QUIEN A HIERRO MATA es un sólido ejercicio de estilo apoyado en el Mario de Luis Tosar, un personaje dotado de matices, que navega entre la dicotomía psicológica del bien y el mal, un juego con el espectador. Thriller denso y turbio sobre el odio, la venganza y sus consecuencias.
Basada en la novela homónima de William Lindsay Gresham, 'Nightmare
Alley' repasa el ascenso de Stan Carlisle, quien pasa de ser un feriante
a convertirse en un mentalista destacado mientras persigue el "Sueño
Americano". La típica historia del mendigo que llega a ser millonario
popularizada por el escritor Horacio Alger, la personificación del
famoso Sueño Americano desde una perspectiva ominosa y oscura.
Zanuck derrochó dinero en los escenarios e incluso contrató una feria
ambulante, además de la formidable contratación de Lee Grames como
director de fotografía con la misión de aplicar su característica
"iluminación a lo Rembrandt", consistente en luces procedentes de una
fuente principal, para realzar y cargar el ambiente pues retrata la cara
oscura de ese sueño que persigue Tyrone Power. Para conseguir el éxito
hay que aprovecharse de las debilidades del prójimo, aunque haya que
cargar con una sensación fatídica permanente.
El filme no recuperó los costes, con el tiempo, adquirió el estatus de
película de culto, entre otras cosas porque durante muchos años no
estuvo disponible. Se considera una de las cintas más negras del noir de
la rica década de los 40. Si pudiera extraer una lección moral de EL
CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS sería que la consecuencia inevitable para
quien juega a ser Dios es una recompensa espantosa.
"Incluso una vez acabado el rodaje, teníamos dudas de si seríamos capaces de engañar a la audiencia." Bruce Willis, 2002
El guionista/director M. Night Shyamalan recuperó el thriller dramático
apoyándose en un estilo clásico, con clara inspiración en Hitchcock o
'El resplandor' de Kubrick, para narrar una historia de amor donde daba
una nueva dimensión al género de misterio y de fantasmas. Esta pesadilla
de sorprendente final, mezcla de lo cotidiano y lo que envuelve a la
muerte, se escenifica con una destacable creatividad. Una historia de
fantasmas que funciona en diferentes sentidos, con horribles momentos de
sutil terror, Shyamalan merece los mayores elogios por reunir los
diferentes elementos y apreciar todos los matices.
Las pesadillas infantiles que hacen de la infancia algo atroz al miedo
se disipan por una propia naturaleza que trasciende nuestro
entendimiento. El inusual thriller fruto de esta situación mantiene un
sutil y conmovedor equilibrio entre los distintos géneros que contiene:
drama psicológico, terror, melodrama, compañerismo masculino. Willis, el
héroe de acción, sorprendía con una actuación comedida que constituye
el eje de la película, melancolía y soledad que transmite sensación de
pérdida.
El argumento juega con las expectativas del público y explora la
presunción de que todo lo que se ve es real y de que el tiempo, el
espacio y la casualidad son elementos de la vida diaria. Con el tiempo,
veríamos que sería una característica del cineasta. El inteligente uso
amortiguado del color, la temperatura fría se encuentra presente, y el
enorme poder visual se debe a la maestría artística de Tak Fujimoto. El
apagado colorido, el uso del rojo, de las escenas individuales se
combina para crear una atmósfera morbosa y cargada.
EL SEXTO SENTIDO se ha convertido en un clásico moderno. Compleja,
visualmente atractiva, dolorosa, conmovedora, tensa y con un final
impredecible.
"En octubre de 1994, tres estudiantes de cinematografía desaparecieron
en los bosques próximos a Burkittsville, Maryland, mientras rodaban un
documental... un año después se encontró el material que habían
grabado."
Así empieza 'El proyecto de la bruja de Blair', uno de los grandes
pelotazos de las últimas décadas, un filme de terror en clave de
documental con un presupuesto irrisorio que tuvo una recaudación de más
de 140 millones de doláres convirtiéndola en una de las películas
independientes más rentables de todos los tiempos. Todo gracias a una
innovadora campaña publicitaria, donde las redes tuvieron mucho que ver,
y el boca a boca hizo el resto.
Basada en la premisa de la misteriosa figura de la bruja que ronda el
bosque de Black Hills desde el siglo XVIII y, supuestamente, responsable
de crímenes atroces, por momentos consigue inspirar terror en el
espectador mediante el uso de técnicas documentales. Cierto es su
excesiva dependencia de la propia filmación, característica que arrastra
el "Found Footage", y la lentitud de desarrollo. Su objetivo es
suscitar intensas respuestas emocionales al explotar los miedos más
básicos (a la oscuridad, lo desconocido, sonidos extraños), donde los
momentos más terroríficos son los de la pantalla en blanco y negro,
cuando entra en juego la imaginación.
Un género o subgénero muy arriesgado, cuál algunos lo verán como una
engañifa y otros una historia excepcionalmente concebida y ejecutada.
Myrick y Sánchez llevaron su producto un paso más allá del "metraje
encontrado" al estilo documental a anteriores películas de terror como
'La última casa a la izquierda' de Wes Craven y 'La matanza de Texas' de
Tobe Hooper, siendo estas más redondas cinematográficamente hablando.
"Es un libro difícil de describir, aunque es un buen libro. Explora la
ambivalencia sexual de un matrimonio feliz, e intenta equiparar los
sueños eróticos y los deseos incumplidos con la realidad."
El testamento fílmico del maestro Kubrick y una película de culto que
con el tiempo se ha convertido en un referente del cine moderno. Como la
gran mayoría de sus películas, en el momento de estreno se
malinterpretaban por ciertos críticos, como mínimo hasta cierto punto,
para al final acabar considerándose obras maestras. EYES WIDE SHUT no es
una excepción.
No obstante, su última película antes de fallecer, quizá sea la más
infravalorada, basada en la novela 'Relato soñado' de Arthur Schnitzler
de 1926. En un principio crítica y público se quedaron descolocados con
este erótico tratado ambiguo y complejo sobre la fidelidad, el deseo y
los males necesarios de la decepción provocada por el matrimonio y la
sociedad. La atracción y afinidad de Kubrick por la obra de Max Ophüls
queda patente en este relato, cineasta que ya había trasladado un libro
de Schnitzler en 'La ronde' (1950) y guarda cierta similitud en términos
de tono, ambientación y temática.
Una historia contemporánea que realmente refleja una época clásica,
tanto psicológica como sexualmente, un apasionante viaje psicosexual
cargado de suspense y la elegancia técnica característica de Stanley
Kubrick. Un notable final para una brillante carrera, no solo de un
creador en la cúspide de sus habilidades, sino también uno de los
artistas principales del siglo XX.
"Una película en defensa de los niños de todo el mundo."
Así rezaba la leyenda publicitaria del filme. Pocos días de la muerte de
Chicho Ibáñez Serrador se cumple el 43° aniversario de uno de sus
mejores trabajos, que no tuvo el recibimiento y aceptación que se le
podía esperar a una cinta dirigida y escrita por una de las
personalidades televisivas más importantes del país en el momento de su
estreno, ahora se ha convertido en película de culto para diferentes
generaciones.
Indudablemente, Chicho creó una de las propuestas más modernas y
arriesgadas de toda la historia del género en España, con una cámara al
hombro y luz diurna que contrastaba con propuestas anteriores, dejando
clara la idea de venganza hacia los adultos, tema acorde y recurrente en
su filmografía. Un relato sobre niños asesinos de Juan José Plans,
gestado en soporte radiofónico y papel estilo 'Historias para no
dormir', despertó la curiosidad de Ibáñez Serrador y la historia de esa
génesis fue parecida a lo que dio origen a 'La residencia', su anterior
película.
El cineasta se encargó del guión en solitario, suprimiendo la idea del
polen que infectada a los niños por un relato donde la naturaleza tenía
mayor presencia, no en vano, 'La semilla del diablo', 'El pueblo de los
malditos' o 'Los pájaros' son las grandes influencias de la película.
'¿Quién puede matar a un niño?', lejos de inaugurar ninguna etapa, nos
recordó el final de una. Atrevida y adelantada a su tiempo, los niños de
Chicho siguen dando tanto miedo como cuando visitamos su isla por
primera vez.
"No toques nada y no hables con nadie hasta que yo vuelva."
"Run for cover" solía decir el maestro cuando era preguntado sobre su
película, afirmando que era circunstancial y menor en su filmografía.
Yo, y muchos más, no estamos de acuerdo con el creador ya que su
adaptación de la obra teatral homónima de Frederick Knott es un
ejercicio de suspense realmente entretenida, embaucadora desde el primer
plano secuencia y elegantemente representada.
Toda la acción se desarrolla en un "living room" donde la comunión cine y
teatro es perfecta, pues se servía de medios cinematográficos técnicos
para la maquiavélica integración del suspense en los diálogos y el
recogido entorno. La tensión y ambientación opresiva es constante, la
perfección de planificación, ritmo y líneas conversacionales son de un
nivel sobresaliente. La vestimenta de Grace Kelly pasaba de colores
vivos y alegres al principio a cada vez más oscuros a medida que la
trama se volvía más sombría.
La puesta en escena en CRIMEN PERFECTO es de primer orden. La secuencia
del crimen en sí ha pasado a la antología del cine por derecho propio.
Un filme estupendo al que sigo acudiendo a menudo con gran placer.
"Pude ser un fuera de serie. Aspiraba al título. Podría haber sido algo
en la vida. En lugar de eso, mírame, solo soy un golfo." Terry Malloy
(Marlon Brando).
Esta obra de arte estremecedora todavía hoy sigue siendo cuestionada
como una justificación personal de Kazan en lugar de estudio de su
monumental valor cultural y cinematográfico, aún más cuando experimenta
una revalorización moral considerable. Kazan jamás negó que esta
historia de culpa, traición y redención fuera un reflejo de su propio
destino. LA LEY DEL SILENCIO, al principio se iba a llamar 'El garfio',
cayó como una bomba entre el público y la crítica.
Schulberg se basó para escribir el guión en la serie de artículos de
Malcom Johnson que sacaban a la luz la situación insostenible que se
vivían en los muelles de Nueva York y Nueva Jersey. Los sindicatos
estaban en el punto culminante de su poder y se habían hundido en la
corrupción. Mordaz y tierna al mismo tiempo, Kazan le confiere
distinción y un impacto terrible con una puesta en escena contemplativa,
diálogos concisos y una nueva forma de realismo social, gracias a la
fotografía exquisita de Kaufman y los integrantes de la generación del
Actors Studio.
"Brando y Kazan cambiaron para siempre la interpretación en el cine
americano", afirmaba el crítico Roger Ebert, no podría estar más de
acuerdo con sus palabras. Brando ofrece un estilo de interpretación
fresco, vivo, desgarrado por sentimientos encontrados, plasmación
intensa de la ambigüedad y la inocencia que se ubica en una tierra
sacudida por traiciones y paranoia. Un reparto espectacular y de
confianza para el director donde destaca la debutante Eva Marie Saint
con una réplica excelente, ganadora del Óscar junto a Marlon Brando.
Escenas míticas como la del guante o la parte trasera del taxi son
utilizadas para enseñar y formar en todas las universidades y academias.
La celebrada autenticidad del filme sigue siendo un admirable retrato
de la traición. El mito de Brando no paraba de crecer y LA LEY DEL
SILENCIO se convertía en una de las mejores películas americanas de
todos los tiempos.
Murakami lleva a la máxima expresión la meticulosidad a la hora de
narrar y elaborar los elementos que componen su obra, buque insignia
junto a Higashino o Kirino de la nueva generación de escritores
japoneses, novelistas de la profundidad de texto. Característica que
puede hacerse pesada por momentos, aquí reitera ciertos puntos una y
otra vez, sin llegar a aburrir en ningún momento pero sí con la
sensación de que se podría rematar antes. Un estilo que implica la
inmersión del lector constantemente, por eso se dice que no es para todo
el mundo, pero es un viaje abstracto y surrealista, con una historia de
amor totalmente distinta a lo conocido, que merece la pena embarcarse
en la travesía que propone el japonés, donde cada uno puede llamar como
quiera.
Murakami despliega un universo particular e
inclasificable: un thriller romántico de carácter especial, pre
desarrollo informático, bien estructurado, con una mirada fascinante
hacia Orwell y su 1984, crítica al sistema mediante mezcla de ficción y
realidad, múltiples referencias culturales. La cotidianeidad a merced de
la imaginación, personajes inolvidables, un viaje subversivo donde no
tiene cabida el simplismo.
Legrand entra por la puerta grande con una ópera prima digna de máxima consideración. Esta producción ha llegado hasta nosotros gracias a un corto de 2013 (realizado por el mismo director) llamado 'Antes que perderlo todo' (Avant que de tout perdre), que actúa como precuela de este largometraje (al aparecer el mismo elenco y temática) y que fue nominada a los premios Oscar del mismo año.
Atrapa desde el primer segundo y hace que el espectador no sólo empatice con los personajes, sino que realmente sufra cada gesto y se desespere ante la impotencia que provoca este tipo de situaciones tan violentas y, por desgracia, cotidianas.
No es una simple película sobre el maltrato doméstico... Legrand va más allá criticando la falta de seguridad y apoyo hacia la víctima por parte de la justicia y el Estado y nos demuestra que el verdadero terror podemos encontrarlo en nuestro círculo cercano.
Uno de los puntos a su favor es que no se limita a abordar la trama de forma excesivamente dramática. Él nos regala un espectacular thriller lleno de suspense y escenas violentas. No quiere que lloremos, ni que nos compadezcamos...él quiere que nos concienciemos del grave problema que supone el acoso y abuso familiares.
Por último, me gustaría destacar la maravillosa escena final (por todo lo que conlleva) y la actuación de Denis Ménochet (el padre maltratador), que es simplemente espectacular. Ojo con este director porque ha llegado pisando fuerte para conseguir una estancia de larga duración sin pase de salida.
Producción hispano-germana-suiza realizada por Vadja, director
nacionalizado español, tan poco conocido como su propio filme. EL CEBO
es una extraordinaria reinvención o reescritura del cuento infantil de
Caperucita Roja sin lobos pero con asesinos reales, perturbados e
insaciables, que es todavía más terrorífico.
Construida a retazos del
mejor cine de suspense como M de Fritz Lang, el terror clásico que evoca
al FRANKENSTEIN de la Universal o el cuento siniestro de LA NOCHE DEL
CAZADOR de Charles Laughton.
Para construcción sólida, la historia del dramaturgo Friedich
Dürrenmant, guión realizado al mismo tiempo de la novelización titulada
LA PROMESA, que Vadja ensalza magistralmente con una visión paralela y
sin trampas: el público conoce el asesino y el método policial desde el
principio (M), el puzle se va desgranando a la vez que el comisario
Matthai va uniendo piezas en la pantalla. Rodada en Suiza con actores alemanes y el francés Michel Simon, el
reparto es excelente, sin excepciones. La fotografía capta perfectamente
ese ambiente rural sofocante, con todos sus matices. No profundiza en
la realización de perfiles psicológicos, busca el conflicto de
conciencia y moralidad por parte del comisario. Un descenso a la locura
absoluta en su búsqueda infructuosa del asesino de niños.
El dibujo de una niña como única pista: un gigante, un coche negro, una
cabra, erizos, chocolate suizo, títeres y un ogro que quiere hacer magia
para los niños... con el cuchillo homocida en la chaqueta. El cuento
macabro de Vadja es, sin duda alguna, un clásico de la historia del cine
y de las mejores películas europeas de posguerra. Nadie puede escapar a
este sugerente y perturbador juego detectivesco, en el que acecha una
amenaza latente, la bestia del ser humano.
"La he visto... y quiere que sepa que es feliz." Frase de recurso
facilón dentro del misterio, muestra de posesión de don maldito. También
deja intuir una tragedia anterior, una búsqueda misteriosa que sacuda
cualquier visión racional del mundo. Lo que no se preveía era que esa
experiencia sería en un majestuoso escenario como una laberíntica e
invernal Venecia.
"Un Hitchcock moderno", tildaron algunos críticos de la época a Roeg.
Creo que está más cerca de los cineastas italianos (música de Pino
Donaggio, detallismo rojo intenso, montaje escalado) que del maestro del
suspense, pese a disponer de su cálculo escénico y simbolismo, sin
tener apoyo en un guión tan consistente como se esperaba.
AMENAZA EN LA SOMBRA, basada en un texto de Daphne du Maurier, tiene la
fuerza de asustar y desorientar, sugiere un puzle obsesivo donde las
callejuelas venecianas y ese ambiente tan sombrío ayudan mucho a la
inmersión, aunque no deja de tener una inconsistencia narrativa
demasiado engañosa. Con la sutileza estética del terror y el thriller convencional, se mueve
entre ambos géneros, el puzle visual de Roeg invita a verla más de una
vez por la intuición simbólica que contiene, la increíble puesta en
escena, una Venecia más caótica que romántica, con cierto aire
vanguardista. No exenta de montaje irregular y la trampa de guion (y una
escena de cama exageradamente larga...) que puede salirse de control,
resulta un filme absorbente y francamente disfrutable.
"Una novela sobre un libro de Aristóteles perdido en una abadía en la
Edad Media parecía escrita para mí." Afirmaba el director sobre su
ambicioso y apasionante proyecto de adaptar la obra cumbre de Eco en una
superproducción europea que hiciera temblar a Hollywood.
17 borradores de guion, cinco años de financiación y planificación, 300
monasterios visitados después se levantó el mayor escenario jamás creado
en Europa desde CLEOPATRA de Mankiewicz. La obsesión de Annaud era
mantener el esqueleto de la trama detectivesca, el ritmo narrativo
adecuado, a fuego lento, y trasmitir hasta que el más mínimo detalle
evocara al año 1327. Y lo consigue, la adaptación es una de las mayores
experiencias inmersivas del cine.
El espectador se siente en piel del monje-investigador Guillermo de
Baskerville y su aprendiz Adso de Melk de este medieval 'Sherlock
Holmes'. Desde los libros y la minuciosidad de la laberíntica abadía,
sus habitaciones, los monjes (Murray Abraham y "el jorobado" Ron Perlman
impresionantes), esa profundidad oscura que casa perfecta con el
plomizo ambiente y la fascinante historia, como observadores de la
naturaleza. EL NOMBRE DE LA ROSA ha ido acrecentando su fama con el paso de los
años, 32 años después de su estreno es un hito de la cultura europea y
punto de referencia del cine de calidad. Necesidad de hacer perdurar la
cultura, los libros, el arte y la sabiduría, pero no por fanáticos y
ambiciosos.
Un filme basado en un relato de Stephen King con perspectiva intimista y personal de Bryan Singer, que estuvo obsesionado con el nacionalsocialismo en su juventud.
También es una película sin rastro de terror. Uno de los aspectos desafortunados a la hora de vender este producto al público en su momento es catalogarla de terror, siendo un thriller de suspense, más cercano al drama y un estudio del comportamiento psicológico del ser humano.
Su título en castellano no tiene nada que ver con la historia, subtitulado así como parte de la obra 'Las cuatro estaciones', publicada en 1982. Un relato que ya se había intentado llevar al cine en varias ocasiones, pero la mala fortuna y los problemas económicos lo impidieron.
VERANO DE CORRUPCIÓN explora un interesante trasfondo del nazismo, otorgando más peso a los personajes que al entorno, profundizando en una historia pausada, cocinada a fuego lento, en el que apunta con dedo acusador la obsesión, perversidad y el mal psicológico de forma directa y concisa.
Estupendo Ian Mckellen, un actor reputado y experimentado que ofrece una interpretación contenida y dura.
La casa que construyeron los espíritus, el filme que no supieron construir los hermanos Spierig. Siguiendo con la semejanza entre la construcción de una casa y una película, igual de utópico es empezar por el tejado como elaborar la cinta sólo mediante molestos jumpscares y las subidas de volumen de rigor.
WINCHESTER me ha parecido más decepcionante de lo que esperaba, y eso que las primeras exploraciones pintaban mal. Ni Helen Mirren como Sarah Lockwood (desaprovechada como figura histórica real) consigue maquillar esta aburrida y efectista cinta de género. Aunque la premisa parecía interesante, se le hace imposible de escapar del mar de tópicos en los que se ve envuelta.
"No existe la calle sin piedras mudas ni la casa sin ecos."
Clint Eastwood conquista Hollywood y, lo más difícil, a la crítica y
público europeo que vio un retazo de thriller clásico con final abierto
que hace pensar, conmueve y contiene el simbolismo del cine de antaño,
la sombra de Fritz Lang de los 50.
Basada en la novela homónima de
Dennis Lehane, el río Mystic es un paisaje de Western urbano, una de
jungla de asfalto como diría Burnett, en el que tres amigos de clases
distintas conocen la pérdida de la inocencia y uno de ellos contempla la
bajada a los infiernos, su reencuentro de adultos hará que vuelva ese
pasado que creían enterrado.
Esa sombría y oscura Boston puede ser cualquier ciudad, la desesperanza y
las miserables vidas, la violencia y sus consecuencias pueden ser las
de cualquiera y el estilo clasicista del cineasta, muy cerca del estilo
Nicholas Ray, deja poco espacio para la esperanza. Sería imposible sin
el apoyo del espectacular reparto y los oscarizados Sean Penn y Tim
Robbins, arriesgan en sus interpretaciones y devoran la pantalla. MYSTIC RIVER es un film trascendental en la carrera de Eastwood, una
historia bañada en oscuridad narrada por personajes que no pueden
escapar del pasado, desesperanza, familia, amistad y la pérdida del ser.
Reconocidísima como una de las grandes obras del siglo XXI.
"Le di a Dios una oportunidad de matarme. Él no lo hizo, así que está contento conmigo."
Michael Haneke aborda los gérmenes del nazismo en la sociedad alemana en
vísperas de la Gran Guerra en LA CINTA BLANCA, una de las joyas del
siglo XXI. Un relato brutal, profundo, descarnado y de apabullante
fotografía de Berger, filmada en color y pasada a blanco y negro.
Analiza los comportamientos ordinarios de una sociedad de crueldad
contenida, basada en el puritanismo y la autoridad religiosa, la semilla
donde descansaba el espanto esperando el alzamiento del Tercer Reich. El retrato de los personajes y esa narración ambigua, da rienda suelta a
sugerir y pensar más que explicar, mantiene en vilo con toda la
aspereza del cine de autor europeo más cerca de Bergman que de Dreyer,
la obra personal de un maestro de la narración. Brillante parábola
histórica o un siniestro cuento de terror contenido
"¿Lo han hecho de forma consciente, son un grupo de niños abandonados a
su suerte, o simplemente han sido malinterpretados?" Los niños son muy
importantes en la historia (pasada, presente y, sobre todo, futura) y
Haneke explicó el durísimo casting que llevaron a cabo: "Observamos a
7.000 niños durante seis meses... Fue difícil".
Es uno de los filmes más famosos de todos los tiempos y con todo probabilidad la película de terror más influyente de la historia. Experimental desde el punto de vista narrativo, repleta de analogías y simbolismo, planos célebres e inmortal desde su visionado. Adaptación de la novela homónima de Robert Bloch y con clara inspiración a la hora de crear el personaje en Ed Gein, Hitchcock permuta los seres sobrenaturales del pasado por un monstruo demasiado humano. El cineasta británico había encontrado el modo de incidir en la psique colectiva: unir sexo, locura y asesinato en un cuento escabroso y sórdido bajo la mirada de un monstruo normal. La visión del Bates motel a través del cristal, y la mirada de Marion Crane, del coche bajo la lluvia. Todo iba a acabar bajo el agua en un horrible giro, que hizo al público chillar desde sus butacas mientras sonaban los chirriantes violines de Bernard Herrmann. El manifiesto artístico de un maestro en el punto culminante de su carrera.
ANIQUILACIÓN de Alex Garland tiene un bonito envoltorio, maneja bien el
diseño y destaca la fotografía de Rob Hardy, pero me ha parecido que no
aporta nada nuevo al género y tiene un ritmo tedioso, además de un
desenlace que deja frío. Tampoco logro conectar con los personajes.
Basada en la magistral From Hell novela gráfica homónima escrita por Alan Moore y dibujada por Eddie Campbell. La base del filme dirigido por los hermanos Hughes se ensambla en la mencionada obra mientras se desarrolla a retazos de la misma, cambiando partes importantes de la trama pero con la esencia que nos narra Moore en su cómic.
Como todos sabemos, Jack El Destripador sigue siendo un total desconocido hoy en día, aún no se puede confirmar su personalidad pero dentro de las cientos de teorías, los guionistas Terry Hayes yRafael Iglesias se apoyan en la teoría de Moore, en el que el escritor nos muestra una historia muy realista mediante un estudio de documentación francamente admirable, que desglosa la teoría del doctor William Gull, incluyendo en la monumental conspiración a la casa real, la francmasonería y la corrupción policial como punto de partido y resolución de esta imperecedera historia real.
El desarrollo de los asesinatos, la ambientación y la sobriedad de la época están conseguidos, no tanto los personajes de Abberline y Gull, interpretados por Deep y Holm respectivamente, no es que lo hagan mal pero la caracterización que todos nos imaginamos no es la de estos dos actores. Las cinco prostitutas que murieron de manos del destripador no eran tan atractivas como la Mary Kelly que da vida Heather Graham. Se pierde un personaje importante en la trama del cómic como Lees, el vidente de la reina, que aquí está incluido en la personalidad de Abberline, haciendo una fusión bastante extraña incrustada en sesiones de mágico opio. No es la primera mezcla de historias que encajan en la cinta, al final parece que intentan no dejarse nada en el tintero aunque sea metido con calzador y sin ninguna elaboración.
Recomiendo encarecidamente leer la obra de Moore antes de ver esta película, ya que las situaciones de Abberline a la hora de trazar la investigación del caso conectadas con la fragante nueva lucidez del masón asesino, toda la maraña conspiranoica y sobre todo la francmasonería, se explica con total sutileza en la novela gráfica. Las escenas se escalonan con precipitación mientras puede dejarnos con cierta sensación de pérdida, sobre todo el tramo final, que se van sucediendo los hechos con impaciencia.
Es un placer perderse por el Whitechapel de 1888, mientras se bañaban las calles de sangre de mano del folclórico e imperecedero Jack The Ripper, en esta obra de inmersiva ambientación y seductor desarrollo con aires comerciales. Personajes que desentonan y cambios en la personalidad de los mismos con respecto a la obra From Hell de Alan Moore, publicada a principios de los noventa, quedando una adaptación fiel a retazos y compatible con el cómic en el que se basa.
