miércoles, 30 de julio de 2014

Crítica: "El planeta de los simios (Planet of the Apes)" Franklin J. Schaffner (1968).


"El planeta de los simios" ha trascendido no sólo como un auténtico clásico de la ciencia ficción, sino como un clásico del cine en general. Y no es para menos, nos encontramos ante una obra de una factura técnica exquisita para la época en la cual fue rodada y de un trasfondo que va mucho más allá de ser un  simple film de aventuras.

El planteamiento ubica al espectador en el accidente de una nave espacial que realiza un aterrizaje de emergencia en un planeta desconocido, los supervivientes se enfrentan al reto de sobrevivir en un entorno desconocido  en el cual parece ser que sí hay vida inteligente.

Michael Wilson y Rod Serling consiguieron crear un guión sólido adaptando la novela de Pierre Boulle, construyendo una historia donde aparte del puro entretenimiento, hay espacio para la reflexión. El planeta de los simios es una profunda metáfora acerca de la esencia de la humanidad, aborda diversos temas relacionados con nuestra percepción de normalidad y de cuáles son los atributos que nos definen como seres humanos.

Aparte del ya mencionado trasfondo filosófico, la cinta nos deja una historia sumamente entretenida, comandada por un  Charlton Heston tremendamente carismático, logrando ser ese héroe inolvidable de las grandes historias. La dirección de Schaffer mantiene al espectador ensimismado ante las imágenes que se suceden en pantalla, logrando el clima perfecto para desarrollar un relato inteligente y divertido.

Realmente poco más se puede decir de una película que ha sido  analizada, comentada hasta la saciedad y  ha inspirado a generaciones de cineastas,  un clásico que ha envejecido mejor de lo que parece, siendo una  aventura impactante y dura, cargada de grandes reflexiones, y por supuesto con uno de los finales más recordados de la historia del cine. Gran película.




Valoración: [8/10] ★★★★★★★ 


Rubén.


martes, 29 de julio de 2014

Reseña: 'El vuelo del navegante (Flight of the Navigator)' (Randal Kleiser, 1986)


La factoría Disney nos ofrece una visión familiar y divertida sobre aventuras en el tiempo para todo el público, de carácter afable lleno de guiños a la ciencia ficción más pura con ese toque tan aventurero que caracteriza este tipo de cine. Mezcla de varios géneros, su historia enganchará desde el primer momento y los más pequeños (y maduritos) de la casa disfrutarán con la aventura tiempo-espacial de David, un chico de 12 años que tras sufrir una estrepitosa caída por un barranco y permanecer inconsciente durante un tiempo, despertará ocho años más tarde, sin saber que ha pasado a lo largo de todo ese tiempo y con los buitres de la NASA tras sus pasos ansiando experimentar con el joven viajero del tiempo.

Los efectos especiales se han quedado obsoletos, al igual que el montaje de los decorados de la nave espacial y las diferentes razas alienigenas que encontraremos en ella, que muestran un austero resultado a día de hoy. 

La trama tiene un comienzo más serie y misterioso, declinándose progresivamente en un proceso placentero para el disfrute de los más jóvenes y menos entretenido para el público más adulto, carente de factores que incidan en la sorpresa y cayendo en la más absoluta previsibilidad. Narrada de forma alegre, la temática OVNI llevada al lado divertido, sin muertes de por medio ni violencia gratuita, simplemente divertida. No vamos a entrar a valorar aspectos técnicos o exquisitos del film, esto no es lo que pretende ofrecernos, su misión es entretener a todo el público y en gran parte lo consigue.

El factor nostálgico es lo que más destaca a la hora de ver 'El vuelo del navegante', factor que no conllevo conmigo al no haberla visto en mi juventud y descubrirla siendo ya un habituado del cine, posiblemente sea un punto perjudicial a la hora de valorar la crítica... Y es que la nostalgia a veces nos juega malas pasadas nublándonos nuestro ponderado criterio. 




Valoración: [5/10]
★★★★★




P. Garrido


* Esta crítica está considerada de carácter comunitario dentro de un grupo de cinéfilos que compartirá su opinión de la misma entre los miembros del conjunto. Así pues, mostraré los enlaces a los distintas críticas confeccionadas por cada miembro para su información:


Motel Purgatorio
Comunidad Raven Heart



lunes, 28 de julio de 2014

Crítica: "Enemy" Denis Villenueve (2013).



Denis Villeneuve apuesta por un largometraje de corte mucho más psicológico y turbador que su anterior "Prisioneros", por desgracia se queda muy lejos del  nivel de excelencia que nos mostró  esta.

"Enemy" cuenta la historia de un apático profesor de historia que descubre, tras el visionado de una película que es idéntico a uno de los actores del reparto. Este hecho le hará sumergirse en una extraña obsesión por descubrir más sobre el  portentoso parecido.

La cinta es tremendamente compleja y perturbadora en su desarrollo; su historia puede dar lugar a múltiples interpretaciones. Sin entrar a valorar su relación con la obra de Saramago, se puede afirmar que el guión de  Javier Gullón adaptando la novela de "El hombre duplicado"     se convierte en un vehículo lento y pretencioso para narrar un thriller psicológico que es tan solo interesante a ratos.

La atmosfera está muy bien lograda; es agobiante y perturbadora, la dirección es técnica y precisa, la fotografía es de calidad y  muy cuidada y Jake Gyllenhaal nos regala un excelente ejercicio interpretativo, llevando todo el peso de la cinta. Sin embargo, nos encontramos con una película que resulta plana, no llega a enganchar con el espectador, siendo tremendamente lenta; casi tediosa por momentos.

Algunos dirán que es una obra fascinante y provocadora, pero en mi opinión se encuentra demasiado forzada con el único objeto de ser tremendamente  enigmática, su desarrollo no resulta en absoluto natural. Y no es por el hecho de que su argumento quiera ser enrevesado, también lo es el cine de Lynch y no es algo que lastre en exceso sus  películas. Pero en este caso durante muchos minutos el espectador tiene la sensación de que se le  marea con un tema de nula trascendencia.

En definitiva es una cinta de factura técnica impecable, pero carente totalmente de ritmo, le cuesta mucho arrancar, para acabar concluyendo de forma abrupta y atropellada. No obstante resulta interesante de ver como experimento cinéfilo; ya que este tipo de cine siempre suele suscitar opiniones enfrentadas. A fin de cuentas como decía Saramago  "el caos es un orden por descifrar".





 Valoración: [5/10] ★★★★★


Rubén.

 

sábado, 26 de julio de 2014

Crítica: 'Los Mercenarios 3 (The Expendables 3)' (Patrick Hughes, 2014)


Vuelven los héroes del cine de acción de los 80 y 90 encabezados con el incombustible Sylvester Stallone (Rambo, Rocky, Demolition Man...) y el equipo titular compuesto por Jason Statham, Dolph Lundgren, Terry Crews, Randy Couture y Arnold Schwarzenegger, en una nueva entrega de su guerrillera saga cinematográfica donde el punto más peculiar y atrayente es ver a todos esos actores tan populares en nuestros tiempos mozos juntos en pantalla. El fichaje estrella de esta tercera parte será Weslie Snipes, recién rescatado por el grupo de mercenarios de una cárcel (sirva como guiño con su historia real), que después de más de una década entre rejas sigue en plena forma y preparado para dar el callo junto a los demás. Una de las escenas más destacables del film es un monólogo de Snipes, francamente bueno. Se caen de la lista algunos iconos como Chuck Norris o Bruce Willis, que esta vez no los veremos formar parte del equipo, y caras nuevas menos populares como Kellan Lutz (saga Crepúsculo) o la luchadora de la UFC Ronda Rousey

Vayamos con tres de las nuevas incorporaciones con más renombre: En primer lugar Mel Gibson, el flamante nuevo villano llamado Stonebanks que tras descubrirse como el cofundador del grupo de mercenarios junto a Barney y ahora unas de las personas más peligrosas del planeta, este último intentará acabar con él de una vez por todas. Harrison Ford tendrá un pequeño papel pero esencial para el devenir de la trama, con su sola presencia en pantalla nuestras expectativas nostálgicas se elevan hasta el infinito. Por último, el patrio Antonio Banderas en un personaje adaptado a él, es decir, muy sobre actuado. Sus chistes son penosos y su personaje cansino denota el tono humorístico que genera entre tanto músculo (ojo con su referencia a la legión española). Encima, su primera aparición en pantalla está interpretada por un doble. Su amistad con Sly ha sido el detonante definitivo para estar entre ellos porque no pega ni con cola...

El guión es similar a lo que hemos vivido en las dos primeras entregas, dividido en misiones donde derrocar a los malvados de turno y en el que todo gira en torno a limpiar al jefazo, en este caso el retorcido Stonebanks, interpretado por Gibson. Ofrece lo que el espectador quiere busca, acción y más acción, extravagantes efectos de demolición y estallidos por doquier, ritmo frenético que no admite ni un minuto de respiro al público y unos actores que se compenetran perfectamente ofreciendo lo mejor de ellos en conjunto. Los dilemas morales aparecerá dentro del equipo de veteranos, tras la sensible baja de César (Crews) en una escaramuza, dando pie a la renovación tanto táctica como humanitaria dentro del grupo. Las nuevas tácticas armamentísticas se mezclan a la perfección con las antiguas, demostrando que tanto lo moderno como lo añejo es compatible y lo que prima es lo efectivo. 

Algunas líneas de diálogo han perdido el sórdido y afilado sentido del humor que contenían anteriormente, en cambio, otros aspectos más dramáticos se ha profundizado como la vejez, la amistad o la muerte. La metáfora de las cadenas de los "hermanos de sangre" caídos en la batalla y el tintineo que siempre las acompaña es para quitarse el sombrero. Técnicamente está a la altura, con una fotografía bien definida y efectos especiales y de sonido abrumadores. Pierde intensidad en el tramo de presentación de los nuevos reclutas, que a su vez tienen mucho menos carisma y no tienen el tirón de los míticos Stallone o Ford. La repetición de situaciones es obvia y lo más reprochable que podemos sacarle al film, además de todas las penurias argumentales que se le pueden recriminar y que se pasarán por alto porque el espectador que va a ver 'Los Mercenarios' ya sabe lo que quiere, y este grupo de actores sabe cómo dárselo.




El viejo equipo es indestructible. El viejo equipo es el que te saca las castañas del fuego. El viejo equipo es el que nos gusta. El viejo equipo sigue estando en forma. El viejo equipo será eterno...
Los fans tendrán todo lo que buscan, acción sin descanso, frenetismo a tope y mucha testosterona desbordante acompañada de una tercera reunión de sus ídolos del pasado en plena forma para seguir repartiendo estopa en pantalla a pesar de muchas carencias argumentales o de dirección que pueden ser reprochables. Siguen estando en plena forma, por eso nos gustan tanto estos tipos. 


Valoración: [6/10]
★★★




P. Garrido

viernes, 25 de julio de 2014

Índice de videojuegos


Listado de Críticas y/o reseñas de videojuegos






  1. 42 juegos de siempre (Nintendo DS, 2006)
  2. Alan Wake (Xbox 360, 2010)
  3. Ape Scape (Playstation, 1999)
  4. Bayonetta (PS3, XB360, WiiU, 2010)
  5. Dante's Inferno (PS3, Xbox 360, 2010)
  6. Dead Island (PS3, Xbox 360, PC, 2011)
  7. Dead Space (PS3, XB360, PC, 2008)
  8. Dragon Ball: Attacks of the Saiyans (Nintendo DS, 2009)
  9. Dragon Ball Z: Budokai Tenkaichi 3 (PS2, Wii, 2007)
  10. Dragon Quest VIII: El periplo del rey maldito (Playstation 2, 2006)
  11. Golden Sun (GB Advance, 2002)
  12. Haunting Ground (Playstation 2, 2005)
  13. Hollywood Monsters (PC, 1997)
  14. I am alive (PSN, XBL, PC, 2012)
  15. Mario Kart Super Circuit (Game Boy Advance, 2001) 
  16. Obscure (Playstation 2, 2004)
  17. Red Dead Redemption (PS3, Xbox 360, 2010) 
  18. Resident Evil Outbreak (Playstation 2, 2004) 
  19. Silent Hill (Playstation, 1999) 
  20. Soul Calibur (SEGA Dreamcast, 1999)
  21. Spyro the dragon (Playstation, 1998)
  22. Until Dawn (Playstation 4, 2015) 
  23. Virtua Tennis 2 (Dreamcast, 2002)







Review: Alan Wake. (2010). XBox 360. Microsoft Windows


No creas que lo que ves es una simple pesadilla, hasta lo más oscuro puede hacerse realidad.

Muy buenas y caluroso verano jugones, ¿qué tal ese verano de Sol y playa? Esperemos que aún os queden fuerzas para echar una partida en este fin de semana de calor que se nos avecina. Puedo empezar diciendo que uno de los motivos más rompedores para que compremos una consola se debe al catálogo de títulos que salgan para la misma, y, por supuesto a la calidad de los mismos. He de decir que nunca he sido fanboy de ninguna plataforma. Empecé mi vida con Nintendo, seguí con Sony, luego Sega, y posteriormente me he ido decantando nuevamente por Sony, pero igualmente por Microsoft. Quiero decir con esto que, este título del que os vengo a hablar, es uno de ellos por los que la gente es capaz de comprarse una consola, y así fue en mi caso. Un juego con un marketing y una imagen brutal, el cual creo que ha sido santo y seña de la Consola de Microsoft Xbox 360. No podía esperar más a hacer la crítica de este gran juego que no te dejará indiferente, ni mucho menos. Hablemos de Alan Wake.


Alan Wake es un título lanzado en 2010 por la propia Microsoft, y desarrollado por una compañía finlandesa llamada Remedy Enterntainment, para Xbox 360. Posteriormente se lanzó la versión para PC en 2012. Alan Wake es un juego llamado Thriller Psicológico, algo que antes vagamente habíamos podido ver hasta la fecha y que ingeniaba un argumento que de por sí solo ya era capaz de venderte el juego. La historia del juego narra parte de la vida de un exitoso escritor de novelas de suspense, que da nombre al juego: Alan Wake. Para no extendernos en esto ahora, realizaremos un breve análisis de la portada y presentación del juego.

Nada más ojear la portada del videojuego, podemos observar la cuidada presentación que desprende este título de Remedy. Una portada que bien a los que nos gusta la lectura, puede recordarnos a las más típicas novelas de suspense que hemos leído a lo largo de nuestra vida, con una tipografía marca de la casa y en la que nos quieren hacer ver que este Alan Wake no se trata de un juego cualquiera, no, esto es algo más. En esta portada cobran protagonismo los tonos oscuros y grises, atenuados con las letras del título en colores claros, como si le letras fueran luz ante la oscuridad más absoluta. No nos cabe duda que esto es toda una declaración de intenciones a los fans de las novelas de suspense y que les gusten los videojuegos algo diferentes.



Como hemos nombrado anteriormente, nos pondremos en el papel de Alan Wake, un conocido y aclamado escritor de novelas de suspense que decide tomarse unas vacaciones junto con su esposa en una casita alojada en un lago en la zona de la costa este de los Estados Unidos, Bright Falls. Hasta aquí todo es idílico. No obstante, podemos comprobar cómo a Alan le asaltan continuamente las pesadillas y no se siente del todo cómodo desde hace ya algún tiempo. Alan sufre de problemas de agresividad y falta de concentración en su trabajo, por lo que él y su pareja Alice decide acudir a este idílico paraje para ser sometido a tratamiento por el Psicólogo Emil Hartman. No obstante, Alan tiene la extraña sensación de que algo no va del todo bien. Alan tendrá una discusión con Alice y de pronto la luz se irá de la casa. Posteriormente se oirán gritos de su mujer y una presencia arrastrándola hacia el fondo del lago. Aquí es donde iniciamos nuestro Thriller.



En Alan Wake debemos ir avanzando poco a poco en la Historia para descubrir toda la trama que se ha ceñido sobre la extraña desaparición de Alice.  El control del personaje será bien sencillo e intuitivo. No todo lo que veremos en Bright Falls será tan agradable e idílico por lo que, al caer la noche, diversas sombras intentarán hacernos frente con tal de que no consigamos rescatar a nuestra esposa de manos de la oscuridad. Para ello, Alan irá provisto de una linterna que será el arma de mayor utilidad durante nuestra aventura. Sólo con ella seremos capaces de derrotar a nuestros enemigos posteriormente con un certero disparo (La luz hace que estas sombras se debilite poco a poco). Las sombras serán infinitamente más poderosas cuando el Sol ya no haga acto de presencia.

La narración de los episodios del juego está magistralmente realizada, y es algo que al menos a un servidor, fue de lo que más me llamó la atención. A los chicos de Remedy les pareció buena idea realizar este juego como si fuera una serie de suspense, por lo que cada capítulo está introducido como un episodio de cualquiera de las series de suspense que hemos podido ver a lo largo de nuestras vidas. No en vano, este juego bebe mucho de series de culto como Twin Peaks o X Files. Es de agradecer que a cada capítulo nuevo tengamos una introducción recordando lo acontecido hasta el momento, e igualmente un ending diferente al finalizar dicho capítulo (Hablaremos de la estupenda OST un poco más adelante). En este tipo de juegos la rejugabilidad juega un papel importante debido a que existen diversos coleccionables que te ayudarán a entender mejor la trama.

En cuanto a los gráficos, hemos de decir que brillan a la perfección, haciendo hincapié en los excelentes efectos de luces que guarda este juego de Remedy. Las sombras y los tonos oscurecidos igualmente rallan casi a la perfección, pero, en  opinión, lo que más me llamó de este juego fueron las zonas en las que era de día. Sobre todo por esos parajes de la costa del Pacífico estadounidense, además de los excelentes efectos de luz que posee. La naturalez, los árboles, el agua, el Sol…parece mentira la belleza que contemplaremos con esto en dependencia de las pesadillas que nos aguarda la noche en Bright Falls.




En cuanto al apartado sonoro, como hemos comentado anteriormente, podemos destacar la excelente Banda Sonora que  posee este juego. No solo la OST (Original Soundtrack está genial y te mete mucho en ambiente), sino que al final de cada episodio, las canciones que suenan son insuperables, y le da al  juego un toque aún más profesional del que destila. Canciones como “War” son buena prueba de ello.  Como hemos destacado anteriormente, existen diversas referencias a series, películas y libros en este juego, como por ejemplo Los pájaros, el Universo de Lovecraft, o El Resplandor. Aspectos que hacen el juego más interesante si cabe.

No me queda mucho más por decir, solo que si habéis llegado hasta aquí, me gustaría daros las gracias en mi nombre por seguir mis artículos semana a semana. Alan Wake para mí fue un juego fetiche durante mucho tiempo, y que fue uno de los principales culpable de que me comprara la 360. Puede que tenga algunos aspectos en los que no destaque demasiado como por ejemplo la monotonía del sistema de juego, o el hecho de que no fuera realmente lo que se nos vendió en una primera instancia. No obstante, creo que este juego merece una crítica constructiva, ya que aporta uno de los principales aspectos por los que un servidor se decanta por un juego, una historia que te atrapa, te hace seguir hasta el final para saber que será del protagonista, y de la historia de todos los habitantes de Bright Falls. Sé que es un juego que no os va a dejar indiferentes, así que si aún no lo habéis probado, lanzaros a por él. Si queréis un juego que parezca una serie de suspense, es vuestro título.



NOTA [7,5/10]



Kiosko: Del 25 al 27 de julio


Lo más interesante que ofrece la prensa nacional a sus lectores en sus ediciones de tirada nacional desde películas hasta libros pasando por música y demás artículos culturales.



Viernes, 25 de julio

'Mentes en blanco' (Simon Brand, 2006)

Género: Película DVD
Diario: La Razón
Formato: Caja cartón
Precio: 1,40€








'Real, la película' (Borja Manso, 2005)

Género: Película DVD
Diario: Marca
Formato: Caja cartón
Precio: 2€










Sábado, 26 de julio

'Cold Mountain' (Anthony Minghella, 2003)

Género: Película DVD
Diario: El País
Formato: Caja cartón
Precio: 2,80€








'Con los mismos colores' (Carlos Torres Ríos, 1949)

Género: Película DVD
Diario: Marca
Formato: Caja cartón
Precio: 2€










Domingo, 27 de julio

'Clerks' (Kevin Smith, 1994)

Género: Película DVD
Diario: ABC
Formato: Caja amaray
Precio: 3,80€









'Las campanas de la inocencia' (Ali Bijan, 2003)

Género: Película DVD
Diario: Marca
Formato: Caja cartón
Precio: 2€








'El halcón maltés' (Dashiell Hammett, 1930)

Género: Libro
Diario: El País
Formato: Bolsillo
Precio: 4€








jueves, 24 de julio de 2014

Crítica: 'El hombre de acero (Man of Steel)' (Zack Snyder, 2013)


Zack Snyder (Amanecer de los muertos, 300, Watchmen...) vuelve a poner a la orden del día una nueva entrega del celebérrimo Superman. Con un tono mucho más oscuro y plomizo el joven cineasta intenta revitalizar una saga de capa caída en los últimos años, sobre todo tras el fracaso en crítica como fue 'Superman Returns' (Bryan Singer, 2006). Dejando de lado las diversas adaptaciones de animación que aparecen cada año sobre el popular superhéroe, el gran público de la ciencia ficción esperaba como agua de mayo la llegada de este film tras el espectacular tráiler que la promocionaba. Como protagonista encontraremos a un hiper anabolizado Henry Cavill (Si la cosa funciona, Stardust, Inmortals...) toma el relevo de Christopher Reeve y Brandon Rouht vistiendo la capa roja en el cine, acompañado de grandes estrellas del mundo del celuloide como Russell Crowe, Amy Adams, Michael Shannon, Kevin Costner, Lauren Fishburne o Diane Lane.


La trama nos sitúa en Krypton, un planeta avanzado tecnológicamente y en el que se lleva a cabo una terrible guerra civil, nace un bebé que es enviado por sus propios padres en una cápsula al planeta Tierra. Una familia de Kansas acoge a dicho niño y le enseña los valores que debe tener en la vida para poder contener grandes responsabilidades, ocultando un pequeño secreto, el chaval posee poderes sobrehumanos que comienza a desarrollar desde temprana edad. La historia toma un cariz épico cuando una periodista descubre los poderes de Kent y aparece en escena el general Zod, villano del planeta Krypton que desea la muerte del protagonista para llevar a cabo sus malvados planes.


Gran interpretación de Michael Shannon como el general Zod, a veces impregnada de la rabia suficiente que quiere demostrar su personaje en pantalla. La cinta de Snyder se caracteriza desde el primer minuto en mostrar unos efectos especiales extraordinarios y una música épica firmada por el oscarizado compositor Hans Zimmer (El rey león, Gladiator, Inception...), aderazado con unos efectos de sonido y visuales que quitan el hipo. Como era de esperar, el aspecto técnico del film es lo más destacable, invadiendo la pantalla de "metralla espectaculera" en todo su desarrollo, un deleite para los sentidos. El aspecto negativo es que el guión es bastante pobre, cargado de líneas superficiales y vacío donde demuestra que todo el grueso lo ha dejado en los fuegos de artificio. 


El género muestra un punto de agotamiento en la consistencia argumental, aspecto a tener en cuenta también en 'Man of Steel'. Situaciones poco originales y esperadas, repetición de líneas de diálogo y de escenas que invaden en el espectador la sensación de Déjà vu tanto con otras películas del género como de la propia saga. Aquí lo que prima es el espectáculo y de eso la película va sobrada, consiguiendo entretener hasta el final pero con ninguna sorpresa para ensimismar al público general que busca una historia sólida y contundente que no encontrará en ella.




Acción trepidante de principio a fin con unos efectos especiales atronadores y espectaculares, acompañada de una fotografía oscura y contundente. Los amantes de Superman adorarán ver a su querido personaje en pantalla rodeado de unos efectos técnicos y una banda sonora apabullante. Lo que no consigue embaucar en su simplista guión y el agotamiento argumental que vemos en el género donde Snyder intenta reflotar sin el éxito esperado. 


Valoración: [5/10]
★★★



P. Garrido

miércoles, 23 de julio de 2014

Crítica: 'Atrapados en Chernóbil (Chernobyl Diaries)' (Brad Parker, 2012)


Polémico thriller sobre el desastre nuclear de Chernóbil, acontecido desde su estreno por la controversia suscitada desde el punto de vista humano reprochando que era insensata hacia las víctimas de la tragedia. Grabado a modo de "falso documental" vamos a encontrar una cinta que intenta indagar en un aspecto psicológico en los primeros compases para finalizar con una frenética estampida de violencia, intuyendo un devenir funesto para el grupo de adolescentes que protagonizan este film de terror sobrenatural. Producida por Oren Peli, director de la archiconocida 'Paranormal Activity' (2007). 

La trama nos sitúa en Europa, concretamente en Prypiat, una ciudad abandonada tras el accidente de la central nuclear de Chernóbil, donde un grupo de jóvenes que están de vacaciones desean aumentar la peligrosidad de su aventura pasando un día en este inhóspito lugar. Como era de esperar, un cúmulo de situaciones extrañas hacen que el grupo quede atrapado en el pueblo fantasma, desconociendo que el terrible lugar esconde más de una sorpresa que no esperaban...

Partiendo de una premisa más que interesante y una conseguida atmósfera, el film decae a lo largo de su desarrollo al demostrar poca originalidad respecto a otras películas del mismo género o cayendo en clichés repetidos hasta la saciedad. Consigue mantener esa dosis de suspense que se le exige a este cine durante algunos tramos de su progreso narrativo mientras que los típicos sustos vienen aventurados con antelación, conociendo el espectador donde y cuando va a suceder el retumbe de efectos estando anteriormente preparado para soportarlo. La personalidad de cada individuo es opaca, carente de empatía hacia el espectador, sucedáneos de otros films que deambulan por la pantalla sin carisma, consiguiendo sacar una sonrisa a veces por caer tanto en los tópicos que todos conocemos. 




Como he comentado antes, la fotografía y la ambientación se lleva la palma en cuanto a destacar de esta cinta. Oscura e intensificada para mostrar el lado tenebroso que encierra el lugar. El guión se sostiene gracias al ritmo paulatino que encontraremos en la primera hora de metraje, con alguna incoherencia que no se puede ocultar y que terminará cayendo en lagunas argumentales cerca del desenlace. Un final aceptable que consigue sumar unas décimas al cómputo global pero que no logra salvar los muebles de este rutinario film de terror. 


Valoración: [4/10]
★★★



P. Garrido

martes, 22 de julio de 2014

Crítica: 'La maldición de Chucky (The Curse of Chucky)' (Don Mancini, 2013)



Nuestro colega de trapo más lascivo y sangriento vuelve, una vez más, a resurgir de sus cenizas y continuar con su terrorífica odisea de muerte y destrucción. Don Mancini regresa como director y guionista en la última película sobre el muñeco Good Guy más popular del cine de terror, tras la fallida 'La semilla de Chucky' (2004). El resultado sigue sin ser satisfactorio tanto en calidad como en historia, donde intenta enlazar el principio de toda la historia en un hipotético final donde tampoco termina por ser resolutivo del todo. Y es que como suele ocurrir en estos casos, lo que mal empieza mal acaba... 

La trama comienza con la llegada de Chucky a casa de una chica paralítica en silla de ruedas que vive con su madre mediante un paquete sin remitente. A la mañana siguiente, la anciana aparece muerta en el hall de su casa, aparentemente todo se deriva en suicidio sin, lógicamente, pararse a sospechar del nuevo muñeco que ha llegado a la vivienda. Y es que eso es uno de los mayores puntos a favor del amigo Chucky, nadie sospechará nunca de un simple muñeco de trapo... Según avance la propia trama del film, encontraremos la conexión que se intenta realizar con la primera parte para poder cerrar el círculo en el que se ve envuelto el muñeco maldito, con un desenlace igual de ambiguo que muchos de los aspectos que nos muestra la propia cinta. Cuando un punto concreto e importante de la historia está metido con calzador dentro de la propia escritura de guión, se nota y siempre para mal.

En conjunto, pocos aspectos destacables y/o a tener en cuenta para que esta maldición de Chucky intente hacerse un hueco en esta memoria cinéfila. Guión muy convencional, con ninguna originalidad con respecto a las demás películas de la saga u otras del género slasher, invadida por un desarrollo pausado y sin ritmo que roza el más absoluto tostón el algún tramo del metraje. Y es que siempre nos ha gustado el tono macarra y lascivo que toma el asunto cuando despierta el Chucky malvado, lujurioso y obsceno que todos conocemos. Aquí tarda en arrancar, cuando vienes a darte cuenta la trama está entrando en la cuenta atrás hacia el final sin que aparezca el muñeco que todos conocemos, el macarrilla que queremos ver y disfrutar como antaño. Música y ambientación rayan a un nivel aceptable, siendo las interpretaciones uno de los aspectos más flojos de la película.




La última película del muñeco más cachondo del cine de terror popular naufraga en muchos aspectos destacables como lo técnico o el guión, a veces matices que pasan desapercibidos en este género, en el que suele primar la cualidad de diversión por encima del resto de componentes. Chucky tarda en despertar y cuando viene a sacar su lado más personal y macarra se acaba el tiempo. Una nueva entrega diferentes en cuanto a ritmo, mucho más lento y pausado que lo que nos tienen acostumbrados sus predecesoras, desbordando poco originalidad en su totalidad. Destacar la música y ambientación dentro de una trama desdibujada por una trama pausada y con un personaje venido a menos en la que su vértice emocional simplemente quedará en nuestra nostálgica memoria.


Valoración: [3/10]
★★★




P. Garrido

sábado, 19 de julio de 2014

Crítica: "El hombre que nunca estuvo allí ( The Man Who Wasn't There)" Joel Coen (2001)



Los hermanos Coen en todos sus metrajes siempre suelen dejar su particular sello de cine independiente, diferente e inteligente. Parecen estar dispuestos a aprovechar cada ocasión para reinventarse y mezclar todos los géneros posibles, a través de su peculiar visión de lo que debe ser narrar una historia. Se mueven a la perfección entre lo trágico, lo cómico y lo dramático, manejando una sutil ironía que envuelve cada escena. Realmente poco se puede decir más; son los Coen.

"El hombre que nunca estuvo allí" es la más firme muestra del cine de estos dos hermanos. En este caso nos presentan a Ed (Thornton) , un peluquero con una vida gris; del mismo tono en el que está rodada la cinta. Un perdedor consciente de ello, que ve la oportunidad de sacarle algo más a la vida cuando aparece en escena un tipo con una innovadora idea de negocio en la cual Ed ve la posibilidad de sacar la cabeza del fango. Nada más lejos de la realidad; ya que es precisamente este acto el desencadenante que lleva a su monótona existencia a desmoronarse completamente.

Una película de factura técnica impecable, con un muy buen uso del blanco y negro y los contraluces,  nos recuerda lo mejor del cine negro de los cuarenta, pero con ese toque tan personal que caracteriza a estos dos hermanos estadounidenses. Dentro de los aspectos más artísticos no se puede obviar de ninguna manera la actuación de Billy Bob Thornton, resultando un pilar básico de la cinta; sobre sus hombros recae el peso de ser el conductor del hilo argumental, y decir que lo soporta a la perfección; su rostro transmite más que las palabras, llega a conectar completamente con el espectador y a resultar sumamente creíble en su papel. Es un actor que pese a no ser tan reconocido como otros ( en mi opinión está tremendamente infravalorado), tiene una tremenda capacidad para meterse en la piel de cualquier tipo de personaje y lograr que sea realista y cercano. Aparte de Thornton el resto del reparto también funciona perfectamente; Gandolfini encaja como un guante en su papel de empresario con ínfulas, Mcdormant cumple perfectamente como esposa infiel y desbordada por los acontecimientos,  y también nos deja unos momentos cargados de carisma la interpretación de Tony Shalhoub. 

El resultado del visionado es gratamente satisfactorio, el espectador asiste ensimismado al tremendo lío, que con unas piezas tremendamente sencillas monta el guión de los Coen, y como, en un momento determinado, esa maraña queda de forma perfectamente coherente resuelta y colocada en un lugar que debería haber parecido evidente desde el principio. En definitiva la cinta viene a demostrar que el cine más allá de etiquetas y géneros es una cuestión de talento y en eso los Coen parecen andar sobrados.





 Valoración: [8/10] ★★★★★★


Rubén.