Crítica | RETORNO AL PASADO (Jacques Tourneur, 1947)

RETORNO AL PASADO de Jacques Tourneur (1947) es el filme Noir por excelencia, el que siempre aparece entre los primeros en todas las listas porque contiene todos los elementos representativos llevados a la máxima potencia: laberíntica trama, un amargo pasado que resurge, enigmas del deseo fatal, ambigüedades del amor unidas al miedo, el detective ingenioso y hábil que comete el error de dejarse llevar por sus pasiones y una mujer por la que todo hombre moriría.

El terror de serie B forjó la fama de Tourneur como creador de estilo propio, gracias al recurso de sugerir el elemento terrorífico mediante una expresionista fotografía en lugar de mostrarlo explícitamente. Tras tres estupendas cintas de terror de bajo presupuesto para la RKO, LA MUJER PANTERA, YO ANDUVE CON UN ZOMBIE y EL HOMBRE LEOPARDO, el cineasta se ganó dirigir una gran producción con RETORNO AL PASADO, encasillada en la serie B cuando no es así, donde visualmente era deudora de sus anteriores obras. Gracias a la sutileza de la fotografía de Musuraca y la economía de medios en el brillante guión, el ritmo es frenético y rico en detalles.

El cine negro acoge a dos recién llegados: Robert Mitchum y Kirk Douglas. Dos personalidades distintas, dos modos de actuar y dos grandes de la interpretación que llegaron a su máximo esplendor en su época de maduración. Jane Greer elabora una de las mujeres fatales más maquiavélicas y perversas del cine, a su vez fascinante, que lleva de cabeza al impasible Jeff Bailey y todo el que se cruce en su camino.

Una de las obras cumbre del Noir, sombría y fatal, enmarcada narración en una atmósfera de humo de cigarrillos, sobresaliente a todos los niveles. "¿Quieres cerrar la puerta y olvidarlo?"

Crítica | LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES (George A. Romero, 1968)

"Mis historias tratan de seres humanos y sus reacciones, de la falta de ellas, o de las reacciones estúpidas. Me centro en nosotros, no en los zombies. Intento respetar y simpatizar con ellos en la medida de lo posible." George A. Romero.

50 años del estreno de LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES (George A. Romero, 1968). Uno de los padres fundacionales del cambio del cine de terror moderno y artífice del prosaico casi documental clásico del horror zombie, a pesar que esa palabra nunca se utiliza en la cinta. 

Elevó el listón del género y alejó las historias de las cada vez más anticuadas convenciones góticas de primera mitad de siglo.

Una película de terror que reflejaba la sensación de inquietud que impregnaba a la sociedad sin ofrecer consuelo ni confianza, una metáfora de la misma en tiempos convulsos donde los disturbios se sucedían por toda América, Luther King y Kennedy eran asesinados, mientras la democracia se tambaleaba con la Guerra Fría envenenando el ambiente. La supervivencia es el factor esclarecedor del film: un grupo de personas totalmente distintas echadas a su suerte. Frustración, fatalidad, decisiones equivocadas y el horror de la desesperación. Malestar civil, racismo, desintegración familiar, status social y miedo a las masas son elementos siempre vigentes, que están reflejados en la obra de Romero.

Crítica | EUROPA (Lars Von Trier, 1991)

"Mi voz le llevará hacia Europa más profundamente. Voy a contar hasta diez y cuando llegue a diez estará en Europa. Cuando llegue a diez morirá, pero no podrá olvidar Europa."

La hipnótica voz es la de Max Von Sydow y el oscuro narrador Lars Von Trier. EUROPA (1991) es el punto de vista surrealista y onírico del siempre osado Von Trier sobre la posguerra en Alemania, esa que nadie cuenta, tratada en un marco histórico sin ningún rigor histórico, el que nos sumerge en ese mundo caótico y totalmente destruido, pesimista, sucio, una sociedad vencida y humillada.

Convierte un tren en un campo de concentración, a la paz personificada del lugar le da un arma, el amor se esconde bajo ideologías y explosivos. Juega con las metáfora como nadie. 

El odio de un conflicto no es un botón on/off, la guerra ha acabado pero el espíritu sigue vigente, y el cineasta danés (pre-Dogma) indaga en esa serie de ideales y lo muestra con su indudable calidad técnica, sentimiento contenido e influenciado por el cine de Bergman y Lang. Von Trier nunca deja indiferente, su cine es incómodo, pero como consigas entrar te destroza.

Crítica | BUENAS NOCHES, Y BUENA SUERTE (George Clooney, 2005)

En BUENAS NOCHES, Y BUENA SUERTE, un George Clooney extremadamente académico aborda con sutil objetividad y emoción (estructura narrativa que recuerda a EVA AL DESNUDO) el nacimiento de la televisión en los años 50 y la lucha del líder de oratoria Edward R. Murrow contra la persecución comunista o 'caza de brujas' comandada por el senador Joseph McCarthy.

El film exige, para su disfrute pleno, un cierto conocimiento de la historia real y sus personajes para confirmar el nivel de encaje milimetrado que consigue Clooney con la realidad, sostenido por un reparto coral extraordinario y un McCarthy haciendo de él mismo mediante una notable inclusión de imágenes de archivo. 

Como en SPOTLIGHT, THE POST o TODOS LOS HOMBRES DEL PRESIDENTE, son un grupo de personas haciendo su trabajo, pero siempre es atractivo para el espectador el acento crítico de la fuerza defensora de la libertad contra la "cultura del miedo". También un alegato sobre el papel del periodismo y su compromiso con la verdad como lo fue THE INSIDER (El dilema).

Absolutamente inmersiva, el blanco y negro refleja un tono melancólico o nostálgico de aquel periodismo de trinchera donde el humo de los cigarrillos cubría las salas de pesada niebla, las victorias (o derrotas) terminaban en ríos de whisky, sin levantar los exhaustos dedos del papel, mientras sonaban temas jazzísticos interpretados por Dianne Reeves.

Crítica | LA BELLA Y LA BESTIA (Jean Cocteau, 1946)

"Soporto su presencia porque me gustaría hacerle olvidar su fealdad."

Desde los ingeniosos créditos iniciales con el clásico "Érase una vez...", Cocteau invita al público a sacar el niño que llevan dentro y disfrutar de un cuento de hadas, pero sin olvidar su lado adulto. 

Jean Cocteau definió el cine como el arte más completo entre las muchas formas artísticas en las que profundizó, realizando de forma personal la primera versión cinematográfica de LA BELLA Y LA BESTIA (1946).

El cineasta francés creía que tras el masivo revés cultural sufrido durante la ocupación alemana, había que cambiar el realismo o neorrealismo por un cine de vanguardia, arriesgado y ofrecer magia al público. Esa modernidad tan influyente en la futura Nouvelle Vague. 

El cuento homónimo de 1757 desde un extravagante punto de vista gótico, moralista, una mansión encantada llena de vida y creatividad, también de cierto toque siniestro. Los candelabros y Bella deslizándose por los pasillos son una clara metáfora freudiana, (vista en Polanski o Coppola) el simbolismo y surrealismo es de Buñuel, mientras la estética es Dalí. Un conjunto que visualmente funciona mejor que las interpretaciones demasiado académicas y el humor encriptado.

Crítica | LA CINTA BLANCA (Das weisse Band) (Michael Haneke, 2009)

"Le di a Dios una oportunidad de matarme. Él no lo hizo, así que está contento conmigo."

Michael Haneke aborda los gérmenes del nazismo en la sociedad alemana en vísperas de la Gran Guerra en LA CINTA BLANCA, una de las joyas del siglo XXI. Un relato brutal, profundo, descarnado y de apabullante fotografía de Berger, filmada en color y pasada a blanco y negro.

Analiza los comportamientos ordinarios de una sociedad de crueldad contenida, basada en el puritanismo y la autoridad religiosa, la semilla donde descansaba el espanto esperando el alzamiento del Tercer Reich. El retrato de los personajes y esa narración ambigua, da rienda suelta a sugerir y pensar más que explicar, mantiene en vilo con toda la aspereza del cine de autor europeo más cerca de Bergman que de Dreyer, la obra personal de un maestro de la narración. Brillante parábola histórica o un siniestro cuento de terror contenido

"¿Lo han hecho de forma consciente, son un grupo de niños abandonados a su suerte, o simplemente han sido malinterpretados?" Los niños son muy importantes en la historia (pasada, presente y, sobre todo, futura) y Haneke explicó el durísimo casting que llevaron a cabo: "Observamos a 7.000 niños durante seis meses... Fue difícil".

Crítica | EN ESTE RINCÓN DEL MUNDO (Sunao Katabuchi, 2016)

EN ESTE RINCÓN DEL MUNDO es otro elegante anime, ya no solo por el notable nivel de artesanía artística sino también por el mensaje melancólico y la cotidianidad que alberga la trágica historia de Suzu Urano, y todo ser humano que vive una guerra. Historia cocinada a fuego lento.

ASSASSIN'S CREED (Justin Kurzel, 2016)

En la adaptación de ASSASSIN'S CREED dirigida por Justin Kurzel, cualquier parecido con el videojuego homónimo de Ubisoft es pura casualidad. Un completo elenco de renombre no consigue dar empaque a una historia vacía, curiosamente, todo lo contrario a la saga de videojuegos en las que se basa. Conseguida la diferencia de ambientaciones, aunque desaprovechado "el viaje" a la Andalucía de 1492 y todos sus interesantes entresijos históricos. Además, tampoco funciona como producto de entretenimiento de evasión gracias a un ritmo irregular. Quitando un par de escenas de acción (qué mínimo...), la disputa "realista-ficticia" entre el credo de asesinos y templarios en la pantalla grande no termina de cumplir.

Valoración: [4/10]  
★★★★

Paco Garrido

Crítica | PSICOSIS (Psycho) (Alfred Hitchcock, 1960)

Es uno de los filmes más famosos de todos los tiempos y con todo probabilidad la película de terror más influyente de la historia. Experimental desde el punto de vista narrativo, repleta de analogías y simbolismo, planos célebres e inmortal desde su visionado. Adaptación de la novela homónima de Robert Bloch y con clara inspiración a la hora de crear el personaje en Ed Gein, Hitchcock permuta los seres sobrenaturales del pasado por un monstruo demasiado humano. El cineasta británico había encontrado el modo de incidir en la psique colectiva: unir sexo, locura y asesinato en un cuento escabroso y sórdido bajo la mirada de un monstruo normal. La visión del Bates motel a través del cristal, y la mirada de Marion Crane, del coche bajo la lluvia. Todo iba a acabar bajo el agua en un horrible giro, que hizo al público chillar desde sus butacas mientras sonaban los chirriantes violines de Bernard Herrmann. El manifiesto artístico de un maestro en el punto culminante de su carrera.

EL QUINTETO DE LA MUERTE (Alexander Mackendrick, 1955)

EL QUINTETO DE LA MUERTE de Mackendrick es una deliciosa comedia negra a la inglesa, incluidas todas sus características, para bien o para mal. La lucha entre el bien y el mal del ladrón, contemplativos ante la dulce e inocente vejez pero no tanto entre ellos. Un reparto estupendo con la honesta Katie Johnson y el grupo de ladrones: el cerebro, el militar, el italiano, el musculitos... Retrato de la Gran Bretaña de posguerra, divertida pero atrapada en el pasado que intenta echar la puerta de la modernidad abajo.

   Valoración: [7/10]   

★★★★★★★

Paco Garrido