EL OTRO (The Other) (Robert Mulligan, 1972)

En EL OTRO (1972), Robert Mulligan (Matar a un ruiseñor) ofrece una mirada perversa y traumática a la infancia, la soledad y la pérdida del ser querido. Buen equilibrio entre el terror psicológico (fotografía diurna) y ritmo narrativo, importantes (y abusivos) planos cercanos de los niños. Algo previsible pero, en líneas generales, es un filme que te mantiene la tensión hasta el final.

   Valoración: [7/10]  
★★★★★★★★★★

Paco Garrido

CREED. LA LEYENDA DE ROCKY (Ryan Coogler, 2015)

CREED es una gran homenaje a lo que fue la figura de Rocky: lugares, personajes, iconografía, valores. Todo está cuidado con mimo y puede excederse del factor nostálgico, pero nos encanta. Emotivo y crepuscular Sly con el buen hacer de Ryan Coogler en la dirección, esos combates en plano secuencia magistrales, hacen el resto para crear un spin-off de la mítica saga de boxeo a la altura de las expectativas. Bonito homenaje al Everton mediante el personaje de Ricky Conlan y el combate final trasladado a Goodison Park, fantástico.

   Valoración: [7/10]  
★★★★★★★★★★  

Paco Garrido

LA TORTUGA ROJA (Michael Dudok de Wit, 2016)

Dudok de Wit y Takahata no necesitan ni una sola palabra en LA TORTUGA ROJA para enamorar, solo un dibujo preciosista y mucho sentimiento. Una fórmula arriesgada para el público comercial, su estilo se sostiene solamente en el lenguaje visual, francamente notable. Puede pecar de lentitud, pero es una historia sensible que hay que degustar a fuego lento. Me encantan los encuadres de paisaje y personajes, empequeñeciendo al hombre ante la vasta naturaleza. Un filme que hay que ver para reencontrarse con uno mismo.

   Valoración: [7/10]  
★★★★★★★★★★

Paco Garrido

COWBOY BEBOP (Shinichirô Watanabe, 1998)

El anime de Shinichirô Watanabe es una mezcla de géneros apabullante: Western, Noir, aventura espacial futurista, acción. La música es sencillamente magistral, variada, con estilo propio y definido. Los personajes enamoran, sobre todo Spike Spiegel, el Cowboy del espacio y Faye Valentine, la chica guerrera sin pasado. Aunque contiene un hilo argumental claro, cada capítulo es una historia independiente, lo que hace darle un toque diversificado al desarrollo. El final te deja con el corazón en un puño. Una serie noventera, que nos dejó un grato recuerdo y que sigue siendo genial.

"See You Space Cowboy..."

                             

     Valoración: [8/10]     

★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica | TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri) (Martin McDonagh, 2017)

Mildred Hayes es la madre coraje, vestida con un mono de trabajo, de América y Martin McDonagh, guionista y director de Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, papel hecho por y para Frances McDormand. Con aires del John Wayne de Centauros del Desierto de John Ford, McDormand construye un personaje carismático, agrio y valiente como pocos vistos, sobre todo en el género femenino. No es para menos la gran interpretación de Sam Rockwell, como el agresivo policia racista y lector de cómics a tiempo parcial y su evolución emocional dentro de la historia. La colección de personajes deja su poso.

Comedia negra, aderazada con humor ácido y con envoltorio de drama, narrada con inteligencia y diálogos punzantes, que atraparán sin remedio al público por su ritmo. Sin obviar la exquisita dirección de McDonagh, (ese plano secuencia de la paliza al gerente de los carteles por parte de Dixon, simplemente fantástico). No deja de ser una historia desgarradora, contada en tono de Western moderno por estética y música. Evoluciona en matices de guión. Aunque el humor ya lo tiene desde los primeros compases, la muerte y el suicidio están representados de forma socarrona, va creciendo con el ritmo de la historia y la evolución de los propios personajes. Es algo que también se percibe en el cine de los Hermanos Coen como Fargo o Nebraska de Alexander Payne, más recientemente.

TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS es una de las películas del año. Retazos de los Coen en un drama de la América profunda, con tintes de comedia negra, a ratos más divertida de lo que cabría esperar, con aire de Western moderno. Frances McDormand y Sam Rockwell tremendos.

      Valoración: [8/10]     

★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica | SENDEROS DE GLORIA (Paths of Glory) (Stanley Kubrick, 1957)

Compases de tambores y cornetas mientras se entona la sinfonía de la Marsellesa... SENDEROS DE GLORIA de Stanley Kubrick retrata como pocos el crudo y el horror del combate. El ataque al "Hormiguero", los travellings en las trincheras llenas de barro y heridos, la deshumanización y el duro alegato antibelicista, un elenco actoral imperial. Una obra maestra.

Los senderos de gloria son los caminos que toman los generales para la autopromoción con la deshumanización más absoluta, la crueldad de la jerarquía militar y el falso patriotismo. Queda bien reflejada por Kubrick con la contraposición social.

Visualmente impactante y actoralmente notable, el coronel Dax que interpreta Kirk Douglas obtiene paralelismo con el actor en la vida real: un tipo con carácter y de duras convincciones, que igual que defendió a sus compañeros de batallón también lo hizo con esta historia frente a la caza de brujas que asolaba Hollywood. Un proyecto que no financiaba el estudio y por suerte cayó en manos de Kirk Douglas y puso todos lo mecanismos en marcha, incluso renunciando a su sueldo, para llevarlo a cabo. Las autoridades francesas consiguieron que se prohibiera en varios países y en Francia no se censuró, pero nadie pidió la licencia para ser exhibida en cines hasta 1972. También prohibida por el franquismo que no se estrenó hasta el 13 de octubre de 1986 en los cines españoles.

Sombría, inteligente y maravillosamente interpretada, es una película que logra la indignación del público. La contundencia del mensaje es terrible, consigue obtener diferentes sentimientos en el mismo metraje, la cara más cruda de la deshumanización puede tener su oasis con ese emotivo final.

Hay ocasiones en que me averguenza ser un miembro de la raza humana. ¡Y hoy es una de ellas!

     Valoración: [9/10]     
★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica | FORREST GUMP (Robert Zemeckis, 1994)

Espectadores de todo el mundo se enamoraron de la visión única y divertida, a la vez que conmovedora, de este niño grande, corto de luces, con un coeficiente de 75, tremendamente agradable y simpático llamado Forrest, Forrest Gump. Interpretado por un magnífico Tom Hanks, que ganó su segundo Oscar consecutivo gracias a este inolvidable personaje.

Basada en la novela homónima de Winston Groom. La interesante y devastadora vida de Gump es narrada por él mismo desde un banco, esperando el autobús, a todo el mundo que quiera oírla, y merece mucho la pena quedarse a escucharla. Es una carrera de fondo de 40 años, un recorrido social, político y musical de la historia de Norteamerica de posguerra. 

Personajes históricos conocen a Forrest mediante la técnica blue/green screen, hechos reales de los años 50, 60 y 70 de la cultura popular y frases lapidarias de la Sra. Gump crean un conjunto llevado estupendamente por Robert Zemeckis, con un toque sentimental y una nostálgica mirada al pasado. Forrest Gump gira en torno a una historia de amor por parte del protagonista hacia Jenny, una amiga de la infancia de la que está perdidamente enamorado, aunque ella crea que no sabe que es el amor. Dos personajes bien diferenciados: Jenny encarna la oscuridad, las sombras y la autodestrucción, frente a la ingenuidad de Forrest. 

Una historia extraordinaria, emocionante y divertida a partes iguales, citas, personajes y escenas memorables, retrato cultural de casi cuatro décadas rebosante de encanto. Ganadora de seis Oscars de la Academia, incluyendo mejor película, director y actor principal.

"La vida es como una caja de bombones, Forrest. Nunca sabes lo que te va a tocar"

Valoración: [9/10]     
★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica | NORTHMEN: A VIKING SAGA (Claudio Fäh, 2014)

Nuevo intento de aventura épica de acción con Vikingos como excusa, nueva decepción. Lo curioso es que haya cuatro guionistas para escribir una historia tan simple que podría caber en una servilleta. Se salvan los efectos especiales y algunas coreografías de combate, ya que los puntos negativos son francamente visibles y generales. 

Los protagonistas tienen poco carisma, el grupo protagonista no puede ser más tópico: el nórdico fortachón, la chica indefensa, el monje guerrero y el arquero certero. Podría ser el tándem de cualquier otra obra de rol o aventura fantástica que se precie. Los enemigos del asunto son una comunidad de temibles guerreros balcánicos llamados los lobos y con terroríficas máscaras. 

Una historia que hemos visto mil veces, una cruzada "buenos vs malos" que no deja de ser una persecución por verdes páramos y bosques escoceses en donde se fraguan refriegas con pérdidas puntuales para intentar sacar la emotividad del público, sin conseguirlo, ya que no crean ninguna empatía. Situaciones ilógicas, efectos especiales, aventura, batallas, carencia de guión y emoción, previsibilidad y aire de telefilm de acción es lo que esconde Norhtmen. Un intento de acercamiento para los amantes de la mitología nórdica muy descafeinado globalmente.

Valoración: [4/10]

★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica | FLORES ROTAS (Broken Flowers) (Jim Jarmusch, 2005)

Jim Jarmusch convierte un viaje trascendental al pasado más profundo y enigmático en una obra de arte cinematográfica. Bill Murray es ese "avatar" en el que cada espectador deposita los sentimientos que emanan durante este viaje en coche (acompañado de buena música para viajar, por supuesto) en busca de aquellas lejanas mujeres que estuvieron en su vida y que una de ellas, en forma de carta rosa, le ha desmontado su castillo de naipes que era su hastiada vida, comunicándole que tuvo un hijo y que había llegado el momento de que lo supiera. Aquí comienza el trayecto emocional hacia lo remoto.

No había mejor actor para interpretar este papel que Bill Murray. Nadie como él para interpretar la desgana, ese don contemplando hechos asombrosos con absoluta pasividad y claro, creando esa empatía con el espectador en cualquier situación. Un viaje al pasado tan realista que las situaciones las vemos tan cotidianas que asusta: esas reacciones de Sharon Stone, Jessica Lange, Frances Conroy, Tilda Swinton o Julie Delpy son tan auténticas que da miedo. Condescendencia, amargura, felicidad, dudas existenciales, rechazo... es lo que se encuentran esta galería de personajes al ver a ese individuo en el presente abriendo heridas pasadas, donde también tienen cabida las situaciones surrealistas y cómicas. Como la vida misma.

Todo encaja en este puzle ideado por Jarmusch, esta reinvención del mito de Don Juan con este hombre peculiar que dentro del empaquetado de su viaje nos toca descubrir algo más complejo, un guión que está aderezado con líneas ambiguas que dejan libertad de pensamiento y lectura al público. Una joya del cine independiente y de autor a reivindicar.

 

      Valoración: [8/10]     

★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica | DEATH NOTE (Adam Wingard, 2017)

Cuando anunciaron una nueva adaptación de mi amado manga Death Note tenía una incertidumbre peculiar, un desasosiego temeroso de otra decepcionante versión americana de una obra de culto. A pesar de que era producción de Netflix y conocemos que, por lo general, están haciendo las cosas bien. El tráiler sólo sirvió para cebar ese temor. Pero había que darle una oportunidad, ya que Adam Wingard (The Guest, VHS, Tú eres el siguiente), el director, era fan consumado del cómic de Tsugumi Ohba y Takeshi Obata y podría haber un resquicio de esperanza. Nada más lejos de la realidad, un film que no funciona de forma independiente al manga pero mucho menos como adaptación.

El guión es un absurdo, atropellado, sin coherencia, ni un atisbo del componente original ni del mensaje de justicia que imploraba o la crítica social del mismo. Complicada tarea el presentar una obra con un cariz tan profundo y condensarla en la duración de una película comercial, pero para eso tenían prevista más secuelas. La coctelera donde han metido todos los géneros posibles y esperar a que salga algo potable se fue por el retrete. Realmente, no sé en qué género encuadrar esta apática y bochornosa Death Note de Wingard, ni él mismo ha sabido embadurnarla de un género concreto. Aún más lamentable es el trato a los personajes, si nos dijeran que son una auto parodia nos lo creeríamos. Light se convierte en un 'loser' afeminado y carente de todo lo que tenía el Light Yagami del manga, al igual que la chica que hace de Misa, con matices totalmente distintos y un L que intenta imitar los peculiares movimientos del original sin alma ni razón. Lo único salvable es Ryuk, con un tono más siniestro, oscuro y muy poco de fiar, con la voz de Willen Dafoe en su versión original. Muy parecido a Destino Final, que parece que es lo que triunfa entre la juventud americana, segmento al que va destinado el film que nos ocupa.

"Americanizar" las obras maestras europeas y, sobre todo, orientales no suele salir bien (¿quién no recuerda la atroz Dragonball Evolution?) pero al menos le pedimos un trato menos despreciable, valorar más el contexto de la creación original, no basarla en un cambio radical sin sentido y colmado de tópicos por doquier. Como adaptación es malísima, pero como película independiente tampoco funciona. No queda más que apuntar a Netflix en nuestro cuaderno de muerte.

Valoración: [3/10]  
★★★★★★★★★★

Paco Garrido