diálogos y el recogido entorno. La tensión y ambientación opresiva es constante, la perfección de planificación, ritmo y líneas conversacionales son de un nivel sobresaliente. La vestimenta de Grace Kelly pasaba de colores vivos y alegres al principio a cada vez más oscuros a medida que la trama se volvía más sombría.

La puesta en escena en CRIMEN PERFECTO es de primer orden. La secuencia del crimen en sí ha pasado a la antología del cine por derecho propio. Un filme estupendo al que sigo acudiendo a menudo con gran placer.

EL CUENTO DE LA PRINCESA KAGUYA (Kaguya-hime no Monogatari) (Isao Takahata, 2013)

"Estoy agradecida por estos sentimientos hacia alguien a quien no han conocido ni visto siquiera. Les pido que me traigan estos raros tesoros de los que me hablan. Entonces podré sentir claramente en mi corazón cómo me atesoran."

Última película del maestro de la animación y cofundador de Ghibli, Isao Takahata. Conmovedora, impresionista y vitalista historia basada en un popular cuento japonés del siglo IX, poesía visual replete de naturalismo y sensibilidad. Maravilla artística, realización tradicional 2D dibujada a mano, con sus líneas de carboncillo y colores de acuarela. Se utilizó el sumie, técnica de entintado japonés del siglo VI. Ritmo pausado y contemplativo, una narración que no es para todo el mundo pero que atesora toda la magia de un relato mileranrio. Una de las guindas del pastel son las extraordinarias composiciones de Joe Hisaishi, colaborador habitual en el cine de Miyazaki o Kitano.

Basada en el relato anónimo "El cortador de bambú", datado en el Siglo IX, siendo el cuento japonés más antiguo que existe. Es la obra más larga producida por el Studio Ghibli, se realizó a lo largo de ocho años. La película estaba prevista estrenarla simultáneamente con 'El viento se levanta' de Hayao Miyazaki, en un intento de rememorar el éxito de ambos directores cuando estrenaron a la vez 'Mi vecino Totoro' y 'La tumba de las luciérnagas' en 1988, y de servir de retirada a ambos creadores. La larga producción del filme de Takahata y la sofisticación en su trabajo artístico no pudo concordar para el estreno de la obra de su amigo del Studio Ghibli.

Estuvo nominada al Oscar en la categoría de Mejor Película de Animación, entre otros reconocimientos. A pesar de su éxito de crítica, lamentablemente no obtuvo la suficiente acogida por el público en taquilla, recaudando solo la mitad de su presupuesto.

INDIANA JONES Y LA ÚLTIMA CRUZADA (Steven Spielberg, 1989) [30 aniversario]

"Alemania declara la guerra a los Jones."

30° aniversario de INDIANA JONES Y LA ÚLTIMA CRUZADA (Steven Spielberg, 1989). Mi favorita de la saga del aventurero del sombrero y el látigo. La fórmula clásica del cine de aventuras estaba presente, con todos sus elementos bien definidos, lo que halló Spielberg, por entonces chico maravilla de Hollywood, para revitalizar el género fue la inclusión de un nuevo elemento: el padre del arqueólogo.

También se narra el origen y evolución del protagonista, desde su estilo de Boy Scout aventurero hasta la relación paternofilial. Una exploración psicológica de los personajes.

'En busca del arca perdida' trataba sobre la recuperación del arca de la alianza de manos de los nazis, aquí el enemigo es el mismo pero esta vez deben recuperar el Santo Grial, en el que se combinan la piedra filosofal y la copa donde se recogieron las últimas gotas de la sangre de Cristo.

Venecia, Berlín, Arabia (y rodaje en Almería) son los caminos que visitaremos durante la búsqueda del Grial en una de las mejores películas de aventuras de los ochenta de la mano de los Henry Jones. "Mejor que la aspirina, el opio y el vodka juntos", llegaron a decir en Manchester Guardian.

LA LEY DEL SILENCIO (On the Waterfront) (Elia Kazan, 1954)

"Pude ser un fuera de serie. Aspiraba al título. Podría haber sido algo en la vida. En lugar de eso, mírame, solo soy un golfo." Terry Malloy (Marlon Brando).

Esta obra de arte estremecedora todavía hoy sigue siendo cuestionada como una justificación personal de Kazan en lugar de estudio de su monumental valor cultural y cinematográfico, aún más cuando experimenta una revalorización moral considerable. Kazan jamás negó que esta historia de culpa, traición y redención fuera un reflejo de su propio destino. LA LEY DEL SILENCIO, al principio se iba a llamar 'El garfio', cayó como una bomba entre el público y la crítica.

Schulberg se basó para escribir el guión en la serie de artículos de Malcom Johnson que sacaban a la luz la situación insostenible que se vivían en los muelles de Nueva York y Nueva Jersey. Los sindicatos estaban en el punto culminante de su poder y se habían hundido en la corrupción. Mordaz y tierna al mismo tiempo, Kazan le confiere distinción y un impacto terrible con una puesta en escena contemplativa, diálogos concisos y una nueva forma de realismo social, gracias a la fotografía exquisita de Kaufman y los integrantes de la generación del Actors Studio.

"Brando y Kazan cambiaron para siempre la interpretación en el cine americano", afirmaba el crítico Roger Ebert, no podría estar más de acuerdo con sus palabras. Brando ofrece un estilo de interpretación fresco, vivo, desgarrado por sentimientos encontrados, plasmación intensa de la ambigüedad y la inocencia que se ubica en una tierra sacudida por traiciones y paranoia. Un reparto espectacular y de confianza para el director donde destaca la debutante Eva Marie Saint con una réplica excelente, ganadora del Óscar junto a Marlon Brando.

Escenas míticas como la del guante o la parte trasera del taxi son utilizadas para enseñar y formar en todas las universidades y academias. La celebrada autenticidad del filme sigue siendo un admirable retrato de la traición. El mito de Brando no paraba de crecer y LA LEY DEL SILENCIO se convertía en una de las mejores películas americanas de todos los tiempos.

JUNJI ITO: COLLECTION (Shinobu Tagashira, 2018)

“Podemos juzgar un cuento fantástico no a través de las intenciones del autor o la pura mecánica del relato, sino a través del  nivel emocional que es capaz de suscitar por medio de sus más pequeñas sugerencias sobrenaturales.” Lovecraft.

El desconcertante estilo retorcidamente grotesco de Junji Ito llega al anime como antología de relatos cortos con un diseño artístico correcto y de gran fidelidad narrativa a la obra original. Historias de diez minutos que destilan toda la terrorífica crueldad plasmadas en el dibujo del mangaka nipón, influenciada por LAS CAPRICHOSAS MALDICIONES DE SÔICHI, TOMIE o su extensa colección de RELATOS TERRORÍFICOS.

No hay rastro de su creación más conocida y redonda, UZUMAKI, posiblemente carne de adaptación íntegra en un futuro. Menos conseguida está la sensación de inquietud que sí transmiten los textos y dibujos del manga. Ese estilo lovecraftiano siempre me ha gustado más en la literatura pero espero que sirva para que algunos se interesen y adentren en la obra de Junji Ito que merece la pena.

PARIS, TEXAS (Wim Wenders. 1984)

"¿Esto es Paris? Yo lo veo igual que Texas."

Harry Dean Stanton emerge de la vastedad del desierto al ritmo cautivador de las cuerdas de la guitarra de Ry Cooder y la hipnótica fotografía de Robby Müller. PARIS, TEXAS es una película dedicada a las imágenes, sobre las imágenes que construimos mentalmente de los demás y las terribles consecuencias que pueden tener cuando las personas no están a la altura de esa imagen ideada.

Wim Wenders realizó una película desde su visión europea y escéptica mezclada a la perfección con la sensibilidad estadounidense del escritor Sam Shepard. El resultado de todos los ingredientes es una película llena de carisma, belleza y poesía visual sustentada en su grandiosa imaginería y un tercer acto sublime. Esa Texas que parece una tierra mítica, recuerda a los westerns de Ford y Walsh, refleja la visión de Wenders de una nación.

La memoria, el pasado, la culpa y el deseo de encontrar un hogar. Considerando forma y contenido, PARIS, TEXAS es el mayor logro en la filmografía de Wenders y una de las grandes películas de los ochenta. Palma de Oro en Cannes.

PULP FICTION (Quentin Tarantino, 1994) 25 ANIVERSARIO DE SU PALMA DE ORO EN CANNES

"Tranquilícense caballeros. No empecemos a chuparnos las pollas todavía."

Hace 25 años se estrenaba PULP FICTION (1994) en el Festival de Cannes, llevándose la Palma de Oro a manos de Clint Eastwood, peineta incluida de Quentin Tarantino a una señora del público que le gritó "¡fascista!".

Tarantino se superó a sí mismo tras su sangrienta pieza de estudio RESERVOIR DOGS, en esta comedia negra, capitular, sentida de cierta debilidad por la cultura pop, más como homenajes que en ridiculizar las fuentes de inspiración. El enfoque de la violencia, siempre tan candente al hablar de Tarantino, rara vez se muestra de forma explícita a pesar de que contenga escenas de tensión brutales. También consiguió que, desde entonces, todos supiéramos que a un cuarto de libra de queso en París lo llaman Royale con queso.

PULP FICTION fue la primera película independiente en superar la barrera de los 200 millones de dólares. Había costado 8,5 millones y recaudó 214.

THE LEGEND OF ZELDA: SKYWARD SWORD (Wii)

Toda gran leyenda tiene un comienzo. El primero de la saga, cronológicamente hablando, coincidió con el 25 aniversario, su calidad estuvo a la altura de tan señalada onomástica. Una de las entregas más profundas, divertidas y especiales de esta mágica saga.

CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA (Ugetsu Monogatari) (Kenji Mizoguchi, 1953)

"¿Quieres destrozar tu familia y tu vida?"

El genial Mizoguchi y sus guionistas adaptan dos historias del libro homónimo de Ueda Akinari, autor popular japonés especializado en cuentos de fantasmas. El director cuenta una historia sencilla desde el punto de vista moral, situada en el Japón de 1582, asolado por la Guerra Civil, pero de ejecución complicada, que oscila entre el relato realista y un poético cuento de fantasía y folclore. El conflicto bélico pasa a un segundo plano para presentar un alegato contra la codicia y el afán de notoriedad del ser humano.

Mizoguchi logra dar una lectura esteticista de algo nivel a la poética visual y el desborde técnico que caracterizaba su cine: travellings perfectos de derecha a izquierda (como se lee en Japón), grandiosa fotografía con fuertes contrastes de luz y sombras, secuencias en plano secuencia donde la cámara permanece a cierta distancia y nunca se acerca a los personajes, recurso artístico que trasladó frecuentemente a sus películas y forma de narrar. Y la simpatía por la mujer, su recurso temático habitual y los personajes más potentes. La desdichada y solitaria princesa Wakasa es uno de esos personajes inolvidables. La obra maestra de Kenji Mizoguchi, la más admirada de sus películas que lo coloca entre los mayores maestros del séptimo arte.