AMERICAN BEAUTY (Sam Mendes, 1999)

"Cuando hice 'American Beauty', quería que la visión del filme ofreciera a todo espectador una experiencia muy íntima. Espero que sea una obra universal, que ayude a entender la vida un poco mejor."

La historia de un muerto, se sabe nada más empezar la película, ya que él mismo es de narrador y nos pone en situación. El título no es una alusión a la seductora Lolita que abre la jaula de la cárcel familiar en la que está inmerso Lester Burnham, el tema es la belleza de la propia vida. La estupenda película de Sam Mendes trata sobre si es o no posible vivir una vida plena en una sociedad donde la superficialidad se ha convertido en la norma.

Más filosófica de lo que parece, AMERICAN BEAUTY emplea los medios de expresión del drama y la sátira para analizar la vida honesta en un ambiente deshonesto. Mendes nunca expone sus personajes al ridículo, primero los juzga duramente y luego hace todo lo posible para devolverles su dignidad, otorgándoles tiempo para que se desarrollen. Muchas escenas recuerdan al más puro teatro, escenificando su estructura, ya que Mendes tenía experiencia como director teatral. También subraya que la belleza de la vida puede residir y apreciarse en una imagen de vídeo casero o el movimiento de una bolsa por el viento.

AMERICAN BEAUTY muestra que el estado mental de la sociedad norteamericana moderna no es de ningún modo tan prometedora y perfecta como nos quieren dibujar. Una joya del cine de las últimas décadas, inspirada, afirma el propio director, en clásicos superlativos como SUNSET BOULEVARD o EL APARTAMENTO.

CUANDO HARRY ENCONTRÓ A SALLY (When Harry Met Sally) (Rob Reiner, 1989) [30 aniversario]

"Los hombres y las mujeres no pueden ser amigos porque el sexo siempre se interpone entre ellos."

Una música excepcional de jazz mientras aparecen unas letras blancas sobre fondo negro ante de los títulos de crédito. Nueva York y en un Chicago otoñal, un humor que raya la grosería, problemas y enredos amorosos y un sinfín de diálogos ingeniosos. Ya sabemos algo con seguridad, estamos en el universo de Woody Allen, una comedia romántica que rinde homenaje al maestro neoyorquino y ANNIE HALL (1977), actualizando sus temas a la época de estreno retratando con agudeza las relaciones modernas entre mujeres y hombres.

Una película ligera, optimista y encantadora que siempre se puede volver a ver sacando una sonrisa permanente. El director logró crear una pieza notable tan atemporal como su música y al genial guión de Nora Ephron. 'Cuando Harry encontró a Sally...' cuenta cosas que quien más quien menos ha experimentado alguna vez, directa o indirectamente: la euforia de enamorarse, el dolor de la separación y la frustración del resultado. Esta desenfrenada oda romántica es la historia de dos personas opuestas que parecen estar predestinadas.

El humor incisivo y afilado contrasta con la nota romántica adyacente. Un guión ingenioso de doble filo, encuadrado en la más pura tradición de las comedias de los años 30 y 40, lo que permite la mordacidad de los gags aunque tampoco se privan de situaciones tragicómicas. Puede que la trama no sea original, pero destila un instinto especial para chistes y frases ingeniosas. La escena que Sally finge un orgasmo en un restaurante es legendaria, tanto como la repuesta de la comensal de la mesa contigua: "Quiero lo mismo que esa chica", dice Stella Reiner, la madre del director.

Harry y Sally fallan estrepitosamente en el intento de odiarse y al final tienen que rendirse al amor. Juntos nos cautivan y no nos cansamos de que se encuentren y se separen para encontrarse de nuevo.

SUSURROS DEL CORAZÓN (Mimi wo sumaseba) (Yoshifumi Kondô. 1995)

"Debe ser genial saber lo que quieres hacer. Yo no tengo ni idea. Solo voy de un día al siguiente."

Basada en el manga de Aoi Hîragi y guión escrito por Hayao Miyazaki, el único largometraje como director de Kondô, fallecido tres años después, fue el primer gran proyecto de Ghibli sin la batuta de Miyazaki y Takahata en la dirección. Considerada una de las joyas del popular estudio de animación nipón fue la película más taquillera en su año de estreno, destila toda la magia, emoción y delicadeza que nos tienen acostumbrados estos genios del dibujo artesanal.

Podría titularse 'El viaje de Shizuku', evocando a Chihiro, a pesar de que su confección es más cercana a la fantasía onírica representada en Totoro, a través de la imaginación de la protagonista y su pasión por la lectura y escritura. Un viaje iniciático hacia ese paso en la adolescencia, a la maduración y la autorrealización personal, la necesidad de descubrir y encontrar lo que queremos ser en un futuro y la persecución de los sueños. Ambientada en un entorno cotidiano, cargada de detalles del día a día, deslumbra la sencillez en el trato de los personajes y su entorno, ya sea costumbrista o en sus detalles irreales.

La música es un vehículo fundamental en la historia, adquiriendo especial protagonismo. SUSURROS DEL CORAZÓN es una película fundamental, rotura de convencionalismos, una búsqueda personal y universal de libertad hacia las metas individuales. Y, también, del primer amor, si esa persona coge antes que tú los mismos libros de la biblioteca, la satisfacción es aún mayor.

CON FALDAS Y A LO LOCO (Some Like It Hot) (Billy Wilder, 1959)

 "- ¡Soy un hombre! 

- Bueno, nadie es perfecto."

 

Votada como la mejor comedia de la historia del cine por dos centenares de prestigiosos críticos, la obra de Wilder nos sigue fascinando y divirtiendo como la primera vez después de 60 años desde su estreno. Los trastornos en el rodaje de Marilyn Monroe son legendarios, tanto como su atractivo natural. Tony Curtis, en particular, desarrolló una profunda antipatía por Marilyn ya que las largas sesiones de maquillaje que se pegaban él y Jack Lemmon eran titánicas.

Plagada de escenas inolvidables por Diamond y el propio Wilder, un guion exquisito, donde se recuerda la frase final escrita solo un par de días antes de filmarla cuando estaban a punto de terminar el rodaje. Una de esas escenas clásicas que todo el mundo conoce. En ocasiones, un final de película sí puede ser perfecto. Un cóctel de efectos desenfrenados dejando un sabor agridulce con temas como la sexualidad o la Gran Depresión.

De un argumento simple en apariencia, Wilder dibuja un compendio de situaciones extraordinarias e ingeniosas, unos actores con chispa y de calculado cinismo. El filme es un homenaje a los primeros años del cine, a las películas de gánsteres de Hollywood y a las comedias locas de los años cuarenta. Sexo y dinero, vida y muerte, realidad y apariencia, gánsteres y músicos, hombres y mujeres... con estos ingredientes y sus formidables recursos artísticos, el maestro Wilder elabora una de las grandes películas de la historia.

Crítica | ANA Y LOS LOBOS (Carlos Saura, 1972)

Golazo por la escuadra de Saura y Azcona (director y guionista, respectivamente), en forma de metáfora y sutil simbología, a la censura del régimen franquista en su etapa agonizante y relajada con una crítica feroz hacía la burguesía y tres pilares básicos en la sociedad de la época: militarismo, represión sexual y lo eclesiástico. Gran trabajo actoral, narración en forma de cuento macabro puntualmente, de ambientación angustiosa, con sus licencias surrealistas de un marcado toque "buñuelista" y mucha acidez en su guión. Un filme muy interesante.

Crítica | LA QUIMERA DEL ORO (The Golden Rush) (Charles Chaplin, 1925)

"Aparte de todo -lo divertido de la indumentaria, del bigote y los zapatos- realmente quería crear algo que conmoviera a la gente."

'La quimera del oro' es una de las cintas más logradas de Chaplin, y eso son palabras mayores. Al final de su vida declaró con frecuencia que esta era la película por la que más deseaba ser recordado. Reafirmó la creencia de Chaplin de que la comedia y la tragedia no se hallan muy lejanas.

Inspirado en sucesos reales, recreo con fidelidad la imagen histórica de la fiebre del oro y los buscadores que ascendían sufriendo grandes penurias al Chilkoot Pass, obligados a comerse sus zapatos y los cadáveres de sus compañeros muertos en algunos casos. El frío, el hambre, la soledad, el menudo cineasta encuentra el equilibrio perfecto en crear una gran comedia entre temas sórdidos y desagradables.

Abunda en escenas cómicas e icónicas, ahora ya clásicas. Los horrores del hambre padecida por los pioneros del siglo XIX inspiró la secuencia en que Chaplin y Big Jim se comen una bota cocinada estilo gourmet. La transformación en el mismo plano de Charlie en pollo, un triunfo de efecto de cámara, al igual que la escena de la cabaña al borde del precipicio, casi imposible diferenciar el paso de una maqueta a un decorado de tamaño natural. Posiblemente la escenas más famosa sea la del sueño de Nochevieja: el baile de los panecillos.

Una de las grandes obras del cine, tanto en lo técnico como en lo artístico. Chaplin consigue un equilibrio perfecto entre lo conmovedor, lo cómico y lo dramático en 'La quimera del oro'.

Crítica | LA GRAN ILUSIÓN (La Grande Illusion) (Jean Renoir, 1937)

"Las fronteras las dibujan los hombres. A la naturaleza le da igual."

La obra maestra de Jean Renoir es uno de los pocos filmes antibelicistas que realmente merecen este calificativo. Renoir narra su historia, combatiente en la Primera Guerra Mundial en la división aérea, renunciando al espectáculo de la guerra, omitiendo cualquier lluvia de acero, y mostrando su visión humanista y pacifista del conflicto, mediante el barracón de un campo de prisioneros oficiales y aristócratas donde están representados los estamentos sociales.

Una película de guerra sin guerra. Las barreras entre clases se difuminan, las fronteras y los conflictos entre países quedan en circunstancias arbitrarias. 'La gran ilusión' queda en un estudio sociológico: en prisión todos se sientan a la misma mesa.

 

El microcosmos que elabora Renoir plantea diversas tragedias humanas en forma de melodrama. El amor no entiende de bandos. La camadería y admiración representada en forma de la única flor que crece en una fortaleza sobre el cadáver del enemigo, un enemigo que se trata con respeto y que simboliza el vínculo íntimo que une a los miembros de la misma clase social por encima de las fronteras nacionales.

Una película a punto de desaparecer, perseguida y rescatada por puro milagro. En 1937, se intuía que una nueva guerra mundial era una posibilidad muy real. El mensaje pacifista de la película hizo que fuera prohibida en los países dominados por regímenes fascistas. Incluso en Francia, algunos la calificaron de colaboracionista y otros de "demasiado patriótica" (esa emotiva marsellesa anterior a 'Casablanca'). Goebbels, ministro de propaganda nazi, llegó a calificar al director como "enemigo cinematográfico número 1". Mientras Roosevelt defendió la cinta con vehemencia, asegurando que todo demócrata debería verla. Primera cinta extranjera en estar nominada a mejor película en los Oscars.

Clásico del realismo cinematográfico. Potente, conmovedor, libre de clasicismo y ortodoxia. Renoir dibuja un relato donde la aristocracia está en peligro de extinción, mientras las demás clases sobreviven. Las amistades en tiempos de guerra no son más que una hermosa y gran ilusión.

EL PORVENIR (Mia Hansen-Løve, 2016)

EL PORVENIR imprime un relato demasiado cotidiano, en busca de la felicidad, que explica las vicisitudes de la vida con inteligencia, cierta frialdad, silencios e intuiciones. Una elegante y maravillosa Isabelle Huppert demuestra que, posiblemente, es la mejor actriz en activo. Una historia muy auténtica.

   Valoración: [7/10]  
★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica | TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri) (Martin McDonagh, 2017)

Mildred Hayes es la madre coraje, vestida con un mono de trabajo, de América y Martin McDonagh, guionista y director de Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, papel hecho por y para Frances McDormand. Con aires del John Wayne de Centauros del Desierto de John Ford, McDormand construye un personaje carismático, agrio y valiente como pocos vistos, sobre todo en el género femenino. No es para menos la gran interpretación de Sam Rockwell, como el agresivo policia racista y lector de cómics a tiempo parcial y su evolución emocional dentro de la historia. La colección de personajes deja su poso.

Comedia negra, aderazada con humor ácido y con envoltorio de drama, narrada con inteligencia y diálogos punzantes, que atraparán sin remedio al público por su ritmo. Sin obviar la exquisita dirección de McDonagh, (ese plano secuencia de la paliza al gerente de los carteles por parte de Dixon, simplemente fantástico). No deja de ser una historia desgarradora, contada en tono de Western moderno por estética y música. Evoluciona en matices de guión. Aunque el humor ya lo tiene desde los primeros compases, la muerte y el suicidio están representados de forma socarrona, va creciendo con el ritmo de la historia y la evolución de los propios personajes. Es algo que también se percibe en el cine de los Hermanos Coen como Fargo o Nebraska de Alexander Payne, más recientemente.

TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS es una de las películas del año. Retazos de los Coen en un drama de la América profunda, con tintes de comedia negra, a ratos más divertida de lo que cabría esperar, con aire de Western moderno. Frances McDormand y Sam Rockwell tremendos.

      Valoración: [8/10]     

★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica | FORREST GUMP (Robert Zemeckis, 1994)

Espectadores de todo el mundo se enamoraron de la visión única y divertida, a la vez que conmovedora, de este niño grande, corto de luces, con un coeficiente de 75, tremendamente agradable y simpático llamado Forrest, Forrest Gump. Interpretado por un magnífico Tom Hanks, que ganó su segundo Oscar consecutivo gracias a este inolvidable personaje.

Basada en la novela homónima de Winston Groom. La interesante y devastadora vida de Gump es narrada por él mismo desde un banco, esperando el autobús, a todo el mundo que quiera oírla, y merece mucho la pena quedarse a escucharla. Es una carrera de fondo de 40 años, un recorrido social, político y musical de la historia de Norteamerica de posguerra. 

Personajes históricos conocen a Forrest mediante la técnica blue/green screen, hechos reales de los años 50, 60 y 70 de la cultura popular y frases lapidarias de la Sra. Gump crean un conjunto llevado estupendamente por Robert Zemeckis, con un toque sentimental y una nostálgica mirada al pasado. Forrest Gump gira en torno a una historia de amor por parte del protagonista hacia Jenny, una amiga de la infancia de la que está perdidamente enamorado, aunque ella crea que no sabe que es el amor. Dos personajes bien diferenciados: Jenny encarna la oscuridad, las sombras y la autodestrucción, frente a la ingenuidad de Forrest. 

Una historia extraordinaria, emocionante y divertida a partes iguales, citas, personajes y escenas memorables, retrato cultural de casi cuatro décadas rebosante de encanto. Ganadora de seis Oscars de la Academia, incluyendo mejor película, director y actor principal.

"La vida es como una caja de bombones, Forrest. Nunca sabes lo que te va a tocar"

Valoración: [9/10]     
★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica | FLORES ROTAS (Broken Flowers) (Jim Jarmusch, 2005)

Jim Jarmusch convierte un viaje trascendental al pasado más profundo y enigmático en una obra de arte cinematográfica. Bill Murray es ese "avatar" en el que cada espectador deposita los sentimientos que emanan durante este viaje en coche (acompañado de buena música para viajar, por supuesto) en busca de aquellas lejanas mujeres que estuvieron en su vida y que una de ellas, en forma de carta rosa, le ha desmontado su castillo de naipes que era su hastiada vida, comunicándole que tuvo un hijo y que había llegado el momento de que lo supiera. Aquí comienza el trayecto emocional hacia lo remoto.

No había mejor actor para interpretar este papel que Bill Murray. Nadie como él para interpretar la desgana, ese don contemplando hechos asombrosos con absoluta pasividad y claro, creando esa empatía con el espectador en cualquier situación. Un viaje al pasado tan realista que las situaciones las vemos tan cotidianas que asusta: esas reacciones de Sharon Stone, Jessica Lange, Frances Conroy, Tilda Swinton o Julie Delpy son tan auténticas que da miedo. Condescendencia, amargura, felicidad, dudas existenciales, rechazo... es lo que se encuentran esta galería de personajes al ver a ese individuo en el presente abriendo heridas pasadas, donde también tienen cabida las situaciones surrealistas y cómicas. Como la vida misma.

Todo encaja en este puzle ideado por Jarmusch, esta reinvención del mito de Don Juan con este hombre peculiar que dentro del empaquetado de su viaje nos toca descubrir algo más complejo, un guión que está aderezado con líneas ambiguas que dejan libertad de pensamiento y lectura al público. Una joya del cine independiente y de autor a reivindicar.

 

      Valoración: [8/10]     

★★★★★★★★★★

Paco Garrido

Crítica: 'La gran apuesta (The Big Short)' (Adam McKay, 2015)

La historia de como el ladrón roba al ladrón, mientras dentro de este sucio juego de maquiavélicas pesquisas vemos como putean a la gente de andar por casa... exactamente, a todos nosotros. Siguiendo la estela de otros filmes basados en la actual crisis económica mundial como Margin Call, El lobo de Wall Street o el galardonado documental Inside Job, La gran apuesta de McKay muestra con descaro y cruel desgarro el drama que irrumpe desde 2008 a nivel mundial. 

Estructuralmente laboriosa, con un trabajo de documentación sólido y guionizado de manera enrevesado, verborrea indescifrable en varias ocasiones y facilidad de pérdida del argumento si no se permanece atento. Incluso han metido cameos de personajes famosos como Margot Robbie o Selena Gómez para explicar algunos puntos de lo que nos quieren contar, intentando facilitar ese críptico lenguaje que pueda manifestarse en el público. 

A su vez, bastante satisfactorio si consigues llevar el hilo aportando una sensación de moralidad enfrentada, mientras nuestro subconsciente no sabe si reír o llorar con las crueles situaciones que nos muestran. Un elenco de personajes y actores convincentes como Brad Pitt o Steve Carell, donde sobresale la figura de Christian Bale sobre todos ellos con un papel francamente estupendo, su nominación a mejor actor de reparto en los Oscars está más que justificada. Una dirección, montaje y aspecto técnico más que tolerables, pero nada del otro mundo. Pese a fraseología el ritmo narrativo es alto, encadenando escenas con rapidez y siempre con interés interesante para el espectador.

La típica y necesaria lección de economía donde te quedarías dormido narrada con agilidad y nominada a cinco premios Oscar, combinada con un elenco actoral notable y proponiendo un conflicto de comedia-tristeza atroz. Todo marcado por un guión donde puede hacerse confuso por la palabrería usada y altibajos en el ritmo, que suele ser interesante en su mayor parte. El avistamiento al nacimiento de la crisis económica y como el ladrón roba al ladrón.

Sí. Lo que quiere decir... que si estamos bien... si estamos bien, la gente pierde sus casas... la gente pierde sus trabajos... la gente pierde sus ahorros del retiro.... pierden pensiones... ¿ - See more at: http://frasesdecineparaelrecuerdo.blogspot.com.es/2016/01/frases-pelicula-the-big-short-la-gran-apuesta-adam-mckay.html#sthash.eQPn8NXO.dpuf

"La verdad es como la poesía... y a la mayoría no le gusta la poesía"

Sí. Lo que quiere decir... que si estamos bien... si estamos bien, la gente pierde sus casas... la gente pierde sus trabajos... la gente pierde sus ahorros del retiro.... pierden pensiones... ¿ - See more at: http://frasesdecineparaelrecuerdo.blogspot.com.es/2016/01/frases-pelicula-the-big-short-la-gran-apuesta-adam-mckay.html#sthash.eQPn8NXO.dpuf

Valoración: [7/10]     
★★★★★★★★★★

Paco Garrido